Foto: Detlef Kinsler

Astor Piazzolla schuf mit seiner Musik einen zuvor nie dagewesenen „Tango nuevo“ und löste damit eine Revolution aus – zuerst in Argentinien und dann auf der ganzen Welt. „Ich spiele eher für Leute, die meine Musik lieben, als für Leute, die den Tango lieben“, hat Piazzolla einmal gesagt und sich damit vom klassischen argentinischen Tango abgegrenzt.

Am 11. März 2025 wäre er 104 Jahre alt geworden. Das feiern wir erneut mit dem Ensemble SIEMPRE LOCO von Gregor Praml. Mit dabei namhafte Kolleg:innen: Schauspielerin Katharina Bach (Münchner Kammerspiele), Akkordeonist Vassily Dück, Geiger Laurent Weibel (hr-Sinfonieorchester) und die Pianistin Rica Bard.

Zu hören ist Astor Piazzollas Werk – angefangen von seinen Vier Jahreszeiten über die Zyklen „Del Diablo“ und „Del Angel“ bis zu seinen Hits wie „Adios Nonino“ und „Yo Soy Maria“ – und Schauspielerin Katharina Bach singt, rezitiert und performt auch eigene Texte. So haben Sie den Tango Nuevo noch nicht gehört: Loco, loco, loco, SIEMPRE LOCO!

Einlass ab 18.30 Uhr

Moneybrother veröffentlichte sein erstes Album Blood Panic im Jahr 2003 beim schwedischen Label Burning Heart Records. BHR war damals Heimat sehr erfolgreicher Bands wie The Hives, Refused, Millencolin und anderen. Als die deutsche Band Beatsteaks Anfang 2004 eine Vorband für ihre erste Tour zum Durchbruchsalbum Smash suchte, kam jemand auf die Idee, dass Moneybrother gut passen würde. Das war Moneybrothers erste Tour in Deutschland.

Mitten während der Tour musste Beatsteaks-Frontmann Arnim das Konzert in Köln wegen einer Halsentzündung absagen. Kurzfristig wurde ein Auftritt in einer zufälligen Diskothek organisiert. Es waren nur vier Zuschauer da – aber glücklicherweise war eine davon Viva-TV-Moderatorin Charlotte Roche. Am nächsten Tag tauchte Charlotte nicht nur in ihrer Sendung mit einem Moneybrother-T-Shirt auf, sondern spielte auch das Debütvideo Reconsider Me drei Mal hintereinander. Danach konnte Moneybrother sofort wieder auf Tour gehen – diesmal als Headliner.

Moneybrother spielte ausverkaufte Shows und arbeitete mit großen deutschen Namen wie Gentleman, Wir Sind Helden und weiteren zusammen. Er und seine Band traten bei Hurricane, Southside und allen anderen großen Festivals auf. Bei Viva TV hatte Moneybrother sogar einen eigenen Beitrag in der Sarah-Kuttner-Show und trat dort mehrfach auf.

Moneybrothers viertes Album Mount Pleasure wurde 2007 von Sony BMG in Deutschland veröffentlicht. Er verkaufte über 100.000 Platten in Deutschland, und zwischen 2004 und 2013 spielten er und seine Band über 100 Shows – oft in ausverkauften großen Hallen in Städten wie Berlin und Hamburg.

Das letzte in Deutschland veröffentlichte Album war This is where life is im Jahr 2012. Die Tour zu diesem Album war Moneybrothers letzter Auftritt in Deutschland. Danach veröffentlichte er zwei Alben auf Schwedisch und konzentrierte sich auf den skandinavischen Markt.

Bis jetzt. Für September 2025 sind acht Shows gebucht (Berlin, Hamburg, Dresden, Frankfurt, München, Wien und Köln). Anlass ist das 20-jährige Jubiläum des sehr erfolgreichen zweiten Albums To Die Alone, das mit der Veröffentlichung eines brandneuen Albums zusammenfällt – dem ersten englischsprachigen Album von Moneybrother seit 13 Jahren, das aus demselben musikalischen Kosmos stammt.

Einlass: 19 Uhr / Stehplatz

Eine musikalische Hommage an Städte dieser Welt: In seinem aktuellen Jazzprojekt City Lights präsentiert der Trompeter Thomas Siffling mit seinem Jazz Quintett musikalische Liebeserklärungen an zahlreiche Städte dieser Welt.

Viele Metropolen wurden musikalisch auf vielseitigste Arten kompositorisch vertont und damit unsterblich gemacht. Natürlich denkt man sofort an Titel wie „I Love Paris“, „New York, New York“, „Girl from Ipanema“ oder „Dear Old Stockholm“. Aber auch Hits aus anderen Genres wie „New York-Rio-Tokyo“, „I left my Heart in San Francisco“ oder „Viva Las Vegas“ werden in einem schönen jazzigen Gewand neu präsentiert. Begleitet wird Siffling von seinem langjährigen Kollegen und Freund Olaf Schönborn am Saxofon, der immer wieder durch seinen schönen Sound und sein geschmackvolles Spielen überzeugen kann.

Die wunderbar swingen und groovende Rhythmusgruppe besteht aus dem Saarbrücker Schlagzeug Professor Oliver Strauch, dem Düsseldorfer Bassisten Nico Brandenburg und dem jungen Stern am Jazzpiano Himmel, den Stuttgarter André Weiß. Freuen Sie sich auf einen Abend mit vielen bekannten Hits und einem glänzend aufgelegten Jazz-Quintett.

„Thomas Siffling ist ein wahrer Jazzverführer“
(Frankfurter Allgemeine Zeitung)

„Thomas Siffling ist ein Entertainter, der das Publikum mit seiner Musik zu packen weiß und zwischen den Stücken mit den Zuhörern scherzt.“
(Badische Zeitung)

Foto: Hans Engel

Neuer Boden für den Neo-Soul: Sängerin NI-KA und Pianist Jona Heckmann starten SOIL - eine Konzertreihe für alle, die mehr wollen als Schema F. Ab dem 18. September verwandelt sich der Konzertsaal der Bonifatiuskirche einmal im Monat in einen Platz, wo sich Genregrenzen auflösen und gemeinsamer Puls entsteht. Jede Ausgabe bringt neue Gastkünstler:innen mit und verknüpft ihre Einflüsse mit der Energie der aufstrebenden Frankfurter Szene. Zwischen Neo-Soul, Hip-Hop, Jazz und experimenteller Musik bewegt sich der Sound von SOIL.

NI-KA, die als spannendste Newcomerin ihres Genres gilt, verbindet in ihrer Musik elegante Soul-Melodien mit urbanem Tiefgang. Seit sechs Jahren lebt sie in Frankfurt, seit drei Jahren prägt sie deren Bühnenlandschaft mit ihrem unverwechselbaren Stil. Ihr musikalischer Weggefährte Jona Heckmann, Jazzpianist, Arrangeur und Komponist, ist u.a. Gründer des Urban Art Orchestra – einer Formation aus Rhythmusgruppe, Bläsersatz und Streichquartett. Gemeinsam haben sie auf NI-KAs Debütalbum “Anni” einen eigenständigen Sound geschaffen, nun soll Neues entstehen. Ihre Vision wird ab dem 18. September hörbar: nur bei SOIL.

Einlass: 19:00 Uhr

Zwischen Tagtraum und Wüstenwind: Dope Lemon hebt wieder ab
Ein Wasserflugzeug hebt ab. Die Fenster beschlagen vom Rauch vergangener Nächte, irgendwo riecht es nach Wildleder und Zedernholz. Am Steuer: Dope Lemon – das Alter Ego des australischen Musikers Angus Stone, der hier nicht einfach Songs schreibt, sondern ganze Welten entwirft. Seit fast einem Jahrzehnt gleitet Stone unter diesem Namen durch ein Paralleluniversum zum Folkpop seines gefeierten Geschwister-Duos Angus & Julia Stone. Wo dort klare Strukturen, Melodien für weite Felder
und Mainstreamtauglichkeit dominieren, regiert bei Dope Lemon das Dämmerlicht: Lo-Fi statt Hochglanz, Slacker-Attitüde statt Sauberkeit, Trip statt Ziel. Eine liebevoll entrückte Musik, die sich
den Hörenden nicht aufdrängt, sondern beiläufig betört – wie ein Sommertag, der einfach
nicht enden will. Mit dem neuen Album „Golden Wolf“, das am 02. Mai erscheint, hebt Dope
Lemon erneut ab. Diesmal in einem imaginären Wasserflugzeug, dessen Innenraum nach
sonnengetränktem Zedernholz duftet. Ziel ist eine Hacienda am Rand einer vergessenen
Wüste, wo jede Tür in eine andere Zeit führt. Der rockig-luftige Titelsong erschien bereits Ende
2024, doch es ist die zweite Single, die das Versprechen des Albums einlöst: ein schwül
groovendes Stück Psychedelic Soul, das Angus Stone selbst mit einem „luziden Traum“
vergleicht. Ein Song voller Widersprüche: wild und zurückhaltend, freiheitsdurstig und
melancholisch, zwischen Neon und Schatten, zwischen Ekstase und Erdung. Die Songs von
„Golden Wolf“ klingen weiter wie typische Dope-Lemon-Stücke, doch freier,
windgepeitschter, offener. Wer sich auf das Album einlässt, findet sich wieder an einem Ort,
an dem die Zeit langsamer vergeht, irgendwo zwischen Wüstensand und Mitternachtsmeer.
Schon das letzte Album „Kimosabè“ ließ tief blicken, war Roadtrip und Rückschau zugleich.
„Golden Wolf“ hingegen ist Aufbruch – eine Flucht nach vorn, ohne Eile, ohne Gewissheit,
aber voller Sinnlichkeit. Dope Lemon steht für den Mut zum Stilbruch – und für ein
musikalisches Konzept, das sich mit jedem Album weiter ausfaltet. Seit dem Debüt „Honey
Bones“ (2016) wächst Stones Paralleluniversum stetig, mal glitzernd und sonnendurchflutet,
mal düster und traumverloren. Mit Alben wie „Smooth Big Cat“ (2019), „Rose Pink Cadillac“
(2022) und dem erfolgreichen „Kimosabè“ (2023) hat er sich weltweit eine loyale
Fangemeinde erspielt, insbesondere auch in Deutschland, wo die Tourneen oft früh
ausverkauft sind. Im Herbst 2025 kommt Dope Lemon nun endlich wieder live nach
Deutschland, für fünf Konzerte, die mehr versprechen als Musik. Wer eintritt, lässt den Alltag
hinter sich. Und vielleicht sogar sich selbst.

Einlass: 19:00Uhr

50 + 5 Jahre Deep Purple In Rock

Erschienen im Juni 1970, gilt „Deep Purple in Rock“ als ein
wegweisendes Album, das als Manifest des Hard Rock Generationen von
Musikern und Fans inspiriert hat. Es etablierte Deep Purple als eine der
führenden Bands ihrer Zeit und legte den Grundstein für anhaltenden
Erfolg in den folgenden Jahrzehnten. Mit seinem rohen, unverfälschten
Sound und der kompromisslosen musikalischen Qualität bleibt dieses
Album ein unverzichtbarer Klassiker im Kanon der Rockmusik.

55 Jahre später lässt Purple Rising die Songs wieder auferstehen und
zelebriert das komplette Meisterwerk sowie weitere Deep-Purple-Klassiker
auf der Bühne. Ganz im Stil der Siebziger lassen furiose Improvisationen
und wilde Duelle zwischen Gitarrist Joachim Villwock und Tastenmann
Andreas König, der bereits mit Deep-Purple-Legende Jon Lord auf der
Bühne stand, Songs wie Child in Time und Space Truckin’ dabei gerne auch
einmal die 20-Minuten-Marke sprengen. Scheinbar spielend meistert dabei
der charismatische, stimmgewaltige Frontmann Michael Baum selbst die
höchsten Tonlagen.

Purple Rising weiß jedoch nicht nur musikalisch, sondern auch mit einer
energiegeladenen Bühnenshow auf Original-Instrumenten zu begeistern.
Marshall-Türme, ein Ludwig-Drumset, eine Hammond C-3 nebst zwei
Leslies und die Fender Stratocaster sind für eine authentische Darbietung
ebenso obligatorisch wie die extravaganten Showeinlagen des Gitarristen,
die Erinnerungen an die Bühnenpräsenz des jungen Ritchie Blackmore
wach werden lassen.

Einlass: 19:00 Uhr

This is A Call an alle Rockfans, für die Songs, wie The Pretender, Monkey Wrench und My Hero ein absoluter Begriff sind. An Euch, die immer Bock auf ein Live-Event ganz im Sinne der FOO FIGHTERS haben. Wir sind Aschaffenburgs erster und einziger Tribute der Band aus den 606 Studios Northridge L.A. Unser erklärtes Ziel ist es, den Fans und allen, die Verlangen nach echtem Rock haben, ein unvergessliches Event zu schaffen. Genau so, wie man es von Dave, Chris, Nate, Pat und Josh/Taylor gewohnt ist. Wer glaubt, dass bei uns Learn To Fly, Bridge Burning, Times Like These und I´ll Stick Around nur Floskeln sind, den überzeugen wir live.

Mit All My Life wollen wir the Best Of You!

Einlass: 19:00 Uhr

Feste soll man feiern wie sie kommen, und am besten mit den besten Freunden!

Ihr hattet gefragt, sogar mehrfach gefragt. Das erste MaschinenBoot ist bei Euch sehr gut angekommen. Und daher gehen wir in die nächste Runde. Dieses Mal dann auch ausserhalb der Ferien, sodass keiner mehr eine Ausrede hat :)

EBM - ELECTRO - INDUSTIRAL - FUTUREPOP - ELECTROCLASH - TECHNOBODYMUSIC und mehr! Das Beste aus Nacht der Maschinen - Return to the Classixx - Excited Celebration und alles was das ElectronicDanceArt Herz so begehrt!

Wie immer auf der Wappen ist das Kontingent begrenzt. Also nicht zu lange warten, denn wie immer gilt ...
"wenn ausverkauft - dann ausverkauft! Es gibt keine Abendkasse"

Wir freuen uns auf einen tollen Abend mit Dir!

Boarding 19:00h
Start 19:45h
Rückkehr 0:00h

Boarding: 19:00

Von denen ganz da oben ist nichts mehr zu erwarten, das ist klar. Die Götter sind malade und kraftlos, die Geister zu porös zum Spuken. Und so liegt es wieder einmal an Die Heiterkeit, uns mit der für sie ureigenen zärtlichen Strenge an den Trampelpfad zu geleiten, der uns jetzt wieder rausführt aus diesem Schlamassel. Oder, noch besser, hinein in eine neue, in Wahrheit natürlich uralte Welt des magischen Denkens. Nach dem leichten Glanzpop von „Was Passiert Ist“ strahlt Die Heiterkeit nun mächtig-mystisch in einem Schmiedewerk zwischen Pop und Folk und geht mit selbstverständlicher großer Geste ganz aufs Elementare. „Manchmal hilft nur noch schwarze Magie“, singt Stella Sommer und nimmt uns, sicher eingehüllt in warme Klangkapuzen, mit auf den Teufelsberg und zwischen die Zeilen der großen Songwritingkunst.

Wer im 15. Heiterkeitsjahr und bei ihrem insgesamt mittlerweile 9. Album (bisher: 4x Die Heiterkeit, 3x Stella Sommer, 1x Die Mausis) immer noch bass erstaunt auf Sommers dunkle Stimme verweist und erneut nur die längst abgegrabbelten wohlfeilen Vergleichsverweisen herauskramt, verpasst das spektakulär einzigartige in dieser Musik, das niemand in diesem Land so scheinbar mühe- und vor allem furchtlos beherrscht wie Stella Sommer. Und man verpasst, mit welch großer Songwriterin und Musikerin man es zu tun hat. Wie der Vorgänger „Was Passiert Ist“ entstand auch „Schwarze Magie“ wieder in enger Zusammenarbeit von Sommer und Produzent Moses Schneider.

Dieses Album klingt gleichzeitig neu und vertraut, schwer und leicht. Wie eine Sammlung der größten Popsongs aus der goldenen Zeit, bevor diese Musik hohl und ausgebleicht klang. Nichts lässt hier an deutsche Indiemusik denken. Das Great American Songbook diente Sommer als Inspiration (schon Frank Sinatra sang schließlich über „Witchcraft“), ein Zitat aus einer Elvis-Rede wird leichterhand zum Impuls für ein Lied über die Gefahren zu erfolgreicher Manifestation („Alles, was ich je geträumt hab“).

„Schwarze Magie" besitzt eine Tiefe und alte Weisheit, die hierzulande ihresgleichen suchen. Wie schwere Samtvorhänge legt sich dieses Album mit Abgründigkeit und einnehmender Gravitas auf unsere so genannte Wirklichkeit, immer wieder blitzt dabei der ganz eigene Heiterkeit-Esprit auf. Stella Sommer ist die Frau, die nicht nur den Blitz, sondern unbedingt auch den Witz in ihrer Jackentasche trägt.

Und ein Gespür dafür, welche Interpretation des ursprünglich persischen Hoffnungsmantras „This too shall pass“ wir gerade brauchen: „Auch das hier wird vorübergehen“, singt Stella Sommer: „Der Mund ist eine Wunde, die lacht / auch das hier wirst du überstehen.“

In „Teufelsberg“ heißt es: „Manchmal merkt man erst, dass man einsam war, wenn man es nicht mehr ist.“ Und wie sehr Die Heiterkeit gefehlt hat, hört man unbedingt, wenn sie nach sechs Jahren mit diesem Meisterwerk zurückkommt.

Einlass: 19 Uhr / Stehplatz

»Džemila und Jehuda Bel Air« ist eine Musikalische Erzählung des internationalen Ensemble ParaXenon. Es erzählt die Liebesgeschichte zweier Musiker*innen, die sich 1941 in Sarajevo begegnen. Genau in dem Moment, da der Zweite Weltkrieg den Balkan erreicht. Das Stück behandelt die Themen Flucht, Verfolgung und Krieg und erzählt gleichzeitig von der Kraft der Musik und der Liebe. Angesiedelt in der Mitte des 20. Jahrhunderts eröffnet es dennoch Fragen, die aktueller kaum sein könnten.

Nach einem Text des Frankfurter Autors Leon Joskowitz verbindet das Ensemble ParaXenon in »Džemila und Jehuda Bel Air« Live-Musik und darstellende Erzählkunst zu einem emotionalen Bühnenstück. Dabei verweben sich Eigenkompositionen von Konstantinos Margaris mit neuen Arrangements von traditionellen Liedern einer balkanischen und sephardischen Kultur.

Gesang/Erzählung: Theresa Stenzel
Klarinette/Bassklarinette: Christian Dawid
Flöte: Konstantinos Margaris
Gitarre/Sounds: Diego Chacón Gámez
Akkordeon: Daniel Roth
Kontrabass: Nikolay Bozhkov

Musikalische Leitung: Konstantinos Margaris
Regie/Dramaturgie: Leon Joskowitz, Theresa Stenzel
Komposition/Arrangement: Konstantinos Margaris
Text: Leon Joskowitz

Einlass: 19:00 Uhr

ARY kündigt seine erste eigene Tour an und geht in 2025 auf die KETAMA TOUR

Mit nur 20 Jahren hat ARY aus Iserlohn in Rekordzeit die Aufmerksamkeit der Musikszene auf sich gezogen und seine Fangemeinde stetig erweitert. Sein Hit „Ticket nach Ketama“ (ft. Liaze) schoss in den Spotify Top 50 Charts Deutschland direkt in die Top 5 und wurde über Nacht zum Streaming-Liebling. Spätestens seit seinem viralen Erfolg „Du liebst mich auch“, der auf TikTok Millionen begeisterte, ist ARY nicht mehr aus der deutschsprachigen Musiklandschaft wegzudenken.

Denn ARYs Musik ist mehr als Unterhaltung – sie ist das klingende Tagebuch seines Lebens. Mit seiner unverwechselbaren Stimme und authentischen Texten nimmt er seine Zuhörer mit auf eine Reise durch persönliche Erlebnisse und tiefe Emotionen. ARY versteht es, Musik in eine universelle Sprache zu verwandeln, die von Herz zu Herz spricht.

Nach erfolgreichen Tourneen an der Seite von Größen wie Dardan, Monet, Milano und Eddin startet ARY 2025 seine eigene Tournee und lädt seine Fans in neun Städten dazu ein, die Magie seiner Musik hautnah zu erleben. Für alle, die seine Songs und Geschichten nicht nur online, sondern in echter Konzertatmosphäre feiern wollen, bietet die Tour die perfekte Gelegenheit.

Einlass: 19:00Uhr

Restkarten evtl. an allen bekannten VVK-Stellen und an der Abendkasse erhältlich.

Mit 400.000 monatlichen Hörer:innen haben Bremer/McCoy entgegen aller Erwartungen ihren eigenen zurückhaltenden Kosmos in einer lauten Zeit erschaffen. Passend dazu trägt das sechste Album des Duos den Titel „Kosmos“. Darin wollen sie eine Weltanschauung vermitteln, die auf tiefer Verbundenheit und einem Gefühl von Freiheit basiert. Das Rohmaterial umfasst Stücke, die seit 15 Jahren reifen, ebenso wie solche, die in intensiven Momenten innerhalb von 15 Minuten entstanden sind.

„Kosmos“ ist ein Statement ohne Ausrufezeichen oder große Lettern. Es ist der Versuch zweier dänischer Musiker, die Welt einzufangen, für die sie stehen – und die sie mit anderen teilen möchten. Das Album steht für eine Haltung, und in Bremer/McCoys Kosmos kann man einander ohne Worte begegnen.

„Menschen haben schon immer Musik gemacht. Wir saßen am Feuer und haben gesungen. Wir haben getanzt. Wenn wir gemeinsam musizieren oder zuhören, kommunizieren wir wortlos. Gerade jetzt ist es wichtig, uns daran zu erinnern, zu kommunizieren, denn viele empfinden die Zeiten als schwierig. Was wir vertreten, ist eine unpolitische Kommunikation. Eine meiner größten Sorgen ist die Spaltung. Dass politische Haltungen Menschen davon abhalten, miteinander zu sprechen, obwohl es so viel Gemeinsames gibt. Jeder genießt einen Spaziergang im Wald, und ich glaube, jeder empfindet grundlegende Freude und Frieden, wenn etwas Schönes geschaffen wird“, sagt Morten McCoy.

Bei den Konzerten des Duos entsteht diese intime und unmittelbare Atmosphäre. Der Ausgangspunkt für „Kosmos“ war der Versuch, die Emotionen ihrer Live-Auftritte auf Platte festzuhalten. Daher gestalteten sie die erste Studiosession wie ein Konzert – sie begannen einfach zu improvisieren. Ihre Improvisationsweise ist dabei einzigartig: Sie improvisieren keine Soli, sondern ganze Stücke. Sie jammen nicht ziellos, sondern erzählen eine Geschichte. Welche Geschichte sie erzählen werden, wissen sie zu Beginn nicht – sie entdecken sie gemeinsam.

Die beiden teilen eine gemeinsame Vergangenheit und kennen sich seit ihrer Zeit an der Ryvangen Lilleskole. Dennoch führen sie heute sehr unterschiedliche Leben: Morten McCoy lebt mit Frau und Kindern in einer Kommune auf einem Bauernhof, während Jonathan Bremer ein schnelles Stadtleben führt. In der Musik jedoch finden sie stets zueinander, weil sie dabei vollkommen präsent sein können.

„Wir sind sehr flow-orientiert. Man darf nicht zu sehr versuchen, etwas in die Musik hineinzuzwingen oder einen Plan haben, was passieren soll. Nur wenn man das Ego komplett beiseite lässt, entsteht Raum für das, was geschehen muss. Wenn ein Musiker denkt: ‚Jetzt sollte dies oder das passieren‘, steht er außerhalb der Musik. Wir wollen spielen, als würden wir der Musik einfach nur zuhören, während sie entsteht. Das ist ultimative Freiheit“, sagt Jonathan Bremer.

Diese Herangehensweise zeigt sich auf diesem Album deutlicher als auf allen bisherigen. So entstand die erste Single „Higher Road“ in einem einzigen Take – mit allen Instrumenten und Effekten live eingespielt. Die Stücke kreisen thematisch um Meditation, Gebet, Dankbarkeit und leisen Optimismus im Namen von uns allen. Ein Song wie die Single „Alting løser sig“ („Alles wird gut“) entstand aus einer vagen Idee – das Duo begann einfach zu spielen und sah, was passieren würde. Heraus kam ein Stück, das zum Kosmos des Duos passt und die Idee aufgreift, dass Angst ein schlechter Antrieb ist – stattdessen sollte man darauf vertrauen, dass sich alles fügen wird. „Hvor du er“ („Wo du bist“) entstand bei einer früheren Studiosession mit Hans Philip, bei der dieser zufällige Wörter sagte, während das Duo spielte. Unter anderem fiel dabei der Satz „indtil, hvor du er“ („bis dahin, wo du bist“) – daraus entwickelte sich später ein eigener Bremer/McCoy-Track. Ideen und Melodiefragmente müssen manchmal „zehn Jahre marinieren“, wie Jonathan Bremer sagt. „Bøn“ („Gebet“) stammt aus diesem Fundus. Das Stück basiert auf einem Thema, das das Duo oft live gespielt, aber nie auf ein Album gebracht hatte. Als Jonathan Bremer dann ein Bass-Ostinato spielte, fiel plötzlich alles an seinen Platz – wie es oft geschieht, wenn Bremer/McCoy sich und ihre Hörer:innen in einen tranceartigen Zustand versetzen.

Bremer/McCoy werden „Kosmos“ im Herbst mit einer Konzertreihe in den größten Städten des Landes begleiten. Den Abschluss bilden drei Konzerte im Konzertsaal des Konservatoriums in Kopenhagen. Dazwischen findet auch eine Skandinavien-Tour statt, bei der das Duo Schweden und Norwegen besucht. Für 2025 ist zudem eine Mitteleuropa-Tour geplant.

Einlass: 19 Uhr / Sitzplatz / Freie Platzwahl

Sean Chambers & Savoy Brown Rhythm Section

“Guitarist Chambers achieves the distinctly American blues/soul/country/rock sound that the Stones used to aspire to long ago.” - Jerry Shriver, USA TODAY Sean Chambers begann seine Karriere im Jahr 1998, als Gitarrist und Bandleader des legendären Hubert Sumlin, mit dem er bis 2003 regelmäßig auf Tournee ging. Vom britischen Guitarist wurde er als „einer der besten 50 Bluesgitarristen des letzten Jahrhunderts“ bezeichnet. Sein gitarrenlastiger Bluesrock erinnert an Größen wie Gary Moore und Jeff Healey und brachte ihm einen Eintrag in die „Florida Music Hall of Fame“ ein. Sein erstes Solo-Album „Ten Til Midnight“ hielt sich aus dem Stand über drei Monaten in den US Blues-Charts. Das nachfolgende Live-Album „Live from the Long Island Blues Warehouse” erhielt nicht nur begeisterte Kritiken, sondern wurde u.a. auch mit dem Preis für das beste Blues-Album 2011 ausgezeichnet. Sein achtes Studio-Album mit dem Titel „That’s What I’m Talkin About“ erschien 2020 und ist eine Hommage an seinen Mentor, den inzwischen verstorbenen Hubert Sumlin. Im Jahr 2023, kurz nach dem Tod von Savoy Browns Gründer Kim Simmonds, tat sich Chambers mit der Rhythmusgruppe von Savoy Brown zusammen (Pat De Salvo am Bass und Garnet Grimm am Schlagzeug). Chambers und die Mitglieder von Savoy Brown hatten sich 2019 auf einem gemeinsamen Festival-Auftritt angefreundet. Da Savoy Brown und Sean Chambers gemeinsam auf demselben Plattenlabel vertreten sind (Quarto Valley Records), fühlte sich die Zusammenarbeit für alle drei Musiker richtig an. Auch Kim Simmonds unterstützte die drei voll und ganz und gab den dreien kurz vor seinem Tod am 13. Dezember 2022 seinen Segen.

Line Up:

Sean Chambers Guitar & Vocals
Pat De Salvo Bass & Vocals

Einlass: 19:00Uhr

hr-Bigband

Die hr-Bigband ist heute eine der weltweit besten Formationen ihrer Art. Ausgehend vom Spielideal des Jazz steht sie für eine große Bandbreite von Stilen und Genres.

Die hr-Bigband vereint siebzehn hervorragende Musiker, die nicht nur hohes Ansehen als Solisten genießen. Tägliche Proben- oder Konzerttätigkeit sowie höchste künstlerische Ansprüche formen aus ihnen ein Ensemble, das allen Herausforderungen souverän gerecht wird. Regelmäßig lotet die hrBigband die Möglichkeiten eines zeitgenössischen Jazzorchesters aus und überwindet stilistische Grenzen – etwa, wenn sie neue Projekte zusammen mit mongolischen oder nordafrikanischen Musikern entwickelt, mit Popstars oder mit renommierten Komponisten der Neuen Musik. Zugleich hält sie – jenseits jeder Musealität – die große Tradition des Bigband-Jazz lebendig mit Programmen von Jelly Roll Morton über Duke Ellington und Gil Evans bis Peter Herbolzheimer.


Hochkarätige Gäste
Die hr-Bigband lädt Größen der internationalen Jazzszene regelmäßig nach Hessen ein, um ihre Musik im Bigband-Format auf die Bühne zu bringen. Zu fast allen Projekten wird die Musik neu arrangiert oder komponiert. Dazu arbeitet die hr-Bigband mit einer Reihe hochkarätiger Arrangeure und Dirigenten zusammen – allen voran ab 2024 mit ihrem Composer in Residence Darcy James Argue.

Nachwuchsförderung
Die hr-Bigband engagiert sich sehr für den Nachwuchs. Zahlreiche Angebote bieten Jugendlichen intensive, hautnahe Musikerlebnisse und motivieren junge Musikerinnen und Musiker, selbst aktiv zu sein. So geht die hr-Bigband jedes Jahr auf Schultour durch Hessen und lädt regelmäßig zu Klassenkonzerten, Soundchecks oder Familienkonzerten in den Hessischen Rundfunk ein. Seit 2022 besteht eine enge Zusammenarbeit mit der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in Frankfurt in Form des gemeinsamen Studiengangs „MA Bigband“, der deutschlandweit einzigartig ist.

Die hr-Bigband auf allen Kanälen
Die Konzerte der hr-Bigband können nicht nur live im Konzertsaal erlebt werden, sondern werden auch regelmäßig auf hr2-kultur und im hr-fernsehen gesendet sowie in der ARD Mediathek, auf ARTE Concert und auf YouTube als Livestream bzw. Video-on-Demand angeboten.

Composer in Residence:
Darcy James Argue
Ehrendirigent
Jim McNeely
Die Musiker:
Frank Wellert, Trompete
Thomas Vogel, Trompete
Martin Auer, Trompete
Axel Schlosser, Trompete
Günter Bollmann, Posaune
Felix Fromm, Posaune
Christian Jaksjø, Posaune
Robert Hedemann, Bassposaune
Heinz-Dieter Sauerborn, Saxofon
Oliver Leicht, Saxofon
Denis Gäbel, Saxofon
Steffen Weber, Saxofon
Rainer Heute, Saxofon
Martin Scales, Gitarre
Sebastian Scobel, Piano
Hans Glawischnig, Bass
Jean Paul Höchstädter, Schlagzeug
Quelle: hr-Bigband

Copyright: MartinOelze, Dirk Ostermeier

Sasha Berliner

Described a "young mallet master" by JazzTimes, Sasha Berliner is an award winning vibraphonist and
composer based in Los Angeles, CA. The Downbeat Critics Poll #1 Rising Star Vibraphonist and NPR
Jazz Night in America's Class of 2024 Youngbloods pick has notably shared the stage for recent
projects with Christian McBride, Tyshawn Sorey, Marcus Gilmore, Justin Brown, and Cecile Mclorin
Salvant, and leads her own quintet for international touring. She is also a faculty member at University
of California Irvine and a frequent lecturing guest of California Institute for the Arts, both for jazz
ensemble and composition courses.

She has two studio albums, Azalea (2019) and Onyx (2022) on JMI Recordings, in which she embraces
a futuristic jazz concept that is equal parts acoustic and electric instruments and post production effects,
as well as the introduction of political concepts, sampling, and harmonically advanced composition and
improvisation. JazzWise described her music on Onyx as a “unique brand of obliquely impressionist
Milesian electric jazz and (a) Gary Burton-inspired four-mallet approach” that exhibited “great
promise” since her debut release, which has only grown “even stronger” on her sophomore recording.
She also has a live album from her 2021 SWR New Jazz Meeting residency in Germany entitled Sasha
Berliner and Tabula Rasa (2023). One of her central musical missions is to continue to discover new
sonic backdrops for the vibraphone to exist in, and she will continue to explore that in future recordings
and shows.

She endorses Vater Drumsticks, with whom she has a signature mallet model with, as well as Marimba
One vibraphones and Alternate Mode for their electronic midi vibraphone, the MalletKAT. Glide
Magazine urges listeners to “add Berliner to the new vanguard of contemporary artists that are
reshaping jazz with unconventional compositional approaches”.
Her latest album, Fantome, released March 28th on Outside In Records, heralded as an “exhilirating
collection of originals” (WBGO). The album has been described as “complex and accessible,
effortlessly borrowing from pop, rock, and funk while remaining resolutely jazz – vibrant, lyrical, and
imbued with a poetic sensibility […] never before have I heard a vibraphonist display such power, nor
one who composes with such contemporary relevance and acute understanding of orchestration”
(Thierry De Clemensat, Paris Move). Dee Dee McNeil (Making a Scene) wrote that Sasha is “splatter-painting her colors in iridescent hues across the canvas of our minds.”

QUOTES

“Berliner is already a very mature instrumentalist […] maybe she’s the best
vibraphone player to emerge in decades.” - Arnaldo DeSouteiro, Brazilian record
producer (Verve, CTI, JSR, Milestone, Sony), music historian, and journalist.

“Naturally percussive, with an ever-expanding grasp of harmony and counterpoint […]
vibraphonist Sasha Berliner is one of the most exciting voices in jazz today.” - Andrew Bradbury,
Stetson Stories.

“Berliner plays, composes and leads her band with maturity and artistic presence rarely
attained. […] Berliner is in the firmament of the here and now in modern jazz, and appears
likely to occupy that upper stratosphere for some time to come.” - Paul Rauch, All About
Jazz

Einlass: 19:30 Uhr

hr-Bigband

Die hr-Bigband ist heute eine der weltweit besten Formationen ihrer Art. Ausgehend vom Spielideal des Jazz steht sie für eine große Bandbreite von Stilen und Genres.

Die hr-Bigband vereint siebzehn hervorragende Musiker, die nicht nur hohes Ansehen als Solisten genießen. Tägliche Proben- oder Konzerttätigkeit sowie höchste künstlerische Ansprüche formen aus ihnen ein Ensemble, das allen Herausforderungen souverän gerecht wird. Regelmäßig lotet die hrBigband die Möglichkeiten eines zeitgenössischen Jazzorchesters aus und überwindet stilistische Grenzen – etwa, wenn sie neue Projekte zusammen mit mongolischen oder nordafrikanischen Musikern entwickelt, mit Popstars oder mit renommierten Komponisten der Neuen Musik. Zugleich hält sie – jenseits jeder Musealität – die große Tradition des Bigband-Jazz lebendig mit Programmen von Jelly Roll Morton über Duke Ellington und Gil Evans bis Peter Herbolzheimer.


Hochkarätige Gäste
Die hr-Bigband lädt Größen der internationalen Jazzszene regelmäßig nach Hessen ein, um ihre Musik im Bigband-Format auf die Bühne zu bringen. Zu fast allen Projekten wird die Musik neu arrangiert oder komponiert. Dazu arbeitet die hr-Bigband mit einer Reihe hochkarätiger Arrangeure und Dirigenten zusammen – allen voran ab 2024 mit ihrem Composer in Residence Darcy James Argue.

Nachwuchsförderung
Die hr-Bigband engagiert sich sehr für den Nachwuchs. Zahlreiche Angebote bieten Jugendlichen intensive, hautnahe Musikerlebnisse und motivieren junge Musikerinnen und Musiker, selbst aktiv zu sein. So geht die hr-Bigband jedes Jahr auf Schultour durch Hessen und lädt regelmäßig zu Klassenkonzerten, Soundchecks oder Familienkonzerten in den Hessischen Rundfunk ein. Seit 2022 besteht eine enge Zusammenarbeit mit der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in Frankfurt in Form des gemeinsamen Studiengangs „MA Bigband“, der deutschlandweit einzigartig ist.

Die hr-Bigband auf allen Kanälen
Die Konzerte der hr-Bigband können nicht nur live im Konzertsaal erlebt werden, sondern werden auch regelmäßig auf hr2-kultur und im hr-fernsehen gesendet sowie in der ARD Mediathek, auf ARTE Concert und auf YouTube als Livestream bzw. Video-on-Demand angeboten.

Composer in Residence:
Darcy James Argue
Ehrendirigent
Jim McNeely
Die Musiker:
Frank Wellert, Trompete
Thomas Vogel, Trompete
Martin Auer, Trompete
Axel Schlosser, Trompete
Günter Bollmann, Posaune
Felix Fromm, Posaune
Christian Jaksjø, Posaune
Robert Hedemann, Bassposaune
Heinz-Dieter Sauerborn, Saxofon
Oliver Leicht, Saxofon
Denis Gäbel, Saxofon
Steffen Weber, Saxofon
Rainer Heute, Saxofon
Martin Scales, Gitarre
Sebastian Scobel, Piano
Hans Glawischnig, Bass
Jean Paul Höchstädter, Schlagzeug
Quelle: hr-Bigband

Copyright: MartinOelze, Dirk Ostermeier

Sasha Berliner

Described a "young mallet master" by JazzTimes, Sasha Berliner is an award winning vibraphonist and
composer based in Los Angeles, CA. The Downbeat Critics Poll #1 Rising Star Vibraphonist and NPR
Jazz Night in America's Class of 2024 Youngbloods pick has notably shared the stage for recent
projects with Christian McBride, Tyshawn Sorey, Marcus Gilmore, Justin Brown, and Cecile Mclorin
Salvant, and leads her own quintet for international touring. She is also a faculty member at University
of California Irvine and a frequent lecturing guest of California Institute for the Arts, both for jazz
ensemble and composition courses.

She has two studio albums, Azalea (2019) and Onyx (2022) on JMI Recordings, in which she embraces
a futuristic jazz concept that is equal parts acoustic and electric instruments and post production effects,
as well as the introduction of political concepts, sampling, and harmonically advanced composition and
improvisation. JazzWise described her music on Onyx as a “unique brand of obliquely impressionist
Milesian electric jazz and (a) Gary Burton-inspired four-mallet approach” that exhibited “great
promise” since her debut release, which has only grown “even stronger” on her sophomore recording.
She also has a live album from her 2021 SWR New Jazz Meeting residency in Germany entitled Sasha
Berliner and Tabula Rasa (2023). One of her central musical missions is to continue to discover new
sonic backdrops for the vibraphone to exist in, and she will continue to explore that in future recordings
and shows.

She endorses Vater Drumsticks, with whom she has a signature mallet model with, as well as Marimba
One vibraphones and Alternate Mode for their electronic midi vibraphone, the MalletKAT. Glide
Magazine urges listeners to “add Berliner to the new vanguard of contemporary artists that are
reshaping jazz with unconventional compositional approaches”.
Her latest album, Fantome, released March 28th on Outside In Records, heralded as an “exhilirating
collection of originals” (WBGO). The album has been described as “complex and accessible,
effortlessly borrowing from pop, rock, and funk while remaining resolutely jazz – vibrant, lyrical, and
imbued with a poetic sensibility […] never before have I heard a vibraphonist display such power, nor
one who composes with such contemporary relevance and acute understanding of orchestration”
(Thierry De Clemensat, Paris Move). Dee Dee McNeil (Making a Scene) wrote that Sasha is “splatter-painting her colors in iridescent hues across the canvas of our minds.”

QUOTES

“Berliner is already a very mature instrumentalist […] maybe she’s the best
vibraphone player to emerge in decades.” - Arnaldo DeSouteiro, Brazilian record
producer (Verve, CTI, JSR, Milestone, Sony), music historian, and journalist.

“Naturally percussive, with an ever-expanding grasp of harmony and counterpoint […]
vibraphonist Sasha Berliner is one of the most exciting voices in jazz today.” - Andrew Bradbury,
Stetson Stories.

“Berliner plays, composes and leads her band with maturity and artistic presence rarely
attained. […] Berliner is in the firmament of the here and now in modern jazz, and appears
likely to occupy that upper stratosphere for some time to come.” - Paul Rauch, All About
Jazz

Einlass: 21:30 Uhr

Einlass: 18:30Uhr

Special Guest: SENNA
Support: LEYKA

Das Progressive-Metalcore-Quartett CHAOSBAY aus Berlin startete das neue Jahr mit einer EU-UK-Supporttour für die dänische Band SIAMESE. Im Herbst werden sie selbst als Headliner ihre bis dato größten Clubs in Deutschland, Umland und sogar UK besuchen.

Nach den größten Festivals (WACKEN, SUMMER BREEZE, OPEN FLAIR), Supports für ERRA, ANNISOKAY, EMIL BULLS und VENDED, vier Alben, Millionen Streams haben sie sich eine treue Followerschaft und den Ruf als eine der hochgelobtesten Live-Bands der deutschen Metal- und Prog-Szene erspielt. Die NOT AFRAID Tour soll als Fortsetzung der 2024er ARE YOU AFRAID? Tour nochmal eine Schippe draufzulegen. Selbstbewusster, erfahrener, authentischer als zuvor und virtuos wie eh und je versprechen die vier Musiker eine fulminante Show aus brutalen Riffs, virtuosen Instrumentalpassagen und catchy Songwriting zu liefern. Fans von PERIPHERY, I PREVAIL, SLEEP TOKEN und BILMURI werden definitiv auf ihre Kosten kommen.

Einlass: 18:00Uhr

+ SPECIAL GUEST: SON ROMPE PERA

Laut, wild, unzähmbar: Gogol Bordello bringen das Chaos zurück
Wenn Eugene Hütz auf die Bühne tritt, ist es, als würde ein Orkan durch den Konzertsaal fegen. Seine Band Gogol Bordello entfacht eine Energie, die mühelos eine Stadt zum Beben bringen könnte. Nachdem die Band kürzlich mit Dropkick Murphys getourt ist und für ein begeistertes Publikum gesorgt hat, gilt es nun, diese Live-Dynamik erneut in voller Länge auf die deutschen Bühnen zu bringen. Seit ihrer Gründung 1999 in New York, steht die multikulturelle Truppe für eine explosive Mischung aus Punk, Dub und der mitreißenden Folklore der Roma. Ihr einzigartiger Sound ist laut, wild und kompromisslos – eine entfesselte Feier der Freiheit, die sich nicht in Schubladen pressen lässt. Wie ihr erstes Label über das Album „Multi Kontra Culti Vs. Irony“ sagte: Eine Ästhetik, welche die Brücke zwischen osteuropäischer und westlicher Kultur schlägt. Ein Akkordeon und eine Geige ergänzen die klassische Punk-Besetzung aus Gitarre, Schlagzeug und Bass. Dadurch entsteht ein wahres musikalisches Feuerwerk, das in jeder Sprache verstanden wird. Denn auch wenn die Texte überwiegend auf Englisch sind, tauchen immer wieder ukrainische und Romani-Passagen auf, die den transkulturellen Charakter der Band betonen. In der Ukraine aufgewachsen, kam Hütz in den 90er-Jahren in New York an. Er schlief auf Sofas von Freund*innen, spielte Akustiksets in ukrainischen Bars, bevor er schließlich selbst im legendären CBGB auftrat. Aus dieser Underground-Szene heraus, entwickelte sich Gogol Bordello zu einer achtköpfigen Formation, die über die Jahre mit Größen wie System of a Down, Rancid oder den Dropkick Murphys auf der Bühne stand. Ihre Alben entstanden unter der Regie von Produzentenlegenden wie Rick Rubin, Steve Albini und jüngst Nic Launay. Doch die Band ist mehr als nur eine musikalische Urgewalt. Der russische Krieg gegen die Ukraine ist für Hütz eine persönliche Angelegenheit. Gogol Bordello engagiert sich mit Benefizkonzerten, sammelt Spenden für Hilfsorganisationen wie Nova Ukraine und ArtDopomoga und nimmt Songs wie „Solidarity“ mit Bernard Sumner auf, um verletzte ukrainische Soldat*innen zu unterstützen. Der von Liev Schreiber produzierte Dokumentarfilm „Scream of My Blood: A Gogol Bordello Story“ gibt einen tiefen Einblick in das bewegte Leben von Hütz und seiner Band, und wurde auf Festivals von Tribeca bis Warschau gefeiert. Neben der Musik ist Hütz ebenfalls in der Filmwelt aktiv. Er spielte unter anderem an der Seite von Elijah Wood in „Everything Is Illuminated“ oder unter der Regie von Madonna in „Filth and Wisdom“. Seine Mission bleibt dabei stets dieselbe: Den Menschen durch Kunst einen Moment der Freiheit zu schenken. „Das Universum will Gutes für uns, aber viele erkennen es nicht“, sagt er in einem Interview, „Unsere Musik soll ein Portal sein, das den Kopf von all dem Mist befreit.“
Und genau diese befreiende Kraft wird bald wieder live zu erleben sein: Im September 2025 kommt Gogol Bordello für acht Konzerte nach Deutschland. Wer sich für ein paar Stunden in Ekstase tanzen will, sollte sich die Tour von Gogol Bordello nicht entgehen lassen.
Präsentiert wird die Tour von kulturnews, laut.de und SLAM.

Einlass: 19:00Uhr

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