Programm:


Modest Mussorgsky
- Bilder einer Ausstellung

Fazil Say:
- Eigene Werke


Fazıl Say ist als Pianist und Komponist bekannt für seine kraftvollen, lebendigen Interpretationen. Er verbindet klassische Werke mit eigenem, oft überraschendem Blick und lässt in seinen Kompositionen türkische Rhythmen auf zeitgenössische Harmonik treffen. Sein Spiel erzählt Geschichten, erzeugt Bilder und Gefühle, die das Publikum tief berühren. Die flirrende Energie seiner Konzerte ist fast greifbar, und wir freuen uns darauf zu erleben, wie er „Bilder einer Ausstellung“ musikalisch zum Leben erweckt.

Say, geboren 1970 in Ankara, gilt als einer der charismatischsten Künstler unserer Zeit. Sein Durchbruch gelang ihm mit den Mozart-Interpretationen, die ihn weltweit bekannt machten. Heute ist er nicht nur Pianist, sondern auch Komponist von Werken, die Brücken schlagen – zwischen Orient und Okzident, Tradition und Moderne. Zu seinen ikonischen Momenten zählen die Uraufführung seiner „Istanbul Symphony“ und die gefeierte Tournee mit eigenen Klavierkonzerten, die ihn als Grenzgänger zwischen den Welten etablierten. „Ich möchte, dass Musik wie ein Gespräch ist – ehrlich, direkt und voller Emotion“, sagt Say.

Das Programm in Bochum beginnt mit Modest Mussorgskis „Bilder einer Ausstellung“, einem der monumentalsten Werke der Klavierliteratur, das mit seinen musikalischen „Gemälden“ eine Galerie voller Fantasie und Ausdruckskraft eröffnet. Danach präsentiert Fazıl Say eigene Kompositionen – Werke, die türkische Rhythmen, zeitgenössische Harmonik und persönliche Geschichten miteinander verweben. So entsteht ein Abend, der nicht nur große Meisterwerke präsentiert, sondern auch die unverwechselbare Handschrift eines Künstlers, der die Musik unserer Zeit prägt.


Mitwirkende:

Fazil Say, Klavier



Foto Fazil Say: © Fethi Karaduman

Hausöffnung ab 19:00 Uhr, Saaleinlass ab ca. 19:30 Uhr

Bitte beachten Sie, dass das Konzert aus gesundheitlichen Gründen nicht mit Fazil Say stattfindet. Fabian Müller übernimmt.

Ein Serienmörder geht um in Essen... Rainer Wüst ist zur Lesung bei uns zu Besuch und stellt sein Buch "Augenscheinlich" vor. Sie können sich auf gute Unterhaltung, nervenaufreibende Spannung und den gewissen Essener-Charme freuen. Wir freuen uns auf Sie!

Programm:

Das Schöne an der Kammermusik und damit auch an unseren Camera-Konzerten ist die besondere Nähe zwischen Publikum und Musizierenden, die es ermöglicht, die Spieler und ihre Instrumente auch einmal außerhalb des großen Klangkörpers wahrnehmen zu können. Ganz besonders gut gelingt dies bei Programmen, die Werke aus verschiedenen Zeiten und Stilrichtungen zusammenbringen und damit offenbaren, wie verschiedene Epochen Spieltechniken entwickelt oder Klangfarben bevorzugt haben. Genau so ein Konzert ist dieses: Die Besetzung aus Klarinette, Violine und Klavier erklingt als Trio und in unterschiedlichen Duo-Paarungen mit Kompositionen von Ludwig van Beethoven bis Jörg Widmann - Ein Muss für Freunde der Klarinette und ganz allgemein der Kammermusik!


Jan Vanhal:
Trio für Klarinette, Violine und Klavier Es-Dur op. 20 Nr. 5

Ludwig van Beethoven:
Sonate für Violine und Klavier G-Dur op. 30 Nr. 3

Jörg Widmann
"Tränen der Musen" für Klarinette, Violine und Klavier

Johannes Brahms:
Sonate für Klarinette und Klavier f-Moll op. 120 Nr. 1

Igor Strawisky:
Suite aus »L’Histoire du soldat« für Klarinette, Violine und Klavier


Mitwirkende:

Julia Puls,Klarinette
Stephanie Himstedt, Violine
James Maddox, Klavier

Foto: © Bochumer Symphoniker

Einlass ca. 1 Stunde vor Konzertbeginn

Programm:

Mit 22 Jahren reiste Richard Strauss nach Rom und Neapel. Danach hielt er seine Eindrücke in einer Komposition fest: "Aus Italien". Er nannte dieses Werk eine "symphonische Phantasie" – es ist (trotz der vier Sätze) nicht mehr Symphonie, aber es ist auch noch nicht symphonische Dichtung. Der 3. Satz, "Am Strande von Sorrent", entfaltet eine faszinierende, für Strauss ungewöhnliche, nahezu impressionistische Klanglandschaft. Der Komponist sprach von einem "Stimmungsbild", einer Verflechtung von Naturtönen (Wind, Wasser, Vogelrufe) mit eigenen Empfindungen.

Erich Wolfgang Korngold gehörte zu den erfolgreichsten Opernkomponisten der 1920er Jahre. Im amerikanischen Exil wurde er ein wichtiger Filmkomponist, der die Musiksprache von Hollywood prägen sollte. Seine Film-Partituren verstand Korngold als "dramatische symphonische Musik" oder "Opern ohne Gesang". Einer der letzten Filme, für die er komponierte, hieß "Devotion" (1946). Er spielt unter Musikern und gipfelt in der Aufführung eines kleinen (einsätzigen) Cellokonzerts, das Korngold komplett auskomponierte – und dann auch als eigenständiges Werk veröffentlicht hat.

Für einen Studienfreund schrieb Ottorino Respighi in jungen Jahren ein dreisätziges Cellokonzert. Das Konzert ging leider verloren – bis auf den Adagio-Satz. Den hat Respighi später noch einmal überarbeitet, zunächst für Violoncello und Klavier. 1921 – da war Respighi längst Kompositionsprofessor in Rom – machte er aus dem Adagio mit Variationen ein einsätziges Cellokonzert mit Orchester. Es ist, wie man das von Respighi kennt, ein schönes, ernstes, klanglich meisterhaftes Stück.

Auch Felix Mendelssohn Bartholdy reiste in jungen Jahren (1830-1832) nach Italien. Danach schrieb er seine "Italienische" Symphonie, die er für sein "lustigstes Stück" hielt. Die gefeierte Premiere 1833 in London dirigierte Mendelssohn selbst. Doch das blieb die einzige Aufführung der "Italienischen" zu seinen Lebzeiten – der Komponist wollte immer noch etwas daran "verbessern", kam aber nie dazu. Im 1. Satz spürt man die unbändige Unternehmungslust des Italien-Reisenden. Der 3. Satz erinnert an ein elegantes Menuett, der 4. Satz an einen wilden neapolitanischen Volkstanz. Im "Andante" aber steckt ein ergreifender Trauermarsch – Mendelssohns Förderer Goethe und Zelter waren beide 1832 gestorben.


Richard Strauss:
„Am Strande von Sorrent“ aus „Aus Italien“ op. 16

Erich Wolfgang Korngold:
Konzert für Violoncello und Orchester op. 37

Ottorino Respighi:
Adagio con Variazione für Violoncello und Orchester P. 133

Felix Mendelssohn Bartholdy:
Symphonie Nr. 4 A-Dur op. 90 „Italienische“


Mitwirkende:

Christian Poltéra, Violoncello
Bochumer Symphoniker
Tianyi Lu, Dirigentin


Foto Christian Poltéra: © Irene Zandel

Foto Tianyi Lu: © Marco Borggreve

Einlass ca. 1 Stunde vor Konzertbeginn

Restkarten, falls vorhanden, erhalten Sie ab 1 Std. vor Konzertbeginn an der Abendkasse.

Shashank Subramanyam, Bambusflöte
Kiya Tabassian, Setar
Hamin Honari, Tombak, Daf

Ein Gipfeltreffen musikalischer Grenzgänger: Zwei uns fremde Musikkulturen des Ostens – uralt, erhaben, lebendig – kommen in Good Old Europe zusammen. Drei weltweit gefragte Virtuosen, der Flötist Shashank Subramanyam aus Südindien und zwei iranisch-kanadische Mitglieder des namhaften Weltmusikensembles Constantinople aus Montreal, treffen sich zur Jam-Session im Römermuseum. Mit Subramanyam stehen der Setarspieler Kiya Tabassian und Hamin Honari, Spezialist für iranische Handtrommeln, auf der Bühne. Ihre persisch-indischen „Märchen“ sind von Tabassian oder Subramanyam komponiert oder sie entstehen in interkultureller Improvisation aus dem Augenblick heraus.

Tabassian und Honari fühlen sich mehreren „Raum-Zeiten“ zugehörig. Mit Constantinople schöpfen sie aus dem europäischen Erbe von Mittelalter, Renaissance, Barock sowie aus den Musikkulturen des Mittelmeerraums und des Mittleren Ostens, auch um sich mit anderen globalen Traditionen zu verbinden: „Als Musiker-Erfinder und Musiker-Reisende spielen wir unsere Utopien – vor dem Hintergrund von Babel. Das zu erkundende Gebiet ist unendlich: Kulturen und Erinnerungen, deren Grenzen wir verschieben möchten, damit sie am Ende konvergieren. Migration und das Vermischen der Kulturen sind unsere Spezialgebiete. Ist es vielleicht unser frühes Exil, das uns dazu gebracht hat, zur Quelle zurückzugehen, den Spuren unserer Vorfahren zu folgen und unermüdlich nach kreativen Verbündeten zu suchen?“

Einer ihrer Verbündeten ist Shashank Subramanyam, eine der prägenden Persönlichkeiten der Karnatischen, der mündlich tradierten klassischen Musik Südindiens, die auf heilige Schriften und heilige Musiker, Seher und mythische Weise zurückgeht. Für sie alle war gute Musik Medium der Selbstfindung und der Erlösung von inneren und äußeren Konflikten. Karnatische Musik, so auch das expressive Spiel Subramanyams auf Bambusflöten, besticht durch die melodische Raffinesse der Ragas (spezifischer Tonleitern mit charakteristischen Auf- und Abwärtsbewegungen, Stimmungen und Emotionen), durch die rhythmische Komplexität und Virtuosität der Talas (wiederkehrender Abläufe von Schlägen), durch ihre Ornamente und ihre spirituelle Tiefe.

Die ebenfalls mündlich und in wissenschaftlichen Schriften überlieferte persische Musik ist ein eigenes ästhetisches Universum zwischen den arabischen, zentralasiatischen und indischen Klangwelten ringsum, und sie ist von der Mystik nicht zu trennen. Sie ist eine Kunst der Improvisation und Verzierung innerhalb vorher ausgewählter Modi – das sind feste, von der Tradition vorgegebene Melodien mit jeweils eigenem emotionalen Charakter. Und wie die Karnatische Musik ist sie eine unerschöpfliche Quelle der Schönheit, Inspiration und Ekstase ...

Musical Tales – Persisch-indische Märchen
Kompositionen von Kiya Tabassian und Shashank Subramanyam, Improvisationen

Žilvinas Brazauskas, Klarinetten
Natania Hoffman, Violoncello
Yannick Rafalimanana, Klavier

Das Trio Agora treibt den Tango in die Zukunft. Dies alles zieht in sein „Hotel Tango“ ein: Tango und neuer Tango mit Tango Nuevo und neuestem Tango, afrovenezolanischer Walzer, afrokubanische Comparsa, eine Habanera, klassisch-impressionistisch verfärbt, und französische New Musette. Im Tango wie im Hotel mischen sich unterschiedliche Kulturen, Geschichten, Energien und Stile, so dass ein Neues entsteht, das alle bereichert und weiterlebt in seinen Metamorphosen. „Wir möchten“, so Trio Agora, „unsere Faszination für eine Kunstform teilen, die seit anderthalb Jahrhunderten floriert und uns auch heute noch prägt, so wie wir sie prägen.“

Das Trio Agora spielt die von Žilvinas Brasauskas arrangierten Stücke auf eine sehr persönliche Art und im Geist des Ur-Tangos, dieses einzigartigen Amalgams europäischer, südamerikanischer und afrikanischer Musiksprachen. Nur um 1900 in Buenos Aires und Montevideo hatte der Tango entstehen können: in den Bars und Bordellen der Metropolen, in den übervölkerten Armutsvierteln der Vorstädte und Häfen, in denen Millionen europäischer Immigranten, fast nur Männer, und die Nachfahren afrikanischer Sklaven lebten – marginalisiert und depraviert, einsam, frustriert und willensstark, kraftstrotzend, energiegeladen, voller Sehnsucht nach Liebe und Glück, Schönheit und Eleganz. Aus dieser Urzeit spielt das Trio Agora den ersten gedruckten Tango: „El entrerriano“ des afro-argentinischen Pianisten Rosendo Mendizábal (1897/98).

Zehn Jahre später, über Paris, wird der Tango bürgerlich, ein Gesellschaftstanz, und entwickelt sich, nun nicht mehr tanzbar, in der Kunstmusik vielfältig weiter.

„Hotel Tango“ kreist um Piazzollas Suite zu den vier Jahreszeiten seiner Heimatstadt. Ab den 1950ern revolutioniert der porteño – der Mann aus Buenos Aires – den Tango, der u.a. mit Stravinsky und Ravel schon in die klassische Musik Einzug gehalten hatte, indem er ihn mit Barock, Klassik-Avantgarde und Jazz fusioniert. Einer der neuesten Tangos ist „Foxtrot Romeo Juliett Hotel Tango“, den Joel Hoffman für das Trio Agora komponierte. Dadaistisch greift er 2022 den bürgerlichen Tango an und schreibt ihn spielerisch fort. Mithilfe des NATO-Buchstabieralphabets chiffriert er „Frederic Rzewski Joel Hotel Tango“: Sein „FRJHT“ ist ein Hotel, in dem Material des amerikanischen Komponisten Frederic Rzewski (1983–2021) verwandelt weiterlebt, eine Hommage an „einen der bemerkenswertesten Musiker unserer Zeit“ (Hoffman), der mit seiner Musik den Kapitalismus kritisieren wollte und im Interview mit BR-Klassik bekannte: „Ich bin ein alter Hippie.“

Hotel Tango
Astor Piazzolla (1921–1992): Las Cuatro Estaciones Porteñas
Antonio Lauro (1917–1986): Natalia, „Vals Criollo“. Aus: 4 Valses Venezolanos
Ernesto Lecuona (1895–1963): La Comparsa
Rosendo Mendizábal (1868–1913): El entreriano
Richard Galliano (*1950): La Valse à Margaux
Maurice Ravel (1875–1937): Pièce en forme de habanera
Igor Stravinsky (1882–1971): Tango
Joel Hoffman (*1953): Foxtrot Romeo Juliett Hotel Tango

Programm:


Johannes Brahms:
- Sonate für Violine und Klavier Nr. 1 in G-Dur, Op. 78 „Regenliedsonate“

Leoš Janáček:
- Sonate für Violine und Klavier

Amy Beach:
- Romanze für Violine und Klavier, Op. 23

Sergei Prokofiev:
- Sonate für Violine und Klavier Nr. 2 in D-Dur, Op. 94a


Seong-Jin Cho und Augustin Hadelich haben 2025 jeweils unabhängig voneinander einen Opus Klassik gewonnen. Gemeinsam spielen sie, als hätten sie schon ihr ganzes Leben miteinander musiziert. Klavier und Geige verschmelzen zu einem lebendigen Dialog – mal zart, mal leidenschaftlich. Wenn sie unter anderem Brahms’ „Regenliedsonate“ in Bochum präsentieren, erleben wir Musik, die von selbst erzählt, überrascht und berührt.

Cho, geboren 1994 in Seoul, wurde 2015 mit dem Sieg beim Internationalen Chopin-Wettbewerb weltbekannt. Seither konzertiert er mit den führenden Orchestern der Welt und begeistert mit Interpretationen, die Klarheit und emotionale Tiefe vereinen. Hadelich, vielfach ausgezeichnet – darunter auch ein Grammy –, gilt als einer der großen Geiger unserer Zeit. Seine Kunst verbindet technische Perfektion mit einer erzählerischen Intensität, die jedes Werk zum Erlebnis macht.

Das Programm im Anneliese Brost Musikforum Ruhr beginnt mit Johannes Brahms’ Sonate Nr. 1 in G-Dur, Op. 78, der „Regenliedsonate“, deren lyrische Wärme und innige Melodik sie zu einem der schönsten Werke der romantischen Kammermusik macht. Danach folgt Leoš Janáčeks Sonate für Violine und Klavier, ein Stück voller expressiver Spannung und kantiger Schönheit.

Im zweiten Teil erklingt die zarte Romanze für Violine und Klavier, Op. 23 von Amy Beach, bevor Sergei Prokofievs Sonate Nr. 2 in D-Dur, Op. 94a den Abend mit rhythmischer Brillanz und melodischer Fantasie beschließt.


Mitwirkende:

Seong-Jin Cho, Klavier
Augustin Hadelich, Violine



Foto Seong-Jin Cho: © Christopher Köstlin

Hausöffnung ab 19:00 Uhr, Saaleinlass ab ca. 19:30 Uhr

Swaantje Taube lädt in unserer Buchhandlung zur Lesung ein! Gelesen wird aus ihrem Buch "Happiness & Longevity" - Das Mut- und Mitmach-Buch für Frauen 50+: Rund um die Themen Gesundheit, Ernährung, Beauty und Styling. Swaantje Taube wird nicht nur aus ihrem Buch lesen, sondern auch gerne mit Ihnen in den Dialog treten. Also nehmen Sie gerne auch ihre Themen mit und was Ihnen so auf dem Herzen liegt. Wir freuen uns schon auf diesen tollen Abend!

Dr. Swaantje Taube ist promovierte Volljuristin und war viele Jahre als Rechtsanwältin sowie als Unternehmensjuristin tätig. Sie ist verheiratet und Mutter von zwei Kindern. Später lebte und arbeitete sie einige Jahre in den Niederlanden im Marketing. Zurück in Deutschland wechselte sie in die Modebranche. Während ihres erfolgreichen Kampfes gegen Brustkrebs wurde zusätzlich Mukoviszidose diagnostiziert. Mit 52 Jahren machte sie sich selbstständig. Sie will ein Beispiel geben für alle Frauen und auch jungen Frauen zeigen: Du brauchst keine Angst davor zu haben, älter zu werden.

Erzählte Musik: Landschaft, Stimme, Monument

Mit Werken von Sibelius, Weber und Borodin begibt sich das Universitätsorchester Duisburg-Essen unter der musikalischen Leitung von Karajan-Dirigentenpreisträger Oliver Leo Schmidt in seinem traditionellen Sommerkonzert auf Zollverein auf eine Reise durch drei Formen des musikalischen Erzählens.

In „En Saga“ öffnet Jean Sibelius eine Welt der nordischen Sage, die mehr Atmosphäre als Handlung bietet und mehr eine finnische Landschaft erzeugt, die ihre Seele erzählt. „Es ist Ausdruck eines gewissen Seelenzustandes“, sagte der damals noch junge Komponist. En Saga zählt zu den meistgespielten Werken Sibelius’.

In Carl Maria von Webers kurzem „Concertino“ mit dem jungen Solisten Moritz Siegel (17) aus der bekannten Talentschmiede „folkwang junior“ wird die Klarinette zu einem Protagonisten theatralischer Erzählung wie in einem romantischen Märchen: opernhaft-dramatisch, gesanglich schwebend, und zum Schluss jugendlich keck und brillierend.

Nach der Pause weitet sich der Blick ins Monumentale: Alexander Borodins zweite Sinfonie wirkt wie ein episches Panorama, in dem nun das große Orchester erzählt: kraftvoll, archaisch, leidend und voller Bewegung mit kantig-heroischen und singenden Themen. Es sind die Szenen eines großen historischen Romans, der mit Feier und ausgelassenem Tanz endet.

Programm
Jean Sibelius | „En Saga“ Symphonisches Poem op. 9
Carl Maria von Weber | „Concertino“ Für Klarinette und Orchester Es-Dur op. 26
Alexander P. Borodin | Sinfonie Nr. 2 h-Moll

Universitätsorchester Duisburg-Essen
Vor sechs Jahrzehnten als kleines Ensemble der Medizinischen Fakultät gegründet zählt das Universitätsorchester Duisburg-Essen heute zu den Top-Orchestern deutscher Universitäten. Sein Publikum überrascht das mittlerweile gut 90 Mitglieder zählende Ensemble immer wieder durch außergewöhnliche Programme, in denen es bekannte und weniger bekannte Werke der Konzertliteratur miteinander kombiniert. Geleitet wird das Orchester seit 2002 mit viel Schwung, Temperament und Musikalität von Oliver Leo Schmidt, Professor der Folkwang Universität der Künste und Karajan-Dirigentenpreisträger.

Foto: Matthias Duschner

Einlass: 19 Uhr

Programm:

Im Jahr 1784 hat Wolfgang Amadeus Mozart fast ausschließlich Klaviermusik komponiert. Er hatte damals nämlich eine sehr begabte und virtuose Klavierschülerin namens Barbara Ployer, die er auch stolz seinen Kollegen vorstellte. Mehrere Werke schrieb Mozart ausdrücklich für Mlle. Ployer, darunter das Klavierkonzert in G-Dur (KV 453). Es besteht aus einem heiter marschierenden Allegrosatz, einem Andante mit Solokadenz und einem abschließenden Variationensatz. Mehrere Passagen in diesem Werk sind harmonisch so interessant, dass man es häufig als Vorläufer der Romantik beschrieben hat.

Bereits in seiner 2. und 3. Symphonie hatte Gustav Mahler Lieder aus seinem Zyklus "Des Knaben Wunderhorn" wiederverwendet. In die 4. Symphonie wollte er sogar gleich mehrere davon einbauen. Denn er plante die Vierte als einen symphonischen Spaß – mit kleinerem Orchester, in heiterem bis kindlichem Ton, mit weniger romantischem Pathos. Im Kopfsatz scheinen in der Tat Kinderlieder anzuklingen. Das Scherzo geriet dann aber doch ziemlich grotesk-gruselig, der langsame Satz sogar ergreifend düster. Am Ende hat Mahler nur eines der "Wunderhorn"-Lieder verwendet: "Das himmlische Leben", eine kindliche Vision des Paradieses (4. Satz).


Wolfgang Amadeus Mozart:
Konzert für Klavier und Orchester G-Dur KV 453

Gustav Mahler:
Symphonie Nr. 4 G-Dur


Einführung mit Tung-Chieh Chuang am Klavier um 19 Uhr im Großen Saal


Mitwirkende:

Miah Persson, Sopran
Bochumer Symphoniker
Tung-Chieh Chuang, Klavier und Dirigent


Mit diesem Konzert nehmen wir Abschied von unserem Generalmusikdirektor und Intendanten Tung-Chieh Chuang – Danke für 5 Jahre voller Musik!



Foto Miah Persson: © Reka Choy
Foto Tung-Chieh Chuang: © Marco Borggreve

Hausöffnung um 18:45 Uhr, Einführung im Großen Saal um 19:00 Uhr

Erzählte Musik: Landschaft, Stimme, Monument

Mit Werken von Sibelius, Weber und Borodin begibt sich das Universitätsorchester Duisburg-Essen unter der musikalischen Leitung von Karajan-Dirigentenpreisträger Oliver Leo Schmidt in seinem traditionellen Sommerkonzert auf Zollverein auf eine Reise durch drei Formen des musikalischen Erzählens.

In „En Saga“ öffnet Jean Sibelius eine Welt der nordischen Sage, die mehr Atmosphäre als Handlung bietet und mehr eine finnische Landschaft erzeugt, die ihre Seele erzählt. „Es ist Ausdruck eines gewissen Seelenzustandes“, sagte der damals noch junge Komponist. En Saga zählt zu den meistgespielten Werken Sibelius’.

In Carl Maria von Webers kurzem „Concertino“ mit dem jungen Solisten Moritz Siegel (17) aus der bekannten Talentschmiede „folkwang junior“ wird die Klarinette zu einem Protagonisten theatralischer Erzählung wie in einem romantischen Märchen: opernhaft-dramatisch, gesanglich schwebend, und zum Schluss jugendlich keck und brillierend.

Nach der Pause weitet sich der Blick ins Monumentale: Alexander Borodins zweite Sinfonie wirkt wie ein episches Panorama, in dem nun das große Orchester erzählt: kraftvoll, archaisch, leidend und voller Bewegung mit kantig-heroischen und singenden Themen. Es sind die Szenen eines großen historischen Romans, der mit Feier und ausgelassenem Tanz endet.

Programm
Jean Sibelius | „En Saga“ Symphonisches Poem op. 9
Carl Maria von Weber | „Concertino“ Für Klarinette und Orchester Es-Dur op. 26
Alexander P. Borodin | Sinfonie Nr. 2 h-Moll

Universitätsorchester Duisburg-Essen
Vor sechs Jahrzehnten als kleines Ensemble der Medizinischen Fakultät gegründet zählt das Universitätsorchester Duisburg-Essen heute zu den Top-Orchestern deutscher Universitäten. Sein Publikum überrascht das mittlerweile gut 90 Mitglieder zählende Ensemble immer wieder durch außergewöhnliche Programme, in denen es bekannte und weniger bekannte Werke der Konzertliteratur miteinander kombiniert. Geleitet wird das Orchester seit 2002 mit viel Schwung, Temperament und Musikalität von Oliver Leo Schmidt, Professor der Folkwang Universität der Künste und Karajan-Dirigentenpreisträger.

Foto: Matthias Duschner

Einlass: 16:00 Uhr

Programm:

Im Jahr 1784 hat Wolfgang Amadeus Mozart fast ausschließlich Klaviermusik komponiert. Er hatte damals nämlich eine sehr begabte und virtuose Klavierschülerin namens Barbara Ployer, die er auch stolz seinen Kollegen vorstellte. Mehrere Werke schrieb Mozart ausdrücklich für Mlle. Ployer, darunter das Klavierkonzert in G-Dur (KV 453). Es besteht aus einem heiter marschierenden Allegrosatz, einem Andante mit Solokadenz und einem abschließenden Variationensatz. Mehrere Passagen in diesem Werk sind harmonisch so interessant, dass man es häufig als Vorläufer der Romantik beschrieben hat.

Bereits in seiner 2. und 3. Symphonie hatte Gustav Mahler Lieder aus seinem Zyklus "Des Knaben Wunderhorn" wiederverwendet. In die 4. Symphonie wollte er sogar gleich mehrere davon einbauen. Denn er plante die Vierte als einen symphonischen Spaß – mit kleinerem Orchester, in heiterem bis kindlichem Ton, mit weniger romantischem Pathos. Im Kopfsatz scheinen in der Tat Kinderlieder anzuklingen. Das Scherzo geriet dann aber doch ziemlich grotesk-gruselig, der langsame Satz sogar ergreifend düster. Am Ende hat Mahler nur eines der "Wunderhorn"-Lieder verwendet: "Das himmlische Leben", eine kindliche Vision des Paradieses (4. Satz).


Wolfgang Amadeus Mozart:
Konzert für Klavier und Orchester G-Dur KV 453

Gustav Mahler:
Symphonie Nr. 4 G-Dur


Einführung mit Tung-Chieh Chuang am Klavier um 19 Uhr im Großen Saal


Mitwirkende:

Miah Persson, Sopran
Bochumer Symphoniker
Tung-Chieh Chuang, Klavier und Dirigent


Mit diesem Konzert nehmen wir Abschied von unserem Generalmusikdirektor und Intendanten Tung-Chieh Chuang – Danke für 5 Jahre voller Musik!



Foto Miah Persson: © Reka Choy
Foto Tung-Chieh Chuang: © Marco Borggreve

Hausöffnung um 14:45 Uhr, Einführung im Großen Saal um 15:00 Uhr

Programm:


Frédéric Chopin:
- Mazurken in h-Moll, Op. 33 Nr. 4, in e-Moll, Op. 41 Nr. 2, und in f-Moll, Op. 63 Nr. 2
- Prélude in cis-Moll, Op. 45
- Sonate Nr. 2 in b-Moll, Op. 35

Franz Schubert:
- Sonate Nr. 21 in B-Dur, D 960


Arcadi Volodos spielt, als würde sich auf dem Klavier ein ganzes Bühnenstück entfalten. Jeder Ton erzählt, jede Wendung überrascht. Virtuosität, Spannung und Tiefe verschmelzen zu einem Erlebnis, das einen unmittelbar hineinzieht ins Klanggeschehen. Selbst vertraute Werke gewinnen unter seinen Händen neue Dramatik, füllen den Raum mit Intensität – und machen jeden Moment zu etwas Einzigartigem.

Volodos, geboren 1972 in Sankt Petersburg, gilt als einer der großen Klangmagier unserer Zeit. Seine Interpretationen sind berühmt für ihre poetische Tiefe und technische Brillanz. „Ich spiele nicht für den Effekt, sondern für die Wahrheit des Klangs“, sagt Volodos – und genau das spürt man in jedem seiner Konzerte.

Das Programm beginnt mit einer Auswahl von Frédéric Chopin: drei Mazurken – in h-Moll, Op. 33 Nr. 4, in e-Moll, Op. 41 Nr. 2 und in f-Moll, Op. 63 Nr. 2 –, gefolgt vom Prélude in cis-Moll, Op. 45 und der Sonate Nr. 2 in b-Moll, Op. 35, deren berühmter Trauermarsch zu den ikonischen Momenten der Klavierliteratur zählt.

Im zweiten Teil erklingt Franz Schuberts Sonate Nr. 21 in B-Dur, D 960, ein Werk von symphonischer Weite und melancholischer Tiefe, das zu den letzten großen Schöpfungen des Komponisten gehört.


Mitwirkende:

Arcadi Volodos, Klavier



Foto Arcadi Volodos: © Marco Borggreve

Hausöffnung ab 19:00 Uhr, Saaleinlass ab ca. 19:30 Uhr

Programm:

„Durch seine Arbeit als Musiker, Bandleader, Lehrer, multidisziplinärer Künstler und Wissenschaftler spielt er eine entscheidende Rolle als Bewahrer des kulturellen Erbes des Jazz“, so die Jury des Amherst College in Massachusetts, das Jason Moran im Mai 2024 zum „Doctor of Arts“ ernannte. Beim Klavier-Festival Ruhr zeigte Moran kurz darauf seinen Einsatz für die Jazztradition, indem er mit der hr-Bigband „125 Jahre Duke Ellington“ feierte.
Immer wieder setzt der Pianist sich mit verschiedenen Stilen auseinander, von Swing bis Hip-Hop, und beleuchtet sie aus neuer Perspektive, etwa mit Installationen und Multimediaprojekten. Solo am Klavier dürfte er neben eigenen auch Stücke von Altmeistern wie James P. Johnson, Fats Waller oder Jazzlegende Thelonious Monk aufführen – auf seine unverwechselbare Art.

Dauer: ca. 2 Stunden (inkl. Pause)


Mitwirkende:

Jason Moran, Klavier


Foto Jason Moran: © Clay Patrick McBride

Einlass ca. 1 Stunde vor Konzertbeginn

Einlass: 18.30 Uhr

Programm:

Werke von Ludwig van Beethoven, Franz Schubert


Technische Perfektion, tiefer Ausdruck und verblüffende Intuition: Wenn man Kenner und Kollegen fragt, was das Spiel von Grigory Sokolov so besonders macht, muss man sich auf eine lange Antwort einstellen. Jeder Ton wirkt bedacht, jede Wendung überraschend, jede Phrase sorgfältig geformt. Sokolov ist ein Pianist, der Technik, Ausdruck und Musikalität auf höchste Weise vereint – der ideale Künstler für das Abschlusskonzert des Klavier-Festivals Ruhr 2026.

Geboren 1950 in Leningrad, gewann er bereits mit 16 Jahren den Tschaikowsky-Wettbewerb in Moskau – ein Triumph, der den Beginn einer einzigartigen Karriere markierte. Seit seinem ersten Auftritt beim Klavier-Festival Ruhr im Jahr 1993 ist er dem Festival eng verbunden: Das Konzert 2026 ist sein 26. Auftritt hier – eine beeindruckende Kontinuität, die seine besondere Beziehung zu diesem Ort unterstreicht.

Über seine Kunst sagt Sokolov: „Musik ist für mich kein Beruf, sondern ein Aspekt des Lebens. So natürlich wie Atmen. Man weiß nicht, wie man atmet – man tut es einfach. Genauso ist es mit der Musik. Sie ist Leben. Die innere Welt ist das Wichtigste, nicht die äußere Form. Vieles geschieht spontan, aber auf einer sehr hohen Stufe der Arbeit.“

Das Abschlusskonzert des Klavier-Festival Ruhr 2026 im Anneliese Brost Musikforum Ruhr wird eine Begegnung mit einem Künstler sein, der Musik als existenziellen Dialog versteht – und damit jeden Ton zu einem Ereignis macht.


Mitwirkende:

Grigory Sokolov, Klavier



Foto Grigory Sokolov: © Vico Chamla

Hausöffnung ab 19:00 Uhr, Saaleinlass ab ca. 19:30 Uhr

Das Kartenkontingent ist erschöpft. Bitte wenden Sie sich das Klavier-Festival Ruhr.

Einlass: 18.30 Uhr

Daniela Koch Flöte
Eyal Ein-Habar Flöte
Kimiko Imani Klavier

Golden, warm, nobel und brillant, der Klang der Flöten, vielfarbig das Klavier. Die Virtuos:innen Daniela Koch, Eyal Ein-Habar und Kimiko Imani präsentieren glänzende Highlights des Flötenrepertoires.

Schimmernd und schillernd, geheimnisvoll oder direkt, modern und dennoch so alt wie der Mythos: die Flöte, Syrinx. Der geile Naturgott Pan, der den Oberkörper eines Mannes bzw. Gottes und Beine, Hörner und Bart eines Widders hat, baute die Flöte – als Panflöte – aus Schilfrohr. In das hatte sich die keusche Nymphe Syrinx verwandelt, um seinem Übergriff zu entgehen. So erzählte es „Ovid“ vor über 2.000 Jahren in seinen „Metamorphosen“. Claude Debussy macht im Flötensolo „Syrinx“ aus dem Mythos, aus Flucht und Verwandlung der Nymphe, mystisch-impressionistische Klangpoesie. Und inspiriert durch Mallarmés Gedicht „L’après-midi d’un faune“ komponierte er für Flöte und Klavier suggestive „Stimmungsbilder, durch die hindurch sich die Begierden und Träume des Fauns in der Hitze des Nachmittags bewegen“ (Debussy).

Erwin Schulhoff verehrte die französische Musik, insbesondere Debussy, was auch in seiner Flötensonate von 1927 anklingt, wobei sein Stil sehr persönlich und körperlich-rhythmisch, von der klassischen Moderne und vom Jazz inspiriert ist. Die Sonate ist zugleich zugänglich, spielerisch, virtuos und ästhetisch anspruchsvoll, das Finale tänzerisch mit einem Schuss Ironie.

Schöne Melodien, rasante Stimmführung und Kontrapunkt, expressive Dissonanzen und Auflösungen bei Friedemann Bach. Intensität und Emotionalität auch in Bruder Emanuels Triosonate: ein lebhafter Dialog der Melodiestimmen, lyrisch-empfindsam das Adagio, energisch das Allegro. Charme und Eleganz, opernhafte Phrasierung, kontrastreiche Dynamik bei Kuhlau, dem „Beethoven der Flöte“. Zum Abschluss ein Rausschmeißer-Showpiece des Frühromantikers Fürstenau, des Starflötisten und Komponisten aus – Münster.

Daniela Koch ist eine der profiliertesten Flötist:innen ihrer Generation, Soloflötistin der weltweit renommierten Bamberger Symphoniker, gefragte Solistin und Kammermusikerin. Eyal Ein-Habar, bis 2014 Soloflötist des Israel Philharmonic Orchestra unter Zubin Mehta, ist Professor an der Musikhochschule Münster. Sie werden begleitet von der in Europa und Asien mit namhaften Holzbläsersolisten gastierenden Pianistin Kimiko Imani.

Syrinx
Wilhelm Friedemann Bach (1710–1784): Sonate e-Moll, F. 54, für 2 Flöten
Carl Philipp Emanuel Bach (1714–1788): Trio Sonate a-Moll, H. 572
Claude Debussy (1862–1918): Syrinx, für Flöte solo | Prélude à l’après-midi d’un faune für Flöte und Klavier
Erwin Schulhoff (1894–1942): Sonate für Flöte und Klavier
Friedrich Kuhlau (1786–1832): Trio concertant G-Dur für 2 Flöten und Klavier, op. 119
Anton Bernhard Fürstenau (1792–1852): Rondo Brillant für 2 Flöten und Klavier, op. 102

Sinatra Summer Swing mit Tom Gaebel!

Am 02.08.2026 singt Tom Gaebel mit seinem Orchester im Dinslakener Burgtheater.

Wenn die Tage länger werden und die Nächte in warmem Glanz erstrahlen, lädt Entertainer Tom
Gaebel zu seinem „Sinatra Summer Swing“ – einem Sommerkonzert voller Glamour, Gefühl und
großem Big-Band-Sound. Auf ausgewählten Open-Air-Bühnen präsentiert der Gentleman des
Swing eine mitreißende glamouröse Show, die das Publikum direkt in die goldene Ära der
amerikanischen Unterhaltung entführt.

Mit unverwechselbarer Eleganz interpretiert Tom Gaebel zeitlose Sinatra-Klassiker wie „New
York, New York“, ergänzt durch beschwingte Bossa-Nova-Songs und frische Arrangements, die
den Sommerabend in festivalreife Klangfarben tauchen. Die Konzertreihe verbindet das Flair
eines exklusiven Festivals mit einer locker-leichten Atmosphäre, die perfekt zur warmen
Jahreszeit passt.

Ob leidenschaftliche Ballade, lässiger Lounge-Vibe oder energiegeladener Swing – „Sinatra
Summer Swing“ verspricht ein musikalisches Erlebnis, das Herz und Füße gleichermaßen in
Bewegung bringt. Ein Abend voller Stil, Rhythmus und Lebensfreude – und eine Einladung, den
Sommer mit einem Augenzwinkern und viel guter Musik zu feiern.

Einlass: 19:00 Uhr

Autorin Sabine Hofmann ist in Bochum aufgewachsen und auch wenn sie mittlerweile nicht mehr im Ruhrgebiet lebt, lässt sie ihre ehemalige Heimat doch nicht los. Deshalb entführt sie uns erneut in das Ruhrgebiet der Nachkriegszeit, diesmal in die 1960er. Wir folgen Heddy Voss, die sich mit Einbrüchen über Wasser hält, um ihre kranke Schwester Elsa zu pflegen. Heddy gerät durch einen Zufall an gefährliche Informationen, welche die Schwestern zwischen die Fronten eines Spionagekrieges geraten lassen.