Energiekrise. Welche Energiekrise? Stoppok war, ist und bleibt eine
Ausnahmeerscheinung auf der Bühne – ein Meister des magischen Moments. Der
Hamburger mit der Ruhrpott-Prägung liebt die Energie des authentischen Augenblicks, er
mag’s live und lebendig, er ist ein hinreißender Entertainer und einmaliger
Singersongwriter, wie es ihn in diesem Lande kein zweites Mal gibt. Risiko und
Spontaneität zeichnen ihn aus, aus Konzertsälen werden Intensivstationen voller
Überraschungen und Improvisation. Wer solch aussagekräftige Texte und Lieder schreibt
(von „Tanz“ über „Dumpfbacke“ bis „Wetterprophet“), kann sich das auch (zu)trauen. Bei
dem Sänger und Multiinstrumenalisten, der u.a. mit dem Musikautorenpreis der GEMA,
dem Weltmusikpreis RUTH und dem Deutschen Kleinkunstpreis ausgezeichnet wurde,
wird aus Haltung Unterhaltung, aus dem Irrsinn wachsen Humor und Hoffnung. Auch nach
weit über 40 Bühnenjahren trifft Stefan Stoppok den richtigen Ton und die Themen der
Zeit.
Mit seinem 20. Studioalbum gerät er nun in „Teufelsküche“ (Glitterhouse). Es ist
angerichtet: Nach seinem jüngsten Chart-Erfolg „Jubel“ (das Album stieg zu Beginn der
Pandemie 2020 auf Platz 4 der deutschen Charts ein) präsentiert Stoppok mit seiner
souveränen Band die neuen Songs nun auf Tournee. „Teufelsküche“ ist ein kraftvolles
Statement geworden, oszillierend zwischen Reverenzen an Dylan und Solomon Burke,
analog und direkt eingespielt. Stoppoks musikalische Antwort auf die allgegenwärtige
Seuche des digitalen Überschminkens. Der Sänger weiß, dass sich Denken und
Glückssachen nicht im Wege stehen. Besonders, wenn Mensch und Natur zu erhöhten
Temperaturen neigen. Der Weg zur Hölle ist bekanntlich mit guten Vorsätzen gepflastert.
Oder mit guten Songs.

Text: © Andreas Radlmaier
Bild: © Sebastian Niehoff

Einlass: 19:00 Uhr

Lieder voller Wut und Verzweiflung
Am Anfang seiner Karriere riet man dem Belgier Jacques Brel aufgrund seines Aussehens, hinter der Bühne zu bleiben und für andere Interpreten zu schreiben. Zurückweisungen wegen Brels vermeintlicher Hässlichkeit zogen sich durch dessen Leben.
Dennoch wurde er in den 50er Jahren zu einem der wichtigsten Repräsentanten des französischen Chansons. In seine Drei-Minuten-Chansons packte er die ganz großen Dramen des Lebens: Sie handeln von der Liebe, sie werfen einen nostalgischer Blick auf die Kindheit, oder sie wenden sich gegen die Bigotterie der Spießer.
Die Chansons werden verbunden durch Textpassagen aus der Biographie von Jacques Brel.
Gesang: Markus Kiefer
Klavier: Martin Lelgemann
Deutsche Übersetzung: Klaus Hoffmann
Zwischentexte: Frank Augustin

Jenny Don’t & The Spurs gehen seit über 10 Jahren ihren eigenen Weg in der Musikwelt. Sie sind für ihren energiegeladenen Country & Western-Stil und ihre fesselnde Bühnenpräsenz bekannt und haben mit ihrem ansteckenden Enthusiasmus und ihrer umfangreichen Diskographie, die drei Alben, eine EP und neun Singles umfasst, eine weltweite Fangemeinde gewonnen.

Ihre LP „Fire on the Ridge“ aus dem Jahr 2021 erweiterte ihren Horizont und führte sie auf Tourneen auf Kontinente, auf denen nur wenige andere Country-Bands die Gelegenheit hatten, aufzutreten, was ihre beeindruckende Präsenz in der Country-Musikszene untermauerte. Die neueste Veröffentlichung, „Broken Hearted Blue“, die am 14. Juni 2024 erschienen ist, heizte ihr Feuer noch mehr an.

Mit ihrem aufregenden neuen Album „Broken Hearted Blue“ präsentieren Jenny Don’t & The Spurs 10 dynamische Songs, die die Essenz der Musikklänge des Nordwestens kanalisieren und gleichzeitig die Nostalgie der westlichen Grenze heraufbeschwören. Das Album strotzt nur so vor der explosiven Energie des Eröffnungsstücks „Flyin‘ High“, die an ein wildes Pferd erinnert, das von einem Blitz angetrieben wird. Der Song verbindet gekonnt die Garage-Rock-Ursprünge der Band mit ihrem ausgeprägten Western-Sound, der sich durch ein treibendes Tempo und düstere Fuzz-Töne auszeichnet. Von Anfang an behauptet sich dieses Album als etwas Besonderes in der Country-Musikszene, wobei es sich durch seinen hochoktanigen Rock-Western-Ansatz von der Masse abhebt.

Einlass: 19:30 Uhr

STRANGE KIND OF WOMEN – The Classic Deep Purple Years
The World‘s Only Female Rockband with their Hommage to DEEP PURPLE

Als ROCK-KLASSIKER von DEEP PURPLE wie HIGHWAY STAR, SPEED KING, CHILD IN TIME, BURRN oder das legendäre SMOKE ON THE WATER die Hardrock-Szene in den 70er Jahren entstanden ießen, waren diese 5 Musikerinnen noch gar nicht geboren!!!

Die gut 1 ½ stündige Bühnen-Performance mit ihrem leidenschaftlichen,energiegeladenen Temperament vermittelt einen authentischen Eindruck des Schaffens der Rock-Ikonen und überzeugt Unbedarfte wie Szene-Veteranen gleichermaßen. Nur wenige Bands schaffen es, ihren Vorbildern in Show und Sound tatsächlich nahe zu kommen. Darauf wurde auch Ian Paice, der legendäre Schlagzeuger von Deep Purple und das aktuell einzig verbliebene Gründungsmitglied von Deep Purple, aufmerksam und ist seitdem so sehr begeistert, dass er sogar auf einem gemeinsamen Konzert in Graz mit Ihnen spielte. Danach sagte er: „Es macht wirklich viel Spaß mit ihnen zu spielen. Sie machen einen wirklich tollen Job, haben einen großartigen Sound und geben alles. Ich habe es sehr genossen mit Ihnen zu spielen.“

Die Besetzung von „Strange Kind Of Women – The Classic Deep Purple Years“ bilden fünf professionelle, international agierende Musikerinnen. Als Frontfrauen agieren, die in Italien Bewunderung und Berühmtheit genießen: Alteria, die man als Sängerin ihrer eigenen Alternative Rockband „Alteria“ kennt und Gitarristin Eliana Cargnelutti, die neue Hoffnung des italienischen Blues Rocks. Begleitet werden sie von Chiara Cotugno am Schlagzeug, Margherita Gruden an den Keyboards und Elettra Pizzale am Bass.

Einlass: 19:00

Große Freude: Reinhold Beckmann kommt auf Solo-Tour. Im Gepäck eine Menge neuer Songs, die er zum ersten Mal vor Publikum spielen wird. Beckmanns Song-Kollektion ist voller Überraschungen. Ob das lässige "Alles schon probiert“ über die Wechselfälle des Lebens, ob intimer akustischer Folk wie bei „Sei mein Lächeln“ oder das lakonische „Der Lack ist ab“: Tiefgang und Leichtigkeit gehen bei ihm Hand in Hand. Dazwischen zeigt sich der Musiker Beckmann immer wieder als charmanter und inhaltsstarker Erzähler.

Reinhold Beckmann punktet mit tief verwurzelter Musikalität, er kann Herz wie feine Ironie, und weiß nicht zuletzt um das Politische im Privaten: Beim familienbiographisch gefärbten Antikriegssong "Vier Brüder" heißt es Innehalten und tief Durchatmen - beeindruckend!

In den letzten zwei Jahren war Beckmann fast durchgängig auf Lesetour, um sein berührendes Buch „Aenne und ihre Brüder“ vorzustellen. An die hundert Mal hat Beckmann aus seinem Spiegel-Bestseller vorgelesen. Die Geschichte seiner Mutter, deren vier Brüder aus dem Krieg nicht mehr nach Hause kamen, hat Publikum und Leserschaft tief bewegt.

Jetzt aber geht Beckmann auf exklusive Solo-Tour. Er wird seine neuen Song-Texte vorstellen – ein erster Vorgeschmack auf sein demnächst erscheinendes neues Album. Darunter „Himmelfahrt bei Herford“, eine ebenso kuriose wie augenzwinkernde Geschichte über gelungene Integration und Liebesglück an einem katholischen Feiertag in Ostwestfalen. Oder das Beziehungsdrama „Besteckkastenrandale“. Da triefen Blut und Gift förmlich aus jeder Zeile. In „Zuviel Volt“ besingt Beckmann auf fast schon selbstmörderische Art, wie lebensgefährlich Liebe im Alltag sein kann. Der Song steht unter Hochspannung: ob Beckmann da heil rauskommt? Und dann wäre da ja auch noch das groovige „Erdbeerstandmädchen“. Reinhold Beckmann hat zwei Textversionen mit unterschiedlichem Ausgang mit dabei. Die Zuhörer dürfen live entscheiden, welche Textfassung es auf die neue Platte schaffen wird.

Reinhold Beckmann ist Singer/Songwriter, Musiker aus Leidenschaft und ein packender Geschichtenerzähler. Wer schon einmal die Gelegenheit hatte, ihn auf der Bühne zu erleben, weiß, dass er abliefert, die Leute mitnimmt und prächtig unterhält. „Ich liebe es einfach, live zu spielen, diese enge Verbindung zum Publikum. Jeder Abend hat seine eigene Dynamik und Geschichte. Und wenn am Ende alle stehen und mitsingen – fühlt sich alles richtig und gut an.“ 

Ein Grund mehr, sich auf ein Beckmann Solo zu freuen! 

Der gefeierte Singer/Songwriter/Multiinstrumentalist Dylan LeBlanc hat am 20. Oktober 2023 sein mit Spannung erwartetes neues Album Coyote über ATO Records veröffentlicht. In „Coyote“ begibt sich der produktive Wortschmied auf ein charakterbasiertes Abenteuer mit einem Mann, besessen von Dämonen, der auf der Flucht ist.

„Coyote“ ist sowohl halbautobiografisch als auch ein Konzeptalbum und erzählt von einem Mann, der gefährlich und immer am Abgrund lebt. Coyote selbst ist in der kriminellen Unterwelt Mexikos gefangen. Während er darum kämpft, einen Ausweg aus seinem verräterischen Lebensstil zu finden, wird er von seiner Vergangenheit gequält und erträgt den Schmerz und das Bedauern über die verlorene Liebe und ein verschwendetes Leben. Auf der Suche nach Erlösung und Freiheit wird Coyote mit dem Wesen der menschlichen Natur, dem Materialismus und dem inhärenten Wunsch nach mehr konfrontiert.

Als die Geschichte ihren Höhepunkt erreicht, sieht er sich in Los Angeles an einem gefährlichen Scheideweg und lässt die Zuhörer über sein Schicksal im Ungewissen.

Einlass: 19:00 Uhr

Basia Bulat ist eine Singer-Songwriterin, die in Montreal, Kanada, lebt. Sie bietet sowohl eine unverwechselbare Stimme als auch eine Kunstfertigkeit, die sich sowohl an Gospel und Soul als auch an klassischem Folk orientiert. Zusätzlich zu ihren Fähigkeiten als kraftvolle Sängerin ist Bulat eine versierte Multiinstrumentalistin, die E-Gitarre, Klavier, Autoharfe, Ukulele, Bass und Charango aufnimmt und spielt.

Ihr neues Album Basia’s Palace, gemischt von Tucker Martine (Beth Orton, Neko Case, The National) und mit Streicharrangements des Grammy-nominierten Komponisten Drew Jurecka (Dua Lipa, Metric, Alvvays), ist am 21. Februar 2025 erschienen.

Basia’s Palace startete im Jahr 2022. Ein neues Zuhause, eine neue Familie, eine Pause: Die Sängerin fand endlich Zeit, ihre eigenen Gedanken zu hören, über alte Geschichten nachzudenken und ihren Nintendo hochzufahren, um Dragon Warrior 4 zu spielen. Es erinnerte Bulat an Anekdoten, die Bulat über Leonard Cohen gehört hatte – wie er um drei oder vier Uhr morgens, bevor seine Kinder aufwachten, am besten schrieb, wenn er da saß und mit den Voreinstellungen seiner Casio spielte. Jetzt war es Bulat, die sich heranschlich, um Rollenspiele zu spielen oder Musik auf ihrem MacBook zu machen und auf die Geisterwelt zu lauschen, zu einer Zeit, als der Schleier am dünnsten schien. 

Die Songs, die sie kreierte, fühlten sich nicht wie alles an, was sie zuvor aufgenommen hatte – MIDI-Klanglandschaften, die schwebten und schimmerten, wie versteckte Ebenen über (oder unter) dem Geschehen.

Einlass: 19:30 Uhr

Nach einer kurzen kreativen Pause melden sich Thomas D & The KBCS mit brandneuer Musik zurück und gehen 2025 wieder auf Tour. Dieses Mal im Doppelpack gemeinsam mit Flo Mega.
„Aus dem Studio direkt auf die Bühne. Ich kann nur so viel sagen: Wir werden eine neue Platte im Gepäck haben“, verrät Thomas D voller Vorfreude. „Die ersten Konzerte nach langer Pause sind immer etwas ganz Besonderes. Ich freue mich, mein Solo-Publikum mit etwas Neuem zu überraschen.“
Thomas D & The KBCS verbindet eine besondere musikalische Partnerschaft, die seit 2018 mit der Veröffentlichung des Albums The M.A.R.S. Sessions stetig gewachsen ist. Mit den Alben M.A.R.S. Sessions II und dem Live-Album Little Big Beat Studio Sessions, beide 2024 erschienen, haben sie nicht nur ihre künstlerische Vision weiter verfeinert, sondern auch eindrucksvoll unter Beweis gestellt, wie vielseitig und emotional ihre Musik sein kann.
Die kommende Tour wird diese musikalische Reise fortsetzen – mit Songs aus den bisherigen Alben und neuem Material, das live eine besondere Energie entfaltet. „Es sind jedes Mal sehr emotionale Konzerte, wenn Thomas D & The KBCS zusammenkommen. Und dieses Mal haben wir noch eine extra Überraschung dabei“, betont Thomas D.
Mit ihrer unverkennbaren Mischung aus Rap, Rock und Soul haben Thomas D & The KBCS die Herzen der Musikfans im Sturm erobert. Das neue Album und die anstehende Tour versprechen, ein weiteres musikalisches Highlight zu werden. Am 10. April machen die fünf Musiker Halt im Mojo Club auf der Hamburger Reeperbahn.

Einlass: 19:00 Uhr

Lieder voller Wut und Verzweiflung
Am Anfang seiner Karriere riet man dem Belgier Jacques Brel aufgrund seines Aussehens, hinter der Bühne zu bleiben und für andere Interpreten zu schreiben. Zurückweisungen wegen Brels vermeintlicher Hässlichkeit zogen sich durch dessen Leben.
Dennoch wurde er in den 50er Jahren zu einem der wichtigsten Repräsentanten des französischen Chansons. In seine Drei-Minuten-Chansons packte er die ganz großen Dramen des Lebens: Sie handeln von der Liebe, sie werfen einen nostalgischer Blick auf die Kindheit, oder sie wenden sich gegen die Bigotterie der Spießer.
Die Chansons werden verbunden durch Textpassagen aus der Biographie von Jacques Brel.
Gesang: Markus Kiefer
Klavier: Martin Lelgemann
Deutsche Übersetzung: Klaus Hoffmann
Zwischentexte: Frank Augustin

Geht es um die kapverdische Musik des 21. Jahrhunderts, dann ist sie zweifelsfrei die Stimme der Zukunft. Seit ihrem Debütalbum Navega hat Mayra Andrade dem atlantischen Archipel die Türen zur Welt geöffnet. Nun kehrt sie auf die Bühne zurück: Mit reEncanto präsentiert sie eine intime Rückschau auf Highlights aus ihrer Karriere. Das intime Duo-Set-Up komplettiert Akustikgitarrist Djodje Almeida.

Das portugiesische Wort encanto lässt sich mit „Zauber“, aber auch mit „Schmuckstück“ übersetzen. Ein Zauber geht von der Präsenz und der Stimme von Mayra Andrade zweifellos aus – und Schmuckstücke sind ihre Werke ganz sicher ebenfalls. „Ein Song, der in Aufrichtigkeit geschrieben wurde und Wahrheit in sich trägt, ist zeitlos“, sagt sie. Noch mehr: Er kann nach zehn oder gar zwanzig Jahren ganz neue Facetten enthüllen, in einem anderem Soundkontext seine zweite Natur offenbaren. reEncanto also: die Chance für das Publikum und die Interpretin selbst, großartige Songs aus ihrer seit 2006 andauernden Laufbahn noch einmal zu erleben.

Das Konzept dieser Show entstand aus einem inneren Bedürfnis heraus. Nach der Isolation der Pandemie-Zeit brach Mayra Andrade zunächst persönlich zu ganz neuen Ufern auf und verkündete 2022 ihre Schwangerschaft: „Ich gehe gerade durch eine sehr magische Phase in meinem Leben. Ich bringe selbst Leben hervor, in meinem Körper schlagen zwei Herzen. Das brachte mit sich, dass ich in ein Nest gehen will, zu den Wurzeln meiner Songs, die ja auch aus meinem Bauch geboren worden sind. Und so schuf ich diesen Ort, an dem ich Geschichten und Gefühle der letzten 20 Jahre teilen kann.“

Mit ihrem Landsmann Djodje Almeida hat sie dafür einen Traumpartner gefunden. Der Gitarrist übersetzt die Beats der Originalstücke in erfindungsreiche, mal komplexere, mal leichtfüßige Schlagmuster, setzt gleichzeitig melodische Kontrapunkte. „Ich gebe ihm Freiheit und die Autonomie, seine eigenen Ideen zu entwickeln. Wie in einem Gemälde ergänzt er einfühlsam Farben“, sagt Andrade voller Anerkennung über ihren Dialogpartner.

Das Repertoire von reEncanto umspannt Titel aus allen Karriereabschnitten Andrades: Da sind Klassiker aus dem Debüt Navega, mit dem die Sängerin 2006 blutjung erstmals international in Erscheinung trat - als kosmopolitische Erbin der großen Cesaria Evora, auf Kuba geboren, mit Lebensstationen auf der tropischen Kapverden-Insel Santiago, im Senegal, in Deutschland, Angola und in Frankreich. Mit Chanson, anglo-amerikanischem Songwriting und brasilianischen Tönen färbte sie ihre unverschämt lässigen Stücke, und mit dem afrikanischen Erbe Cabo Verdes, das sich in den Rhythmen Funaná und Batuko manifestiert. Diese Mischung war damals unerhört für die kapverdische Klanglandschaft und setzte sich auf den Alben Stória Stória… und Lovely Difficult fort. Aus letzterem hat sie für reEncanto etwa das melancholisch groovende A-Min Kreu Txeu in der Landessprache Kriolu herausgegriffen.

Und schließlich übersetzt Andrade auch die elektronisch geprägten Songs ihres bislang letzten und gewagtesten Opus‘ Manga (2019) in den Kontext von Stimme und Gitarre. Hier finden - etwa in Limitason oder Plena - die erstaunlichsten Metamorphosen statt, zurück vom Dancefloor in das von ihr angesprochene „Nest“. „Die Stimme und die Botschaft eines Songs bleiben, über die physischen Grenzen hinaus“, sagt Mayra Andrade. „Ein Ton ist in der Lage, in die Sphäre der Ewigkeit zu reisen.“ In diesem Sinne ist reEncanto ein erstaunliches und berührendes Zeugnis einer unerwarteten musikalischen Verwandlung.

Einlass: 19:00 Uhr

Dieses musikalische Projekt, das 2024 von zwei Hamburger Virtuosen Mark Kovnatskiy (Violine) und Stas Dinerman (Akkordeon) ins Leben gerufen wurde, verbindet Alt und Neu, Tradition und Moderne. Zwei sehr unterschiedliche Musiker, die eine jahrzehntelange Freundschaft und gemeinsame Auftritte in verschiedenen Ensembles verbindet, nehmen ihre Zuhörer mit auf eine einzigartige musikalische Reise in die wunderbare Welt der osteuropäischen Musik.

Die beiden Musiker begannen 2004 zusammenzuarbeiten und gründeten 2007 die Hamburg Klezmer Band, die zu einer der bekanntesten Klezmer-Gruppen in Norddeutschland geworden ist. Das Programm des Duos umfasst sowohl traditionelle Melodien aus dem Klezmer-, moldawischen, rumänischen und ukrainischen Repertoire als auch Eigenkompositionen der Projektmusiker.

Line-Up:

Mark Kovnatskiy (Violine) ist einer der weltweit führenden Interpreten von Klezmer-Musik, der weltweit in vielen internationalen Ensembles auftritt und unterrichtet, von den USA und Kanada über Europa und Israel bis nach Japan. Neben seiner Konzert- und Lehrtätigkeit gehört er zu den anerkannten Komponisten neuer jiddischer Musik, die sowohl von klassischen als auch von Klezmer-Musikern auf der ganzen Welt aufgeführt wird, und ist außerdem ein anerkannter Experte auf dem Gebiet des traditionellen jiddischen Tanzes. Als Solist hat er mit vielen klassischen Orchestern zusammengearbeitet.

Stas Dinerman (Akkordeon) ist ein erfolgreicher und gefragter Musiker sowohl unter jüdischen als auch unter Jazzmusikern. Er ist auch ein hervorragender Arrangeur und Autor eigener Kompositionen, in denen er Einflüsse aus der traditionellen osteuropäischen Weltmusik mit modernen Musikrichtungen wie Jazz, Funk, Rock und lateinamerikanischer Musik verbindet. Genau wie sein Duo-Kollege tritt Stas im Rahmen vieler internationaler Musikprojekte in Deutschland und im Ausland auf, und hat auch mit klassischen Orchestern zusammengearbeitet, darunter die Augsburger Philharmoniker. Das Hamburg Klezmer Duo vereint in seinem Sound Mark Kovnatskiys Liebe zur Authentizität und Stas Dinermans Vorliebe für moderne Klänge und schafft so einen einzigartigen Sound, der niemanden gleichgültig lässt. 

The Young ClassX lässt Kinder und Jugendliche Musik erleben: ob direkt vor der eigenen Haustür oder am anderen Ende der Stadt - immer aber kostenlos. Singen im Klassenzimmer mit den besten Freund:innen, Klarinettenunterricht ganz für sich oder Spielen in einem großen Orchester - alles ist möglich. Viele der jungen Musiker:innen fühlen sich auf den kleinen und großen Bühnen Hamburgs schon richtig zu Hause. Wer lieber zuhört, kommt mit dem MusikMobil auf seine Kosten. Der musikpädagogische Shuttleservice bringt Schulklassen in Hamburg, Karlsruhe und Dresden dorthin, wo die Musik spielt: Ins Konzerthaus, in Instrumentenwerkstätten oder ins Museum.
Initiiert im Jahr 2008 von der Otto Group und Salut Salon hat The Young ClassX inzwischen über 30.000 Kinder und Jugendliche erreicht. Das Musikförderprogramm wurde bundesweit mehrfach ausgezeichnet und steht unter der Schirmherrschaft von Prof. Dr. Michael Otto, dem Aufsichtsratsvorsitzenden der Ottogroup und Dr. Peter Tschentscher, dem Ersten Bürgermeister der Freien und Hansestadt Hamburg.
2022 wurde The Young ClassX mit dem OPUS Klassik für Nachwuchsförderung ausgezeichnet.

The Young ClassX Chöre

Seit der Gründung des Vereins im Jahr 2008 fördert The Young ClassX in enger Kooperation mit der Behörde für Schule und Berufsbildung den Aufbau von Schulchören in der ganzen Hansestadt.
Unter der Gesamtleitung des Chormoduls von Maria Ludwig-Petersen und Michael Zlanabitnig und dem Einsatz von über 50 Chorleiter:innen, die in ihrer Arbeit vielschichtig von The Young ClassX unterstützt werden, erheben etwa 3000 Kinder und Jugendliche an über 20 Stadtteilschulen und Gymnasien von Bergedorf bis Ohlstedt und von Rissen bis Jenfeld ihre Stimmen.
Im Fokus der Chorarbeit steht neben dem Ausbau musikalischer Fähigkeiten gleichermaßen die Förderung sozialer Kompetenzen. Wer singt, hat die Möglichkeit, über sich hinaus zu wachsen, ist in der Lage, die eigenen Grenzen zu verschieben und manchmal gänzlich zu überwinden. Die eigenverantwortliche und gleichzeitig gemeinsame Arbeit bietet außerdem die Chance, neue Potenziale zu entdecken und lässt die Kinder und Jugendlichen die Vorzüge einer Gemeinschaft erfahren, in der jede:r Einzelne wichtig ist.

Einlass: 18:00 Uhr

Sie ist die „Meisterin der leisen Töne“ (folker) und eine „herausragende Dichterin“ (WDR 4). Aber vor allem ist Miriam Hanika eine Pionierin, die durch ihren spielenden Wechsel zwischen Gesang, Oboe, Englischhorn und Klavier als Multiinstrumentalistin neue Maßstäbe setzt.

Mit Worten aus der Feder einer philosophischen Dichterseele und einem warmen Oboenton, singt und spielt sich Miriam Hanika mal solistisch, mal mit ihrem Ensemble, dem „Poesieorchester“, in die Herzen ihrer Zuhörer.

Sie ist Preisträgerin zahlreicher Liedermacher-Wettbewerbe (u.A. Peter-Rohland-Singe-Wettstreit, Friedenssong-Wettbewerb Bonn, Giesinger Kulturpreis) und Förderpreisträgerin der Hanns-Seidel-Stiftung 23/24 (Förderpreis für junge Liedermacher). 2021 erhielt Miriam Hanika das Stipendium für Musik der Stadt München. Sie ist Gründungsmitglied des Dandelion Quintett, mit dem sie im Rahmen des internationalen Ars Ventus Wettbewerb für Kammermusik 2019 den ersten Preis gewann.

Ihre Alben erscheinen bei Konstantin Weckers Label Sturm & Klang („Wanderlust“, 2019 und „Louise“ 2021, nominiert für den Deutschen Schallplattenpreis). Mit ihrer aktuellen Veröffentlichung „Wurzeln & Flügel“ (2023, ebenfalls Sturm & Klang), ist sie zur Zeit deutschlandweit auf Tour.

Im Mai 2024 veröffentlichte Miriam Hanika ihr erstes Instrumental-Album „Schilflieder“ für Oboe, Jazzquartett und Streicher.

Ein Hauch Sevilla – mitten in Hamburg

Mit seinem brillanten Quartett bringt Antonio Andrade ein Stück Sevilla nach Hamburg – intensiv, lebendig und voller Seele.

Tradition und Ausdruckskraft verschmelzen zu einer Klangwelt, die unter die Haut geht. Mit virtuoser Gitarre, eindrucksvollem Gesang, leidenschaftlichem Tanz und mitreißenden Rhythmen entfaltet sich ein Abend, der alle Sinne berührt.

Jeder Ton, jede Bewegung erzählt vom Zauber Andalusiens – und von Sevilla, jener ewigen Stadt, deren Anziehungskraft weit über ihre Mauern hinausreicht. Von der glühenden Mittagssonne über das Treiben in den engen Gassen bis zum geheimnisvollen Flüstern der andalusischen Nächte.

Ob mitreißende Bulerías, sehnsuchtsvolle Soleá oder feurige Tangos – Antonio Andrade und sein Quartett lassen den Geist des Flamenco in seiner ganzen Vielfalt lebendig werden.

«Colores de Sevilla» ist keine bloße Aufführung – es ist eine Einladung, Sevilla zu erleben. Für einen Abend. In Hamburg.


Web Antonio Andrade auf Deutsch:  https://antonioandrade.com/de/de-antonio-andrade/

Anavitória ist ein brasilianisches Folk-Pop-Duo, bestehend aus der Singer-Songwriterin Ana Caetano und der Sängerin Vitória Falcão. Anavitória ist eine der meist gestreamten Künstlerinnen Brasiliens und hat bisher zwei Alben veröffentlicht, die beide bei den Latin Grammy Awards 2017 und 2019 für das „Beste portugiesisch sprachige zeitgenössische Pop-Album“ nominiert wurden. Ihr größter Hit Trevo erreichte Platz eins der brasilianischen Charts und wurde 2017 mit dem Latin Grammy Award für den „Besten portugiesisch sprachigen Song“ ausgezeichnet.

Anavitória ist Teil einer neuen Generation junger Künstler, die brasilianische Folk-Pop-Songs zurück in die Charts bringen. Sie sind inspiriert von Legenden wie Mutantes, Clube da Esquina, Novos Baianos, Docs Bárbaros und Secos & Molhados.

Am 28.Juni kommen Anavitória nach Hamburg in den Mojo Club.

Einlass: 19:00 Uhr

Ganz bescheiden behaupten wir jetzt einmal, dass das 2018 gegründete Dream House Quartet das Potenzial besitzt, festgesetzt geglaubte Genregrenzen nachhaltig zu verrücken. Wie selbstverständlich gelingt es dem Quartett klassiche und zeitgenössische Musik in völlig neue Formen zu bringen.
Dabei greifen die Mitglieder auf jahrzehntelange musikalische Expertise zurück: Die Pianistinnen Katia und Marielle Labèque gelten als Koryphäen am Klavier und fühlen sich seit jeher in der Klassik genauso zuhause wie in minimal music, Jazz oder Popmusik. Den

beiden Schwestern gegenüber stehen der mit einem Grammy ausgezeichnete Gitarrist, Komponist und Gründungsmitglied von The National Bryce Dessner sowie der Komponist, Musiker und Produzent David Chalmin, ebenfalls an der Gitarre.

Gemeinsam spielen sie radikale Auftragskompositionen von visionären Komponisten und zentrale zeitgenössische Werke des letzten halben Jahrhunderts.

So präsentierten sie ihr erstes gemeinsames Projekt 2019 unter dem Namen The Minimalist Dream House – in Anlehnung an das gleichnamige Album der Labèque-Schwestern von 2013. Zur Premiere in der Pariser Philharmonie und der folgenden Tournee durch Lyon, London und die Hamburger Elbphilharmonie war niemand geringeres als Thom Yorke, Sänger von Radiohead, höchstselbst als Gast dabei. Die zweite Hälfte dieses Projekts war entsprechend auch der Uraufführung von Yorkes Komposition don´t fear the light sowie einem weiteren neuen Song gawpers gewidmet. Diese beiden Stücke waren Yorkes erste Komposition für Katia & Marielle sowie klassische Konzertsäle und unterstreichen nochmals den Stellenwert, den die vier Musiker in der Szene genießen.

Folgerichtig folgte im Jahr 2023 der Schritt vom Projekt zur richtigen Band: Im April erschien die Dream House Quartet EP mit Werken von David Chalmin, Meredith Monk und Bryce Dessner bei der Deutschen Grammophon.

2024 erwartet uns nun die nächste Tour, erstmals unter dem Namen Dream House Quartet. Drei Termine bringen das Quartett in die schönsten Säle Deutschlands: den Kammermusiksaal der Philharmonie Berlin, den Großen Saal der Elbphilharmonie und die Philharmonie Köln.

Im Programm stehen auch dann wieder Werke von Meredith Monk, Sufjan Stevens, David Chalmin, Bryce Dessner, Philip Glass, Steve Reich und Thom Yorke.

Einlass: 20:00 Uhr

Die Veranstaltung ist leider abgesagt.

Hannah Juanita verließ ihren Heimatstaat Tennessee mit Anfang Zwanzig, um aus der erdrückenden Kultur der Konformität auszubrechen und die Welt kennenzulernen. Sie reiste auf der Suche nach sich selbst, nahm Gelegenheitsjobs an und verbrachte zahllose Nächte damit, gemeinsam mit Freunden am Kaminfeuer unter dem Sternenhimmel zu singen, ohne Musik als Karriere zu verfolgen.

Schließlich schaffte Hannah es zurück nach Tennessee und landete in Nashville mit nichts als ihrer Hündin Loretta, ihrer Gitarre und einer Handvoll herzzerreißender Songs. Sie begann in der Stadt zu singen und entwickelte sich schnell zu einer wichtigen Live-Künstlerin und hochgeschätzten Sängerin in der traditionellen Country-Szene von Music City, die für ihren klassischen Old-School-Sound bekannt ist.

Seit 2021 ist Hannah Juanita, die sich selbst als „wanderndes Mädchen“ bezeichnet, viel durch das Land getourt, als Headlinerin und Supporterin für Acts wie Kaitlin Butts, Nick Shoulders, Emily Nenni, Summer Dean, Jesse Daniel und Kelsey Waldon. Ihr Debütalbum „Hardliner“ begründete ihren Ruf als vollherziger, freigeistiger und unwiderstehlich echter Honky-Tonk-Engel. Hannahs zweites Album „Tennessee Songbird“ wurde am 30. August 2024 veröffentlicht und sie wird es natürlich an diesem Abend live bei uns vorstellen.

Einlass: 19:30 Uhr

NOANDA verschmilzt Soul, Jazz und Weltmusik mit der Energie und Lebenslust der Metropole Berlin. Und dann ist da noch die Stimme von Mónica Saba, mal sanft und schwerelos, mal ein energetischer Ausbruch, der zum Tanzen auffordert. 

Mónica Saba war Teil der jungen Jazz- und Soul-Szene in Madrid, bevor sie vor ein paar Jahren nach Berlin zog. Nun bereichert sie die Musik von NOANDA, in der von je her unterschiedlichste kulturelle Einflüsse zu finden waren, um arabische und mediterrane Elemente.

Getragen vom rhythmischen Fundament von NOANDA wechselt Mónica Saba in ihren Songs spielerisch zwischen Englisch und ihren beiden Muttersprachen Spanisch und Arabisch.  Man spürt den Optimismus in dieser Musik, die sich nach Aufbruch anhört, nach Neugier und nach Miteinander - und die ist so inspirierend ist wie das Leben selbst.

Monica Saba – vocals

Marcus Rust – keys & flugelhorn

Fritz Bayer - acoustic & electric guitar

Felix-Otto Jacobi - double-bass & electric bass

David Guy – drums & percussion

Der HAMBURGER ORGELSOMMER knüpft an ein bedeutendes Ereignis der Orgelgeschichte an: vor 100 Jahren fand in Lübeck und Hamburg eine Orgeltagung mit weitreichenden Folgen statt: sie bewirkte die Abwendung von der romantischen Fabrikorgel zurück und hin zu den handwerklich geprägten Instrumenten der Barockzeit, von denen man 1925 noch mehr Beispiele in den beiden Städten finden konnte als heute. Dies inspirierte Orgelbauer und Komponisten zu einer radikalen Veränderung im Orgelbau und in der Kom-positionsweise. Der heutige wertschätzende Umgang mit historischen Instrumenten durch Restauration und Rekonstruktion (wovon in St. Katharinen ein bemerkenswertes Ergebnis zu bestaunen ist), wäre ohne diese Entwicklung nicht denkbar. In allen Konzerten des Orgelsommers wird je ein Werk aus dieser Epoche erklingen.

Einlass: 17:00

Das FRANK MUSCHALLE TRIO ist seit über 30 Jahren auf Tournee und spielte über 2000 Konzerte in ganz Europa, Paraguay, Bolivien, USA und Nordafrika.
Swingender Blues und Boogie-Woogie, rollende Bässe, ein tirillierender Diskant und ein pulsierender Rhyhthmus, mal knackig, mal sanft und immer swingend, dafür steht das Frank Muschalle Trio.
An diesem Abend werden sowohl Eigenkompositionen als auch Interpretationen der Klassiker des Genres wie „Boogie-Woogie Stomp“, „Sheik Of Araby“ oder „Just For You“ zu hören sein.
„...Mit den inspirierten Soli oder in Begleitung der exzellenten Klarinetten- und Saxophonarbeit von Stephan Holstein, liefert Frank eine Meisterklasse erster Güte…“
„Es ist ein Genuss, zu hören, wie Dirk Engelmeyers Gesang den „Spiekeroog Sessions“, dem neuen Album des Frank Muschalle Trios zusammen mit dem Gast Stephan Holstein, ein Glanzlicht aufsetzt…Natürlich gibt es aber auch die rasanten Boogie-Nummern, in denen Muschalle seine noble Virtuosität ausbreitet.“
Frank Muschalle, Piano
Stefan Holstein, Saxophon, Klarinette
Dirk Engelmeyer, Schlagzeug