Der Wahl-Berliner spielt mehr als nur Gitarre, er singt, haucht, spuckt, macht unendlich Schönes wie Hässliches sichtbar. Geschont wird man woanders. Tristan Bruschs Talent entfaltet sich erst komplett, wenn man ihn auf der Bühne erlebt. Er schont sich nicht, nicht das Publikum, einfach so bei einem Bier nebendran sitzen, das ist hier nicht drin. Bühnenmagie, das ist ein Wort fürs nächste Mal Scrabble, aber bei einem Tristan Brusch Konzert bekommt man eine Ahnung, was das tatsächlich bedeuten könnte. „Am Wahn“, sein aktuelles Album, ist das wilde, bestürzend schöne Dokument einer hypertoxischen Beziehung. Eine mitreißend schwelgerische Liebeserklärung an die großen Tage von Popmusik mit großer Geste und Chanson, mit der Tristan Brusch nicht eine Sekunde lang den Fehler macht, auf Nummer sicher zu gehen.

The Sound of Bronkow Music Festival entsteht in Kooperation zwischen dem Dresdner Plattenlabel K&F RECORDS und dem SOCIETAETSTHEATER DRESDEN, gemeinsam mit vielen teuren Freund:innen und helfenden Händen und es ist wie gemacht für: Dich.

Restkarten ggf. an der Abendkasse

Carsten ‚Erobique‘ Meyer ist sein ihm eigenes Genre. Nachdem in den vergangenen 25 Jahren jeder Bus mit dem jeweils neuesten Disco-Revival an ihm vorbei und auch wieder zurückgefahren ist, kann man es nicht anders ausdrücken. Wenn es in den Metropolen heißt: „Erobique ist in der Stadt“, freuen sich etliche tanzwütige Menschen zwischen 18 und 80 auf verschwitzte fast sakrale Stunden voller improvisierter Disco-Licks und haarsträubende Gesangseinlagen. Als selbst ernannter vorerst letzter Discopunk Deutschlands genießt es die „lebende Discokugel“ (FAZ) die Monotonie der beatgemixten Laptop-DJ-Kultur aufzubrechen und seine Fans mit Schweiß treibenden Tanzmarathons mit spontanen Balladen-Einlagen und wüst zitierten Hochzeits-Oldies zu begeistern.

Veröffentlichungen sind rar (Asexy, Acid Jazz u.a.), seine Hits (´Urlaub in Italien´, ‚Easy Mobeasy‘, ‚Überdosis Freude‘...) wollen live und in Farbe genossen werden. Lassen Sie es sich nicht entgehen, dabei zu sein, wenn Erobique gemäß dem Motto ‚Grace Under Pressure‘ aus den Fossilien der Tanzmusik der letzten 50 Jahre vor ihren Augen feinste Discodiamanten schleift. Viel Spaß beim Dancen!

Foto: Anne Backhaus

Einlass ab 18:00 Uhr

Die ungemein intensive Klangreise eines visionären Künstlers

Mit seinem neuen Album "Embrace" zelebrieren MALO MORAY & HIS INFLATABLE KNEE Langsamkeit und Neugier in einer unnachahmlichen Tiefe und Klarheit. Das Album entstand 2024 auf Tour - erfunden und aufgenommen in einem intimen Rahmen vor zwei Dutzend Menschen.
Auf der Album Release Tour taucht Malo Moray mit seiner Band nun mit ansteckender Wachheit und Ruhe mit Kontrabass und Electronics tief in die Welten zwischen Ambient, Krautrock und Jazz ein und entwickelt dabei einen Sog, der außergewöhnlich ist. Musik als eine Umarmung des Seins; improvisierte Lyric, die sich tief ins Unterbewusste sinken lässt. Malo Morays Kunst ist eine Offenbarung an Kreativität und Entschleunigung - neugierige Deep Listening Musik zwischen allen Gernes. Malo Moray strahlt dabei seine Philosophie einnehmend aus: Neugieriges Zuhören als Gegenentwurf zum entwurzelten Zeitgeist. So entstehen immens bewegende Konzerterlebnisse irgendwo zwischen Brian Eno, Faust, Sunn O))) und dem Soundwalk Collective, in einer völlig eigenen Klangsprache.

Malo Moray ist ein Leipziger Kontrabassist, Theaterkomponist, Performer, Produzent und Booker. Er arbeitet interdisziplinär in den Genres Ambient, Kraut, Psychedelic, Jazz und Sounddesign. Er komponierte zuletzt für Theaterproduktionen in München (Grimmepreisträger Thomas Darchinger) und Kommissionen in Leipzig. Seine aktuelle Doppel-LP "Atolls", produziert vom Grammy-Preisträger Marc Urselli (Lou Reed, Nick Cave, Laurie Anderson…) wurde als "das kosmische Psychedelic-Album des Jahres!" (MINT Magazin) gelobt und das Legacy Magazine meinte "Eine ungemein intensive Klangreise eines visionären Künstlers!"

Einlass 19 Uhr

Elektroakustisches Abenteuer zwischen Jazz, Triphop und Electronica

Das in Berlin gegründete Duo 505 verbindet elektronische und akustische Instrumente und erkundet eine vielfältige musikalische Bandbreite zwischen Jazz, Trip-Hop und Electronica.
Mit Daniel Calvis Gitarre und Synthesizern, die harmonisch mit Mattia Pretes komplexen Live-Elektronik-Rhythmen verschmelzen, präsentiert die Band einen einzigartigen und eklektischen Sound.
Als festes Mitglied sorgt John-Dennis Renken, der Trompeter, mit kraftvollen Melodien und Linien, die den schönen und kraftvollen Klang der Trompete mit bewusstseinserweiternden elektronischen Effekten verbinden, für besondere Akzente.
Gemeinsam setzen sie auf Improvisation und Experimentierfreude und entwickeln ihre Live-Performances in zahlreichen frischen und markanten Shows kontinuierlich weiter.
Ihre Musik spricht Fans von Bands wie Portishead, Massive Attack und Tricky an.
Nach einer erfolgreichen Saison mit Auftritten bei renommierten Festivals wie dem Montreux Jazz Festival und dem Fusion Festival lenkt das Duo nun seine Vision in ein Debütalbum, das noch 2025 veröffentlicht wird.

Einlass 19 Uhr // Bitte nutzen Sie für Ihren Besuch bei uns möglichst öffentliche Verkehrsmittel. Danke!

Die Sängerinnen der CHORALLEN DRESDEN begeistern ihr Publikum mit purer Sangeslust - seit 20 Jahren!
Zum runden Geburtstag präsentieren sie ein abwechslungsreiches Repertoire von Jazz über Gospel, Weltmusik bis hin zu Chanson und Pop. Für Frauenchor arrangiert, kommen völlig neue Interpretationen bekannter Songs heraus - a cappella oder mit Klavierbegleitung, englisch, deutsch und in vielen anderen Sprachen, manchmal mit kleinen Choreografien und Body Percussion.
Mitreißend, emotional und voller stimmlicher Euphorie sorgt das Jubiläumsprogramm der CHORALLEN DRESDEN für wippende Füße, schnipsende Finger und glückliche Ohren!

Einlass 15:00 Uhr

Einlass: 1 Stunde vor Veranstaltungsbeginn

Zukunftweisende Mischung aus Jazz, Krautrock und Ambient

C.A.R. wurde 2011 von Johannes Klingebiel und Kenn Hartwig in Köln gegründet. Ihr Debütalbum "Beyond The Zero" veröffentlichte die Band 2014 bei Unit Records. 2017 folgte die "Interlude EP" und 2018 das Album "Look Behind You". Spielte die Band anfangs noch experimentellen Jazz, ordnet die Presse C.A.R. heute bei Krautrock, Kosmische Musik und Elektronika ein.
Highlights der Bandgeschichte waren Konzerte auf Festivals wie dem Fusion Festival, dem Jazzfest Kolkata und der Casa Banchel in Madrid sowie 2017 eine vierwöchige Tournee durch Pakistan, Sri Lanka und Indien auf Einladung des Goethe Instituts, gefolgt von einer China Tournee 2018.
2019 traten C.A.R. mit Damo Suzuki, dem ehemaligen Sänger der Band CAN auf.
Nachdem C.A.R. im Jahr 2020 ihr Garage-Jam-Album "Befunde seit 1999" eingespielt hatten, gingen sie für den Nachfolger "Any Percent" wieder in ein richtiges Studio.
Nach dem letzten frei improvisierten Album "Gästeliste" (2023) gibt es auf dem im März dieses Jahres erschienenen neuen Longplayer "Valonia" wieder eigene Kompositionen – zum ersten Mal mit Beiträgen aller vier Bandmitglieder. Die Bandbreite reicht von sphärisch wuchernden Klangwolken, die in immer dichter verwobene Melodieschichten übergehen. Man hört treibende Grooves, über denen sich lange melodische Fäden entfalten, die wiederum in effektbeladenen Klangwelten enden können und dabei sehr zart und fein werden. Neben Steve-Reich-artigen polyrhythmischen Mustern hört man aber natürlich auch in den neuen Stücken die für C.A.R. typische Mischung aus Synth-Arpeggios und Motorik-Beats, aber mit neuen Finessen und Kniffen.

Einlass 19 Uhr // Bitte nutzen Sie für Ihren Besuch bei uns möglichst öffentliche Verkehrsmittel. Danke!

Die extragroße Jazzportion

Was ist Jazz, und was kann Jazz sein? Die erste Frage muss nicht notgedrungen mit der zweiten verknüpft sein, aber die Berliner Saxofonistin Silke Eberhard beantwortet mit ihrer extragroßen Band POTSA LOTSA XL beide Fragen auf einmal. Ihre Antworten sind komplex, und dennoch gehen sie ohne Umwege ins Ohr und bleiben im Kopf haften.
Die Namen der Bandmitglieder lesen sich nicht nur wie ein "Who Is Who" der derzeitigen kreativen Jazzszene von Berlin, sondern in ihrer Ballung sie sind zugleich Programm. Es handelt sich nämlich ausschließlich um Musikerpersönlichkeiten, die sich durch eine markante Signatur auszeichnen und diese auch dann in selbstbewusster Zurückhaltung behaupten, wenn sie sich in einen größeren Kontext einordnen. So wirken solistischen Exkurse nicht wie Alleingänge, sondern erscheinen als gruppendienliche Glanzlichter in einem kollektiven Prozess.
Silke Eberhard ist eine feinsinnige Mittlerin zwischen verschiedenen Aggregatzuständen aus Vergangenheit und Gegenwart, Sendern und Empfängern wie auch den Intentionen und Obsessionen von zehn Individualisten, die sie zielgerichtet in ihren Kompositionen vereint. Unaufdringlich und mit bemerkenswertem Einfühlungsvermögen stellt sie Spielfreude über Intellekt sowie Demut und Respekt vor dem Material über virtuosen Exhibitionismus. "Es ist schon durchkomponierte Musik, aber es ist immer alles erlaubt und kann immer alles passieren", erklärt sie fröhlich.
Silke Eberhards Musik ist genau das, was sie ist. Ihre Stärke beruht auf ihrer Unvoreingenommenheit. Wenn man diese Musik Free Jazz nennen will, dann nicht wegen ihrer strukturellen, sondern aufgrund ihrer inneren Freiheit. Sie erhebt sich nicht über andere Musikformen, sondern bleibt mit den zwanzig Beinen der beteiligten Musikerinnen und Musiker auf dem Boden des Alltags. Und genau mit dieser Haltung und deren konsequenter Ausfüllung mit Klangleben beantwortet sie nicht nur die Frage, was heute Jazz ist, sondern was er darüber hinaus auch noch sein kann.

Einlass 19 Uhr

Einlass 19:00 Uhr

Chilenischer Jazzrock-Wahnsinn zwischen Frank Zappa und Soft Machine

Ganze drei feurige Saxofone in der Front, eine prägnante Gitarre, ein bebender Bass, komplexe Rhythmen: Die chilenische Kultband AKINETÓN RETARD bringt ihren unverwechselbaren Mix aus Avantgarde, Jazz, Prog-Rock und Improvisation – intensiv, unberechenbar und absolut einzigartig.
Seit ihrer Gründung in den 1990er-Jahren zählt Akinetón Retard zu den eigenständigsten musikalischen Stimmen Lateinamerikas, gelten dort als "Avantgarde-Rock-Superstars" und unternahmen ausgedehnte Tourneen durch Europa, Japan und China.
Die Band verschmilzt komplexe Rhythmen, eruptive Bläsersätze, psychedelische Gitarren und jazzige Improvisationen zu einem Sound, der sich jeder Kategorisierung entzieht – wild, ekstatisch und voller Energie.
Live ist Akinetón Retard ein Erlebnis der besonderen Art, ihre Bühnenshows sind geradezu legendär, musikalisch bieten sie eine hypnotische Klangreise, bei der Jazz auf Rock, Latin auf Noise und Struktur auf völlige Freiheit trifft. Ob auf internationalen Festivals oder in dunklen Clubs: Diese Band sprengt Erwartungen.
Nach dem gefeierten Vinyl-Release "Azufre" meldet sich die Band nun endlich mit einer Serie von Singles zurück, die ihr kommendes Album vorbereiten. Der erste Track, "Abisinia", ist eine atmosphärisch dichte Hommage an den äthiopischen Jazz der 1970er – mit treibenden Grooves, schrägen Harmonien und einem Sound, der zugleich traditionell und radikal modern ist.
Für Fans von Mr. Bungle, Soft Machine, Frank Zappa oder einfach jeder Musik, die Grenzen sprengt und Erwartungen unterläuft, ist dieses Konzert ein Pflichttermin. Kompromisslos, überraschend, lebendig – eine Band, die nichts erklärt, aber alles sagt.

Einlass 19 Uhr // Bitte nutzen Sie für Ihren Besuch bei uns möglichst öffentliche Verkehrsmittel. Danke!

100 Kilo Herz – Das sind 3,5 Punks, 1,5 Jazzer und 1,5 und ein halbes Indiekid aus Leipzig, die mit ihrem Brass-Punk nicht mehr von den Bühnen dieses Landes wegzudenken sind. Energiegeladene Musik trifft auf intelligente Texte und jede Menge entspannte Eskalation vor und auf der Bühne. Die Jungs von 100 KILO HERZ überzeugen mit ihrer Begeisterung und reißen jedes Publikum mit. Die zumeist politischen Texte sind dabei aktueller denn je und stecken den Finger immer wieder in die offenen Wunden der Gesellschaft. Mit ihrem letzten Album „Zurück nach Hause“ gelang ihnen der Einstieg in die Top 20 der deutschen Albumcharts.

Einlass 19:00 Uhr

Bei „Schütz_Junior!“ gehört dem musikalischen Nachwuchs die Bühne: Schüler:innen des Heinrich-Schütz-Konservatoriums musizieren auf herausragendem Niveau gemeinsam mit ihren Dozent:innen. Im Rahmen des Konzertes erklingen Instrumental- sowie Vokal-Werke von Heinrich Schütz, Andreas Hammerschmidt, Johann Sebastian Bach und anderen. Das Alte Musik-Ensemble und der dresdner motettenchor des HSKD wechseln sich mit Solist:innen aus Dresden und Umgebung ab: Alte Musik ganz gegenwärtig gespielt und erlebt!

Werke aus den Kleinen geistlichen Konzerten I und II SWV 282–337 mit zeitgenössischen Reflexionen von Philipp Rumsch und quantenphysikalischen Einblicken von Elena Hassinger

Seit 100 Jahren wird an kleinsten Teilchen geforscht, die sich klassischen Gesetzmäßigkeiten entziehen, wenn sie unter Extrembedingungen ihren Zustand verändern: Die Quantenphysik hat Erkenntnisse und Technologien ermöglicht, ohne die die moderne Welt nicht denkbar wäre. Werke aus Schütz’ Kleinen geistlichen Konzerten I und II SWV 282–337 gruppieren sich in diesem ganz außergewöhnlichen, extra für das HEINRICH SCHÜTZ MUSIKFEST konzipierten Konzertprogramm entlang von quantenphysikalischen Phänomenen. Aus den kleinsten Einheiten, dem Mikrokosmos, ins Allumfassende bewegt sich ein Gedanke: Wir glauben all an einen Gott.
Um dieser Aussage Kraft zu verleihen, hat artist in residence Gregor Meyer ein multidisziplinäres, interkulturelles Ensemble zusammengestellt. Neben der Quantenphysikerin Elena Hassinger, Professorin an der TU Dresden, und dem Komponisten und Arrangeur Philipp Rumsch verleihen mit Viola Blache, Matthias Knoche, Yoed Sorek und Jawad Seif spannende Musiker:innen der Suche nach den kleinsten Teilchen in der Musik Heinrich Schütz‘ schillernde Facetten.
In den Konzertprogrammen „Mikrokosmos“ und „Makrokosmos“ knüpft Gregor Meyer Verbindungen
zwischen der Musik des 17. Jahrhunderts und Themen aus Wissenschaft und Gesellschaft. Dieser Dialog „zwischen den Zeiten“ kann als einmalige Kombination in der Gegenwart Anregung geben und auch Zuversicht stiften.

Achtung
Veranstaltung findet im CLUB PUSCHKIN statt
Leipziger Str. 12, 01097 Dresden

Copyright: SkullCrusher

Einlass: 16:30 Uhr

Polyrhythmische Groovedynamik mit meditativem Charakter

Der in München lebende Schlagzeuger und Komponist Simon Popp schlägt sich mit einem unglaublichen Gespür für Timing und Stimmung durch polyrhythmische Strukturen.
Mit Sebastian Wolfgruber und Flurin Mück, zwei Freunden und ehemaligen Studienkollegen an der Hochschule für Musik und Theater in München, spielt er in seinem SIMON POPP TRIO Stücke, die er zunächst ganz alleine im eigenen Studio konzipiert und produziert hat. Er arbeitet mit einer facettenreich tönenden Vielfalt, die ihm Perkussionsinstrumente aus vielen Kulturen der Welt liefern, darunter das Ballafon und die Udu vom afrikanischen Kontinent, Rahmentrommeln, sogenannte Tongue-Drums, die arabische Darbuka, Woodblocks, Cowbells, Klangschalen und Bongos, Bündel von getrockneten Samenkapseln und vieles mehr. Den Naturklang der Instrumente manipuliert er ab und an mit elektronischen Effekten und schafft damit Soundflächen, die – gezielt und sparsam eingesetzt – auch Teil seiner Musik sind, die gekrönt wird von wunderbar entspannten Melodien. Denn auch die kann man, mit leuchtenden Obertönen versehen, manchen der Instrumente entlocken. Bei aller rhythmischen Bewegtheit haben Simon Popps Stücke einen fast meditativen Charakter.
Mit seinem Drum Trio wurde er bereits auf namhafte Festivals wie Überjazz Hamburg, Leipziger Jazztage eingeladen und die Londoner Musikplattform Bleep verglich Popp mit den experimentellen Größen Philip Glass und Steve Reich.

Einlass 19 Uhr // Bitte nutzen Sie für Ihren Besuch bei uns möglichst öffentliche Verkehrsmittel. Danke!

„Judas“ von Lot Vekemans mit Instrumentalmusik des 16. und 17. Jahrhunderts

Nicht der Glaube, sondern der Zweifel sei produktiv, sagt Judas. Wer glaubt, der möchte im Status-Quo verbleiben und festhalten an dem, was ist. Wer aber zweifelt, der folgt dem Momentum und handelt, um den Zweifel zu überwinden. Die niederländische Dramatikerin Lot Vekemans gibt in ihrem Monolog dem Jünger, der Jesus verriet, ein Gesicht und eine eigene Geschichte. Und sie lässt ihn Fragen stellen: Was wäre gewesen, wenn ich in Gethsemane bei Jesus geblieben wäre? Was wäre aus ihm geworden? Und was wäre aus mir geworden? Und vor allem: Was wäre aus uns allen geworden?
Der Schauspieler Christian Klischat, dem Musikfest-Publikum von Luthers Tischreden beim HEINRICH SCHÜTZ MUSIKFEST 2012 bekannt, begibt sich mit großem Interesse an den Verbindungen zwischen Theologie und Bühne tief hinein in diese Geschichte aus Enttäuschung, Hoffnung und Missverstehen – und am Ende auch Verrat.
Spannungsreich kontrastiert wird dieser intensive Einblick in die Innenwelt der Figur, die wie wohl keine zweite für die inneren Kämpfe des gewissensabhängigen Menschen steht, durch das Ensemble Fantasticus rund um den Gambisten Robert Smith. Instrumentalmusik des 16. und 17. Jahrhunderts ist Gegenpol, Kommentar und Seelenspiegel gleichermaßen und verspricht einen lang nachhallenden Abend.

Mehr Understatement in einem Bandnamen geht nicht. Der wirklich unpassendste – und damit passendste – Name wurde da von Sönke Torpus für etwas gefunden, das, ohne übertreiben zu wollen, musikalisch wirklich Großartiges birgt. Aber erstmal kurz von vorne. low key orchestra ist das neue Bandprojekt des eben genannten. Allen Indie-Folk-Connaisseuren unter uns wird seine ehemalige Band Torpus & the Art Directors ein Begriff bzw. in guter Erinnerung sein und die Freude ins Gesicht geschrieben stehen, dass nun neue Musik vor der Tür der Lieblingslieder steht.

„maybe words“ hieß der erste von mehreren low key orchestra Songs, die dieses Jahr veröffentlicht werden und es ist schlichtweg ein wundervolles Lied. Sönke ist eine kleine Hymne für all jene gelungen, die eine ausgestreckte Hand oder ein offenes Ohr benötigen. Als hätte er sich gedacht: „Wenn ich nicht in deiner Nähe sein kann, dann bekommst du immerhin einen Refrain, der mehr Trost spendet als 1000 Umarmungen.”

Aus jeder Zeile spricht aufrichtiges Mitgefühl. Zusammen mit dem Produzenten Helgi Helgasson hat Sönke es geschafft, einen unausweichbaren Text in warme und facettenreiche Musik zu übersetzen. Soundtechnisch schwebt das low key orchestra – vor allem hierzulande - sehr eigenständig in einer Klang- und Gefühlswelt, die von Bands wie Bright Eyes, Whitney und den Flaming Lips geprägt wurde. Im Songwriting hingegen fnden sich Parallelen zu frühen Alben von Coldplay oder Keane. Sönke sagt über sich selbst, er habe die Musik für eine lange Zeit verloren. Zu unserem Glück hat er sie – oder vielleicht auch sie ihn – wiederentdeckt. Im Oktober geht das low key orchestra zum ersten Mal in voller Bandbesetzung auf Tour.

Friedensseuffzer und -gebete von Heinrich Schütz, Hans Leo Hassler, Tobias Hume, Erasmus Kindermann und anderen

Einen „mit Auffopfferung vieler millionen Seelen/ geführten Christen=Krieg“ beklagt der Nürnberger Erasmus Kindermann im Vorwort zu seiner Sammlung Musicalische Friedensseuffzer. Seine Kompositionen und die seiner Zeitgenossen entstanden im 17. Jahrhundert unter den traumatisierenden Eindrücken des Dreißigjährigen Kriegs und seinen verheerenden Folgen. Ganze Landstriche waren verwüstet und entvölkert, die Überlebenden geschwächt, es herrschten Hungersnöte und Seuchen. Bereits 100 Jahre zuvor, zur Zeit der Bauernkriege, hat Martin Luther die sehnsüchtige Bitte um Frieden nach der Vorlage des gregorianischen Antiphons aus dem 9. Jahrhundert so eindrücklich in Wort und Musik gesetzt in seinem Choral Verleih‘ uns Frieden gnädiglich. Dieser verbreitete sich in zahlreichen Kompositionen seiner Zeitgenoss:innen über Heinrich Schütz und Johann Sebastian Bach bis in unsere Gegenwart.
Kriegerische Konflikte sind so alt wie die Menschheit selbst – und entsprechend auch der Wunsch und die Sehnsucht nach Frieden. In diesem Jahr, 80 Jahre nach Ende des 2. Weltkrieges, bringt die Hamburger Ratsmusik dies gemeinsam mit der Sopranistin Magdalene Harer eindrücklich zu Gehör: Auch „Alte Musik“ verdeutlich in ihrer permanenten Aktualität, dass Frieden immer wieder neu verhandelt und errungen werden muss.

Inspiriert von Bob Rutmans Klangskulpturen gründete der Dresdner Musiker, Komponist und Instrumentenbauer Jan Heinke 2001 das STAHLQUARTETT. 2022 verstarb er viel zu früh. Seinem und dem Wunsch der übrigen Ensemblemitglieder folgend hat sich das Quartett neu formiert und ist »back on stage«. Gemäß der Tradition nimmt es sein »Zeitlupen-Tempo« wieder auf, richtet den musikalischen Blick auf seine Wurzeln und die Einflüsse, die seinen unverkennbaren Charakter prägten. Auf den Seiten von Heinkes »Das Buch der Farben, Part I - IV« gleitet das Ensemble durch die Raum-Zeit, ab und an ankernd bei Werken von Peter Andreas und Alexander Fülle. Bereit für neue Dimensionen öffnet sich der Stahlklang mit Michael Antonis Stimme oder Anna Friederike Potengowskis Flöte aus dem Radius eines Gänsegeiers.

Das STAHLQUARTETT vereint klassische und Jazz-Musiker*innen. Sie bedienen sich eines von Jan Heinke konstruierten, aus Eisen gefertigten Instrumentes, des Stahlcellos. Sie spielen vorwiegend akustisch im kammermusikalischen Rahmen. Darüber hinaus können die Instrumente elektrisch verstärkt und klanglich bearbeitet werden. Das Repertoire umfasst neben eigenen Kompositionen auch Interpretationen klassischer bis kontemporärer Werke. Die musikalischen Interessen und Impulse der Ensemblemitglieder münden in zahlreiche Kooperationen mit anderen Künstler*innen. Dabei werden stilistische Grenzen und gewohnte Wahrnehmungen mit Bedacht aufgelöst und neue musikalische Formensprachen entwickelt.

Komposition: Jan Heinke, Peter Andreas, Alexander Fülle | Instrumentenbau: Jan Heinke | Musiker*innen: Alexander Fülle (Stahlcello), Michael Antoni (Stahlcello, Gesang), Peter Andreas (Stahlcello), Anna Friederike Potengowski (Stahlcello, Flöte)

Dauer: ca. 90 Minuten