Die ehrgeizige Mutter Ubu stachelt den widerlichen, dummen und feigen Vater Ubu dazu auf, den König Wenzeslas zu ermorden. Gemeinsam mit Hauptmann Craque und seinen Schergen ermordet er den König und krönt sich selbst. Nach dem Staatsstreich herrscht Ubu mit brutaler Willkür. Er ermordet Adlige und Richter und presst dem Volk noch mehr Steuern ab. Dabei taumelt er zwischen Lächerlichkeit und Grausamkeit und hinterlässt eine Spur chaotischer Zerstörung.

Ein feiger Tyrann, der in seiner ungezügelten Gier nach Macht jede Grenze überschreitet. Auf Wenzeslas Sohn Buggerlas, der diesen Alptraum zunächst wie gelähmt verfolgt, ruhen nun alle Hoffnungen.

Diese atemlose Satire entlarvt die Absurdität des Machtmissbrauchs – roh, überzeichnet und erschreckend aktuell. Mit König Ubu schuf Alfred Jarry bereits 1896 ein provokantes, groteskes Theaterstück, das bis heute nichts von seiner Wucht verloren hat.

Regie: Tobias Ballnus

Einlass: 19:50 Uhr

Acht Sätze mit variierenden Tempi von Alessandro Baricco
Deutsch von Marina Wandruszka

Ein Wasserfall, ein waghalsiger Plan, und zwei Männer, die beide jeweils auf ihre Art schrullig und exzentrisch sind: Jerry Wesson lebt in einer schäbigen Hütte unweit der Niagarafälle und versteht das Wasser besser als die Menschen um ihn herum. Tom Smith, glückloser Erfinder und noch glückloserer Meteorologe, erhofft sich von ihm Auskünfte für seine statistischen Tabellen zum Wetter der vergangenen Jahrzehnte.

Gerade als die kauzigen Habenichtse Freundschaft schließen, platzt die junge Journalistin Rachel Green in ihr Leben. Beseelt von dem Wunsch, eine außergewöhnliche Geschichte zu schreiben, schlägt sie ihnen ein spektakuläres Experiment vor: sie will sich in einem Fass die Niagarafälle hinabstürzen – und mit Hilfe der beiden überleben.

Alessandro Bariccos Stück handelt ebenso wie seine „Legende vom Ozeanpianisten“ von der Angst und der Sehnsucht, den Sprung ins Unbekannte zu wagen. Von Träumen, Zufällen, und der Frage, was wir riskieren, um Spuren zu hinterlassen.

Mit: Jutta Klawuhn, Milla Meyer, Alex Niess, Marco Ricciardo / Regie: Karsten Engelhardt / Bühne: Werner Klaus / Kostüme: Mechthild Scheinpflug

Sie war laut, verletzlich, rebellisch – und ihre Stimme
brannte sich in die Seele einer ganzen Generation. Janis
Joplin, Ikone der 68er, ist mehr als nur ein Mythos der
Rockgeschichte. Sie war eine junge Frau, die sich weigerte,
leise zu sein – in einer Welt, die Frauen oft zum Schweigen
bringen wollte. Dieser Konzert-Theaterabend nimmt
Janis’ Musik, ihre Briefe, ihre Aufzeichnungen und Interviews
als Ausgangspunkt, um das Porträt einer Suchenden
zu zeichnen: nach Liebe, nach Zugehörigkeit, nach einem
Platz in einer Welt, in der man als Frau schnell zu viel ist
– oder zu wenig. Zwischen Soul, Blues und Schrei erzählt
der Abend von Einsamkeit, Rausch, Schmerz, aber auch
von Mut, Verletzlichkeit und einer unbedingten Lust aufs
Leben. Die Songs – live gesungen – sind dabei nicht nur
musikalische Highlights, sondern auch emotionale Brennpunkte.
Sie erzählen von einem Leben auf der Überholspur,
von einem Mädchen aus Texas, das zur Königin der
Gegenkultur wurde – und am eigenen Anspruch zerbrach.
Was heißt es, man selbst zu sein, wenn man ständig in
Schubladen gepresst wird? Was kostet es, alles zu geben
– auf der Bühne und im Leben? Und warum klingt Janis
Joplin in einer Welt, die immer noch nach Authentizität
hungert, aktueller denn je? CRY BABY CRY ist eine Einladung,
Janis Joplin neu zu sehen und zu hören.

The Cloud ist eine choreografische Arbeit, die von Elizaveta Poliakova in Zusammenarbeit mit Dominic Kiessling entwickelt wurde und Instabilität, Widerstand und Transformation erforscht. Das Stück entfaltet sich innerhalb einer sich ständig verändernden Umgebung, in der die Bewegung des Körpers als Reaktion auf Druck, Reibung und Momente der Ausrichtung mit dem Kunstobjekt Cloud entsteht. Die Performerin bewegt sich zwischen Zuständen von Kontrolle und Kontrollverlust und erzeugt dabei eine physische Landschaft, die zugleich präzise und unvorhersehbar ist.

Der Körper illustriert keine narrative Handlung, sondern legt Prozesse offen: Spannung, Unterbrechung und Neukonfiguration. Bewegung erscheint, löst sich auf und taucht in veränderter Form wieder auf, wodurch eine fortlaufende Aushandlung entsteht.

Innerhalb dieser Transformationen entfaltet sich das Stück als ein metaphorisches Feld, in dem Bedeutung und Wahrnehmung offen bleiben und Bilder, Empfindungen und Assoziationen entstehen können, ohne sich auf eine eindeutige Interpretation festzulegen. Das Stück lädt das Publikum in einen Raum erhöhter Wahrnehmung ein, in dem sich die Aufmerksamkeit von einer festen Erzählung hin zur Unmittelbarkeit von Transformation verschiebt.

Dauer: 35 Minuten

ENGLISCH:
The Cloud is a choreographic work created by Elizaveta Poliakova in collaboration with Dominic Kiessling that explores instability, resistance, and transformation. The piece unfolds within a constantly shifting environment, where movement of the body emerges in response to pressure, friction, and moments of alignment with the art object Cloud. The performer navigates between states of control and loss of control, generating a physical landscape that is both precise and unpredictable.

The body does not illustrate a narrative, but exposes processes: tension, interruption, and reconfiguration. Movement appears, dissolves, and reemerges in altered forms, creating an ongoing negotiation.

Within these transformations, the piece unfolds as a metaphorical field in which meaning and perception remain open, allowing images, sensations, and associations to surface without settling into a single interpretation. The piece invites the audience into a space of heightened perception, where attention shifts away from a fixed narrative toward the immediacy of transformation.

Duration: 35 minutes

Konzept/Tanz/Choreografie: Elizaveta Poliakova
Kunstobjekt/Installation: Dominik Kiessling

Bei dieser einzigartigen inszenierten Stadtführung begleitet Sie Fräulein Maria durch die historische Altstadt. Bis heute läutet jeden Abend die Kirchenglocke, damit Fräulein Maria den Weg zurück nach Jever findet. Nun kehrt sie zurück und erkennt ihre Stadt kaum wieder. Fräulein Maria lädt das seltsam gekleidete Fußvolk ein, mit ihr nach dem Rechten zu schauen und berichtet auf ihrem Leben mit spannenden Geschichten aus vergangenen Zeiten.

Nach über sieben Jahren kehrt SES Boxing mit einem hochkarätigen Event zurück. Im neuen Sparkassen-Eisdom stehen zwei brisante Rückkämpfe im Fokus: Artur Reis trifft erneut auf Mateusz Tryc, um nach dem umstrittenen ersten Duell den WBO-Europe-Titel im Halbschwergewicht endgültig zu klären. Zudem kommt es zum Rematch zwischen Julian Vogel und Sami Ahmeti, nachdem ihr erster Kampf um die WBO Youth World Championship im Super-Weltergewicht unentschieden endete. Ergänzt wird der Abend durch weitere Profi- und Amateurkämpfe. Ein traditionsreicher Boxstandort wird damit erneut zur Bühne für Spitzenboxsport 

Angst vor Krieg, Wohlstandsverlust und Ressourcenknappheit. Die Angst greift um sich und setzt eine Spirale der Verhärtung, Ausgrenzung und des autoritären Denkens in Gang. Falczyk/Herschel/Reiniger laden auf einen surrealen Trip ein und treiben sich und dem Publikum die Angst mit anarchischer Energie aus.

Mit psychoanalytischem Gespür, Komik und absurdem Humor gehen Falczyk/Herschel/Reiniger einem gesellschaftlichen Affekt mit politischer Sprengkraft auf den Grund. Dafür treten Figuren der neueren deutschen Geschichte in einem grotesken Raum des Unbewussten auf. Der Wiedergänger eines Typen in Deutschlandtrikot, der vor über 30 Jahren zur Projektionsfigur einer faschistischen Männlichkeit erklärt wurde und sich nun schämt, überhaupt auf der Bühne zu stehen. Ein Bundeswehrsoldat, der sich in das Theater verirrt hat und dem es die Sprache verschlagen zu haben scheint, bevor er einen polnischen Monolog hält. Und über allem wachend eine Moderatorin, der nicht zu trauen ist. Zu einem eindringlichen Soundtrack entfalten Falczyk/Herschel/Reiniger das Psychogramm einer Gesellschaft im Angesicht von erstarkendem Rechtspopulismus, zunehmender Militarisierung und den Krisen der Zukunft.

Mit den Mitteln des Theaters, in einem Setting zwischen Geisterbeschwörung und Konfrontationstherapie geht es gegen Disziplinierung, Kontrolle und den inneren Faschismus.

Gefördert durch das Niedersächsische Ministerium für Wissenschaft und Kultur, die Stiftung Niedersachsen, Erhardt Friedrich Stiftung, Stiftung Kulturregion Hannover, Kulturbüro Hannover, Friedrich Weinhagen Stiftung
In Kooperation mit dem Laft e.V., Theaterhaus Hildesheim e.V.
Mit freundlicher Unterstützung durch den Künstlerstadt Kalbe e.V. und des theaterhaus berlin

Einlass: 19:00 Uhr

Sascha Korf verlässt die Bühne – aber nicht leise!
Mit seinem neuen und letzten Programm „Danke und Tschüss – die ultimative Zugabe“ verabschiedet sich der Meister der Improvisation. Und wenn er geht, dann mit Knall und Fanfare. Er wirft 35 Jahre Bühnenkunst in den Ring. Er verneigt sich mit allem, was die Fans an ihm lieben: Improvisation auf höchstem Niveau, mitreißende Interaktion und humorvolle Wortgefechte. Jede Show wird zum einzigartigen Erlebnis, denn Sascha nimmt die Zuschauer mit auf eine humorvolle Reise voller Überraschungen. Mit viel Charme, Witz und Herz sagt er Danke – und liefert eine ultimative Zugabe, die unvergesslich bleibt. Ein Abschied mit einem lachenden und einem noch mehr lachenden Auge. Die längste und lustigste Zugabe der Welt. Möge das Good bye beginnen.

Einlass 19:00 Uhr

Aus produktionstechnischen Gründen abgesagt.

Aller guten Dinge sind Drei! Und daher heißt es: Vorhang auf und Applaus für das dritte Stand-Up Programm von: Jan van Weyde!

„Immer weyder…“ dreht sich das Hamsterrad des alltäglichen Wahnsinns für den Kölner Comedian, Schauspieler und Familienvater.

Er, weiterhin mittendrin im Spagat zwischen Bühnen, TV-Shows, Elternabenden und dem häuslichen Bermuda-Dreieck aus weiblichen Hormonen: Eine Tochter in der Wackelzahn-Pubertät, eine Zweite an der Schwelle zum trotzigen Teenager und eine Ehefrau in der Prämenopause…
Jan van Weyde tanzt auf seinem persönlichen Vulkan.

Wo andere verzweifeln, schöpft Jan unermüdlich Comedy-Gold! Er spielt, triumphiert und… scheitert. „Falls wat is“, steht ihm natürlich sein Kumpel Heiko zur Seite. Mit zuverlässigem Gespür für Fettnäpfchen lautet Heikos Lebens-Motto: Auf der Welle des Shitstorms surft es sich einfach am besten - Eine Parade der Peinlichkeiten im Fahrwasser der Freundschaft!

Dabei will Jan doch nur unterhalten! Und das kann er wie kaum ein anderer. Denn er ist charmant, er ist schnell, er ist einfach Jan.

Jan van Weyde nimmt das Publikum mit in seine Welt der absurdesten Beobachtungen.
„Immer weyder… “ ist Stand-Up mit Herz und Tempo.

Einlass: 19:00 Uhr

AUSVERKAUFT

Es ist "die andere Stadtführung" zu einem der dunkelsten Teile der Stadtgeschichte: Wetzlar war während des Zweiten Weltkriegs ein Zentrum hochentwickelter Kriegstechnik. Als der Bombenkrieg auch Wetzlar erreichte, gingen die Industriebetriebe mit ihren Fertigungen "nach untertage": Kriegsgefangene und heimische Bergleute sprengten riesige Stollenanlagen in die umliegenden Anhöhen und Berge, wo dann Optiker und Mechaniker zusammen mit Zwangsarbeitern die kriegswichtigen Produktionen aufrechterhielten. Aber auch die Wetzlarer Bevölkerung fand hier Schutz vor den Bombenangriffen. Die Tarnung war dabei so perfekt, dass die Amerikaner erst beim Einmarsch in die Stadt entdeckten, was sie bis dahin übersehen hatten. Die Stollenführung ist für Jugendliche ab 14 Jahren, in Begleitung von Erwachsenen geeignet. Eine Teilnahme für Kinder unter 14 Jahren kann nicht ermöglicht werden.

Dauer: 1,5 Stunden

Für die Veranstaltung wird kein Ticket benötigt

Die Teilnahme an der Veranstaltung ist ohne Ticket und Registrierung möglich.

English version below

Performance
Festsaal
Deutsch, Jiddisch, Englisch, Hebräisch
Ca. 1h

Fünf Performerinnen verbinden Stimme, Text und Klang: Experimenteller Sound trifft auf Operngesang, begleitet von Harfe, Klavier, Cello und Akkordeon. Die musikalisch-szenische Collage wirft einen Blick in Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft der jiddischen Kultur in Berlin. Ausgehend von der vibrierenden jiddischer Theaterkultur, die das Berliner Scheunenviertel um die Sophiensæle zwischen 1870 und den frühen 1920er-Jahren prägte, folgt die Dramaturgie den Frauen Regina Jonas, Rosa Luxemburg, Rosa Klauber, Ruth Klinger sowie Rahel Varnhagen, Rokhl Korn, Rahel Hirsch und Rachel Libeskind. Ihre Biografien verhandeln feministische Handlungsfähigkeit, Solidarität und künstlerische Resilienz.

Künstlerische Leitung: Ariel Efraim Ashbel & Rachel Libeskind
Performance: Maya Dunietz, Jessica Gadani, Lori Goldston, Rachel Libeskind
Musikalische Leitung: Maya Dunietz
Live Painting: Ella Ponizovsky Bergelson
Sound Design: Neda Sanai
Licht: Joseph Wegmann
Assistenz Bühne: Shir Shoval-Simhoni
Assistenz Produktion: Dan Immanuel Roth
Dramaturgie- und Regieassistenz: Katharina Joy Book
Creative Producerin: Anna von Glasenapp / high expectations

Eine Produktion von Ariel Efraim Ashbel and friends in Koproduktion mit Sophiensæle. Gefördert von der Senatsverwaltung für Kultur und gesellschaftlichen Zusammenhalt und dem Hauptstadtkulturfonds (HKF). Medienpartner: Missy Magazine, Siegessäule, taz.
_______________

Performance
Festsaal
German, Yiddish, English, Hebrew
Ca. 1h

Five performers translate this diversity into a tapestry of voice, text and sound: experimental sound meets opera singing, accompanied by harp, piano, cello and accordion. The musical and scenic collage takes a glimpse into the past, present and future of Yiddish culture in Berlin. Drawing on the vibrant Yiddish theater culture that shaped Berlin’s Scheunenviertel around todays Sophiensæle between 1870 and the early 1920s, the narrative follows the women Regina Jonas, Rosa Luxemburg, Rosa Klauber, Ruth Klinger, as well as Rahel Varnhagen, Rokhl Korn, Rahel Hirsch and Rachel Libeskind. Their biographies raise questions about feminist agency, solidarity and artistic resilience.

Artistic direction: Ariel Efraim Ashbel & Rachel Libeskind
Performance: Maya Dunietz, Jessica Gadani, Lori Goldston, Rachel Libeskind
Musical direction: Maya Dunietz
Live painting: Ella Ponizovsky Bergelson
Sound design: Neda Sanai
Lighting: Joseph Wegmann
Stage assistant: Shir Shoval-Simhoni
Production assistant: Dan Immanuel Roth
Dramaturgy and directing assistant: Katharina Joy Book
Creative producer: Anna von Glasenapp / high expectations

A production by Ariel Efraim Ashbel and friends in co-production with Sophiensæle. Funded by the Senate Department for Culture and Social Cohesion and the Capital Cultural Fund (HKF). Media partners: Missy Magazine, Siegessäule, taz.

English version below

Performance
Festsaal
Deutsch, Jiddisch, Englisch, Hebräisch
Ca. 1h

Fünf Performerinnen verbinden Stimme, Text und Klang: Experimenteller Sound trifft auf Operngesang, begleitet von Harfe, Klavier, Cello und Akkordeon. Die musikalisch-szenische Collage wirft einen Blick in Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft der jiddischen Kultur in Berlin. Ausgehend von der vibrierenden jiddischer Theaterkultur, die das Berliner Scheunenviertel um die Sophiensæle zwischen 1870 und den frühen 1920er-Jahren prägte, folgt die Dramaturgie den Frauen Regina Jonas, Rosa Luxemburg, Rosa Klauber, Ruth Klinger sowie Rahel Varnhagen, Rokhl Korn, Rahel Hirsch und Rachel Libeskind. Ihre Biografien verhandeln feministische Handlungsfähigkeit, Solidarität und künstlerische Resilienz.

Künstlerische Leitung: Ariel Efraim Ashbel & Rachel Libeskind
Performance: Maya Dunietz, Jessica Gadani, Lori Goldston, Rachel Libeskind
Musikalische Leitung: Maya Dunietz
Live Painting: Ella Ponizovsky Bergelson
Sound Design: Neda Sanai
Licht: Joseph Wegmann
Assistenz Bühne: Shir Shoval-Simhoni
Assistenz Produktion: Dan Immanuel Roth
Dramaturgie- und Regieassistenz: Katharina Joy Book
Creative Producerin: Anna von Glasenapp / high expectations

Eine Produktion von Ariel Efraim Ashbel and friends in Koproduktion mit Sophiensæle. Gefördert von der Senatsverwaltung für Kultur und gesellschaftlichen Zusammenhalt und dem Hauptstadtkulturfonds (HKF). Medienpartner: Missy Magazine, Siegessäule, taz.
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Performance
Festsaal
German, Yiddish, English, Hebrew
Ca. 1h

Five performers translate this diversity into a tapestry of voice, text and sound: experimental sound meets opera singing, accompanied by harp, piano, cello and accordion. The musical and scenic collage takes a glimpse into the past, present and future of Yiddish culture in Berlin. Drawing on the vibrant Yiddish theater culture that shaped Berlin’s Scheunenviertel around todays Sophiensæle between 1870 and the early 1920s, the narrative follows the women Regina Jonas, Rosa Luxemburg, Rosa Klauber, Ruth Klinger, as well as Rahel Varnhagen, Rokhl Korn, Rahel Hirsch and Rachel Libeskind. Their biographies raise questions about feminist agency, solidarity and artistic resilience.

Artistic direction: Ariel Efraim Ashbel & Rachel Libeskind
Performance: Maya Dunietz, Jessica Gadani, Lori Goldston, Rachel Libeskind
Musical direction: Maya Dunietz
Live painting: Ella Ponizovsky Bergelson
Sound design: Neda Sanai
Lighting: Joseph Wegmann
Stage assistant: Shir Shoval-Simhoni
Production assistant: Dan Immanuel Roth
Dramaturgy and directing assistant: Katharina Joy Book
Creative producer: Anna von Glasenapp / high expectations

A production by Ariel Efraim Ashbel and friends in co-production with Sophiensæle. Funded by the Senate Department for Culture and Social Cohesion and the Capital Cultural Fund (HKF). Media partners: Missy Magazine, Siegessäule, taz.

Vorab die gute Nachricht: die Welt wird wegen Künstlicher Intelligenz bald untergehn. Wir müssen uns also nicht mehr über den Klimawandel, Flat Earther oder fehlgeschlagene Bluetooth Verbindungen ärgern. Die schlechte Nachricht: nie wieder Disneyland. Weil wir dann alle tot sind. Und tot lassen die einen nicht rein.
Weniger gefasste Künstler würden angesichts dieser Faktenlage wahrscheinlich die Nerven verlieren. Vermutlich würden sie nackig bis auf ein Pappschild mit der Aufschrift "HÖRT AUF DIE APOKALYPSE VORANZUTREIBEN IHR WAHNSINNIGEN, BITTE" einen Poetry Slam gewinnen und nichts erreichen.
Ja, wir könnten die Apokalypse noch aufhalten, aber das wär echt viel Arbeit. Wir müssten dann alle unnötigen E-Mails wieder selbst formulieren und es gäbe keine Möglichkeit "Atemlos" mit der Stimme von Darth Vader zu hören. Das will natürlich keiner. Also bleibt nur die Flucht nach vorne. In seinem zwangsweise letzten Soloprogramm feuert Tino Bomelino noch einmal alle relevanten Kunstformen ab, die die Menschheit in ihren 300.000 Jahren hervorgebracht hat (durch die ersten 299.960 Jahre muss man sich ein bisschen durchkämpfen, aber dann wird's richtig gut!): Stand Up Comedy, Songs mit der Loop Station, Cartoons und ein Pappschild mit der Aufschrift "Huiiiiiiii!".
Also kündigt eure Bausparverträge, verpfändet eure Tamagotchis und kauft euch ein Ticket für das letzte Soloprogramm der Menschheitsgeschichte! Geld ist eh bald wertlos, also gebt es Tino! Sollte die Apokalypse wider erwarten vor diesem Termin eintreten, gibt es für alle die noch leben kostenlos Aperol Spritz.

Copyright: Tino Bomelino

Einlass: 19:00 Uhr

Theater, Artistik, Musik, Essen, Trinken und Lachmuskeltraining beim Kleinkunstabend der Breitnauer Bauernbühne

Oma fühlt sich einsam. Das will sie ändern. „Da gibt`s doch dieses Internet“ überlegt sie sich. Mit unfreiwilliger Unterstützung ihrer Enkelin begibt sie sich auf die Suche nach einem „Neuen“. Verwechslungen, Mißverständnisse und komische Situationen sind die Folge.
Mit der turbulenten Komödie „Oma ist Online“ von Regina Harlander wird die Breitnauer Bauernbühne den Kleinkunstabend im Alten Pfarrhof eröffnen und die Lachmuskeln des Publikums schon mal ordentlich lockern.

Danach wird es kreativ, sogar „Viel z`kreativ“. So heißt das Programm von Günter Klingler alias „Heinz Herrmann“. Günter Klingler ist Schauspieler, Tänzer und Zirkusartist.
Er hat über 30 Jahre Bühnenerfahrung und tourt mit seiner Figur „Heinz Herrmann“ auf Strassenfestivals und Kleinkunstbühnen. Originelle Artistik, Theater, Akrobatik, Tanz und Jonglage verbinden sich auf faszinierende Weise in einer kuriosen One-Man-Show.
„Wenn Günter Klingler alias Heinz Herrmann über die Bühne tobt, bleibt kein Lachmuskel unbewegt“ schrieb die „Süddeutsche Zeitung“.

Den dritten Programmpunkt bestreitet das Duo “2Klang“.
Die beiden Vollblut- Musikerinnen Steffi und Christian Burchardt machen mit zwei ausdrucksstarken Stimmen, Akustikgitarre und Klavier große und bekannte Songs neu erlebbar.
„Ach ja, den Song kenn ich“, denkt man sich, summt mit, weiß aber nicht so genau, worum es im Text eigentlich geht. Unter dem Motto „Große Songs- endlich verstanden“ präsentieren die beiden bekannte Lieder und erzählen dazu über Geschichten und Emotionen zwischen den Zeilen.
In der besonderen Atmosphäre des „Alten Pfarrhofs“ verspricht das Programm zu einem echten kulturellen Erlebnis zu werden, mit viel Witz und lauten, aber auch leiseren Tönen.

Für das „Leibliche Wohl“ wird dabei ebenfalls bestens gesorgt sein.

Einlass ab 19 Uhr