Einlass ab 15.30 Uhr

Einlass ab 19.00 Uhr

„Einszweiundzwanzig vor dem Ende“ ist eine rabenschwarze Komödie, die zwischen Tragik und Komik, Drama und Persiflage pendelt. Matthieu Delaporte, bekannt für Werke wie „Der Vorname“, zeichnet in diesem Stück eine originelle und witzige Spekulation über die unmittelbare Zeit vor dem Ende. Die deutsche Erstaufführung fand am 4. Juni 2023 im Renaissance-Theater Berlin statt.

Hieronymus – Rendezvous mit dem Baron Münchhausen

Willkommen in der Welt des größten Geschichtenerzählers aller Zeiten! „Hieronymus“ ist eine außergewöhnliche Outdoor-Comedy-Show, die das Publikum in die fantastische Welt des Baron Münchhausen entführt.
Begleiten Sie den charmanten Lügenbaron auf einem Spaziergang voller Wunder, unglaublicher Anekdoten und atemberaubender Abenteuer. Erleben Sie, wie er sich am eigenen Schopf aus dem Sumpf zieht, auf einer Kanonenkugel reitet und Töne aus einem eingefrorenen Posthorn auftauen. Doch was steckt hinter all den waghalsigen Geschichten? War wirklich alles erlogen – oder gibt es eine ganz andere Wahrheit?

Mit einem Augenzwinkern und viel Humor werden Sie in die Welt des 18. Jahrhunderts versetzt und begegnen einem Mann, der zwischen Realität und Fantasie jongliert wie kein Zweiter.
Ein unterhaltsamer Spaziergang für alle, die sich gerne verblüffen lassen und selbst ein wenig zum Münchhausen werden wollen. Denn seien wir ehrlich: Ein Quäntchen Wahrheit steckt in jeder guten Geschichte!

„Hieronymus – Ein Rendezvous mit dem Baron Münchhausen“ – Eine Show, die Sie garantiert nicht vergessen werden. Ob alles wahr ist? Entscheiden Sie selbst!

Treffpunkt: Schlosshof

"Fort ist bald des Tages Weh, Dank dem lieben Cabaret"

Eine Lesung mit Musik zum 09. November mit Klaus Brantzen (Schauspiel, Cello) und Jürgen Streck (Klavier, Akkordeon).

Schauplatz Theresienstadt: Hier war eine große Zahl prominenter jüdischer Künstler/innen interniert. Neben Opern, Konzerten und Theateraufführungen wurde auch Kleinkunst
aufgeführt. Mut, Heiterkeit und Abwechslung in das Leben des Ghettos zu bringen, lautete die Devise. Mit atemberaubender künstlerischer Aktivität wurde hier der rauen Realität
getrotzt. Es ging darum, die Leidensgenossen zu unterhalten, Lebensmut und moralischen Halt zu geben und ihren Überlebenswillen zu stärken. Hier wurde mit einer Besessenheit
in der Kunst gelebt, wie dies nur Todgeweihte vermögen.

Ortswechsel: Konzentrationslager Dachau. Vor 80 Jahren, am 28. März 1945, wird der Mainzer Priester Johannes Brantzen nach dreieinhalb Jahren aus dem KZ entlassen.
Seine Eindrücke hält er in Form einer Predigt fest. Ein Zeitdokument, das erschüttert, zugleich aber auch Bekenntnis ist und Mahnung: Erinnern? - Ja! Vergessen? - Nie!
Neben Musik, Texten und Songs aus dem Ghettolager Theresienstadt werden Auszüge aus dem Predigttext vorgetragen.

Einlass 12:30 Uhr

Sein Leben, seine Liebe, seine Musik
DIE UDO JÜRGENS STORY
Mit Gabriela Benesch & Alex Parker


Bild: Harald Kraus

Einlass: 18:00 Uhr | Beginn: 19:00 Uhr

Eine Homage an die schottische Superband RunRig
RunRig waren eine der erfolgreichsten schottischen Bands, die neben Schottland auch in Dänemark und Deutschland eine treue Fangemeinde mit mehreren Nummer-Eins-Hits und Alben in den Charts hatten. Die schottische Celtic Rock Band wurde 1973 auf der Isle of Skye gegründet. Die Band veröffentlichte vierzehn Studioalben, wobei einige ihrer Lieder auch in schottischem Gälisch gesungen wurden.
Die Musik von Runrig wird oft als eine Mischung aus Folk und Rockmusik beschrieben, wobei sich die Texte der Band oft um Orte, Geschichte, Politik und Menschen drehen, die einzigartig für Schottland sind oder waren. Dieser traditionelle Bezug in der Musik, aber auch in den Texten, die teilweise auch gälische Lyriken haben, zeichnet die Besonderheit der Band aus und schafft die Faszination ihrer Musik. Selten gelang es einer Band diese Identität zu schaffen zwischen Land und der Musik wie RunRig.

Einlass: 19:00 Uhr

Und endlich ist es wieder so weit!

Drei Jahre nach dem Erfolg des letzten Ballettabends, kehrt die Ballettschule Sofia Herrera de Frey aus Hochheim - mit ihren Schülerinnen im Alter von 4 bis 50 Jahren - auf die Bühne des Theaters Rüsselsheim zurück.

Ein winterliches Märchen für die ganze Familie, nach der gleichnamigen Märchenoper von Adelheid Wette und Engelbert Humperdinck:

Hänsel und Gretel

Eine wunderschöne, poetische Geschichte über eine große Geschwister-Freundschaft die über alle Grenzen hinausgeht. Eine fantasievolle Reise über Liebe, Mut und Hoffnung…

„Gretelchen, drücke dich fest an mich,
ich halte dich, ich schütze dich!“

„Abends will ich schlafen gehn,
vierzehn Engel um mich stehn:
… zweie, die mich weisen
zu Himmels Paradeisen!“

„Habt Dank! Habt Dank!“

Veranstaltungsort: Theater Rüsselsheim, Großes Haus | Veranstaltungsdauer: 120 Min. inkl. Pause

Eintritt: 18 bis 28,50 Euro
Karten sind ab 05.04.2025 NUR über die Ballettschule Sofia Herrera de Frey in Hochheim erhältlich
Telefon: 06146 - 6318 oder per E-Mail kontakt@ballettschule-hochheim.de

Veranstalter: Ballettschule Sofia Herrera de Frey

Foto: Ballettschule Sofia Herrera de Frey

Einlass: ab 17 Uhr

Karten sind ab 05.04.2025 NUR über die Ballettschule Sofia Herrera de Frey in Hochheim erhältlich

Christoph Reuter // Musik macht schlank! (außer manche)

Musikalisches Kabarett
Regie: Dominik Wagner

In seinem neuen Programm „Musik macht schlank! (außer manche)“ entführt uns der preisgekrönte Berliner Pianist und Kabarettist Christoph Reuter in die Welt der Musik.

Macht Musik wirklich schlank, oder bleiben die Pfunde da wo sie sind? Hat Musikgeschmack etwas mit Essen zu tun? Wer schrieb Happy Birthday und wurde reich und berühmt? Wie klingt Liebeskummer auf einer Trillerpfeife? Hat Luther wirklich das Songbook erfunden und zählt Musikhören beim Marathon schon als Doping?

Nach diesem Programm können sie nach Konzertbesuchen bei kompletter Ahnungslosigkeit souverän fachsimpeln, und dabei noch abnehmen.
Mit Musik u.a. von Bach, Verdi, Bob Marley, Cole Porter, Sting und Ed Sheeran.

Christoph Reuter ist Gewinner des Thüringer Kleinkunstpreises 2017 und des Leverkusener Kleinkunstpreises 2022. Er begleitete über fünfzehn Jahre Dr. Eckart von Hirschhausen am Piano. 2021 erschien sein erstes Buch „Alle sind musikalisch! (außer manche)“ beim Heyne Verlag.

Foto: Frank Eidel

Einlass 19:00 Uhr

Phil Siemers ist im November 2025 auf „WAS WENN DOCH“- Tour und wird in neun Städten live auf der Bühne zu erleben sein. Das neue, gleichnamige Album des Singer-Songwriters erscheint am 23. Mai. Tickets gibt es ab sofort im exklusiven Vorverkauf auf eventim.de und ab dem 7. März 2025 um 12:00 Uhr auch an allen bekannten Vorverkaufsstellen.

Was Phil Siemers mit seiner Band und im letzten Jahr zum ersten Mal auch solo auf die Bühne stellt, gehört zum Hochwertigsten, was populäre, handgemachte Musik aus Deutschland zu bieten hat. Was er macht, atmet Groove und Lässigkeit; seine Stimme schmiegt sich butterweich zwischen Herz- und Magengegend und die Atmosphäre knistert förmlich vor Präsenz und Sinnlichkeit.

„WAS WENN DOCH“ ist das dritte Album des 32-jährigen Musikers und wurde innerhalb von 12 Tagen via Crowdfunding finanziert: es ist ein selbstbewusstes, organisches Album, dessen roter Faden Zuversicht und die vermeintlich unerreichbaren Träume sind. Der gleichnamige Titeltrack bricht mit warm leuchtendem Chorus durch den Nebel - und mit Lyrics, die auf allen Newsportalen dieser Zeit stehen sollten: „Was wenn doch - was, wenn es gut geht? Ich brauch nur ´ne Chance, auch wenn sie nicht gut steht.“ In seinem musikalischen Bogen finden aber auch nachdenkliche Songs wie „Mila & Juri“ (VÖ: 07.03.25), der aus Kinderaugen auf Krieg und Zukunftsträume blickt und den Ton mit cinematischem Streicherintro setzt, ihren Platz. Mit Freundeskreis-Zitat, schwerem Beat und ziemlich sexy schlendert uns „Bring mich nach Hause“ als Duett mit der Berliner Künstlerin LOUKA entgegen. Es ist auch seine bemerkenswerte Stilsicherheit, die Phil Siemers diese Bandbreite ermöglicht: „Für mich beginnt mit „WAS WENN DOCH“ ein neues Kapitel und ich kann es kaum erwarten, die neuen Songs vor Publikum zu spielen.“ Im November 2025 ist Phil Siemers gemeinsam mit seiner Band live auf der Bühne zu erleben.

Bild: Bianca Schmidt

Einlass: 18:00 Uhr | Begin: 19:00 Uhr

Mit Gefühl!

In seiner neuen Bühnenshow zeigt der Gießener Bestsellerautor, Kabarettist, Schauspieler und Musiker Dietrich Faber wieder alles, was seine Bühnenkunst seit Jahren ausmacht: mitreißendes, facettenreiches, witziges, tiefsinniges, musikalisches und ja gefühlvolles Entertainment.
Nicht nur im Leben, sondern auch in dieser Show dreht sich dieses Mal alles um Gefühle.
Faber beleuchtet den Zeitgeist, in der Gefühle zu Wahrheiten erklärt werden und Fakten immer weniger eine Rolle zu spielen scheinen. Er nimmt sein Publikum mit auf eine emotionale Show-Achterbahn der echten Gefühle und nicht ganz so echten Gefühlsduseleien.
Der oberhessische Gefühlsexperte und Cowboyphilosoph Manni Kreutzer wird ebenso wieder mit von der Partie sein, wie unzählige weitere bekannte oder komplett neue Figuren, in die Dietrich Faber voller Inbrunst schlüpfen wird.
Man darf zum Beispiel gespannt sein, wie es sich anfühlt, wenn rechte Hetzer ein gefühlsbeladenes Musical aufführen, Karl Lauterbach in seinem gefühlvollen Achtsamkeits-Seminar als Gäste Friedlich Merz, Robert Habeck und Olaf Scholz begrüßt oder der Ganz-Alleinunterhalter Orgel-Willi ekstatisch für wahre Gefühlsexplosionen sorgt.
Dietrich Faber präsentiert in seinem neuen Solo-Programm humorvolle Texte, bissige Satire, skurrile Beobachtungen, rasante Rollenwechsel, eingängige Songs an Klavier und Gitarre…und das alles „Mit Gefühl“ und viel Humor.
Gefühle sind vielseitig, wechselhaft und manchmal unberechenbar…genau wie diese Show.
Denn nur „Mit Gefühl“ kommt es zu dem, was es dingend in dieser Welt braucht: Mitgefühl!

Foyer und Bar ab 16:00 Uhr geöffnet. Einlass in den Saal ab 16:30 Uhr.

In performativen Videoarbeiten, einige davon Gemeinschaftsproduktionen mit Tiago Mata Machado, isoliert die brasilianische Künstlerin Cinthia Marcelle alltägliche, routinierte Bewegungs- und Arbeitsprozesse aus ihrem funktions- und produktionsorientierten Kontext. Die meist kollaborativ-partizipativ angelegten Situationen verwandelt sie in poetische, metaphorische Bilder, die eingespielte Routinen des gesellschaftlichen Miteinanders und eine leistungsorientierte Logik moderner Gesellschaften zur Disposition stellen.

Die Ausstellung Bodies in Motion – Form in the Making kontextualisiert die performativen, zumeist auf einfachen Handlungsanweisungen beruhenden performancebasierten Videoarbeiten von Cinthia Marcelle erstmals mit Ikonen der US-amerikanischen postminimalistischen Tanz- und Performancepraxis der 1960er/70er Jahre wie Yvonne Rainer, Bruce Nauman, Suzanne Harris und dem performativ-partizipativen Gestaltungsansatz der minimalistischen Skulpturen der deutschen Künstlerin Charlotte Posenenske.

Die Ausstellung wird von Anna Roberta Goetz kuratiert.

In performativen Videoarbeiten, einige davon Gemeinschaftsproduktionen mit Tiago Mata Machado, isoliert die brasilianische Künstlerin Cinthia Marcelle alltägliche, routinierte Bewegungs- und Arbeitsprozesse aus ihrem funktions- und produktionsorientierten Kontext. Die meist kollaborativ-partizipativ angelegten Situationen verwandelt sie in poetische, metaphorische Bilder, die eingespielte Routinen des gesellschaftlichen Miteinanders und eine leistungsorientierte Logik moderner Gesellschaften zur Disposition stellen.

Die Ausstellung Bodies in Motion – Form in the Making kontextualisiert die performativen, zumeist auf einfachen Handlungsanweisungen beruhenden performancebasierten Videoarbeiten von Cinthia Marcelle erstmals mit Ikonen der US-amerikanischen postminimalistischen Tanz- und Performancepraxis der 1960er/70er Jahre wie Yvonne Rainer, Bruce Nauman, Suzanne Harris und dem performativ-partizipativen Gestaltungsansatz der minimalistischen Skulpturen der deutschen Künstlerin Charlotte Posenenske.

Die Ausstellung wird von Anna Roberta Goetz kuratiert.

In performativen Videoarbeiten, einige davon Gemeinschaftsproduktionen mit Tiago Mata Machado, isoliert die brasilianische Künstlerin Cinthia Marcelle alltägliche, routinierte Bewegungs- und Arbeitsprozesse aus ihrem funktions- und produktionsorientierten Kontext. Die meist kollaborativ-partizipativ angelegten Situationen verwandelt sie in poetische, metaphorische Bilder, die eingespielte Routinen des gesellschaftlichen Miteinanders und eine leistungsorientierte Logik moderner Gesellschaften zur Disposition stellen.

Die Ausstellung Bodies in Motion – Form in the Making kontextualisiert die performativen, zumeist auf einfachen Handlungsanweisungen beruhenden performancebasierten Videoarbeiten von Cinthia Marcelle erstmals mit Ikonen der US-amerikanischen postminimalistischen Tanz- und Performancepraxis der 1960er/70er Jahre wie Yvonne Rainer, Bruce Nauman, Suzanne Harris und dem performativ-partizipativen Gestaltungsansatz der minimalistischen Skulpturen der deutschen Künstlerin Charlotte Posenenske.

Die Ausstellung wird von Anna Roberta Goetz kuratiert.

In performativen Videoarbeiten, einige davon Gemeinschaftsproduktionen mit Tiago Mata Machado, isoliert die brasilianische Künstlerin Cinthia Marcelle alltägliche, routinierte Bewegungs- und Arbeitsprozesse aus ihrem funktions- und produktionsorientierten Kontext. Die meist kollaborativ-partizipativ angelegten Situationen verwandelt sie in poetische, metaphorische Bilder, die eingespielte Routinen des gesellschaftlichen Miteinanders und eine leistungsorientierte Logik moderner Gesellschaften zur Disposition stellen.

Die Ausstellung Bodies in Motion – Form in the Making kontextualisiert die performativen, zumeist auf einfachen Handlungsanweisungen beruhenden performancebasierten Videoarbeiten von Cinthia Marcelle erstmals mit Ikonen der US-amerikanischen postminimalistischen Tanz- und Performancepraxis der 1960er/70er Jahre wie Yvonne Rainer, Bruce Nauman, Suzanne Harris und dem performativ-partizipativen Gestaltungsansatz der minimalistischen Skulpturen der deutschen Künstlerin Charlotte Posenenske.

Die Ausstellung wird von Anna Roberta Goetz kuratiert.

In performativen Videoarbeiten, einige davon Gemeinschaftsproduktionen mit Tiago Mata Machado, isoliert die brasilianische Künstlerin Cinthia Marcelle alltägliche, routinierte Bewegungs- und Arbeitsprozesse aus ihrem funktions- und produktionsorientierten Kontext. Die meist kollaborativ-partizipativ angelegten Situationen verwandelt sie in poetische, metaphorische Bilder, die eingespielte Routinen des gesellschaftlichen Miteinanders und eine leistungsorientierte Logik moderner Gesellschaften zur Disposition stellen.

Die Ausstellung Bodies in Motion – Form in the Making kontextualisiert die performativen, zumeist auf einfachen Handlungsanweisungen beruhenden performancebasierten Videoarbeiten von Cinthia Marcelle erstmals mit Ikonen der US-amerikanischen postminimalistischen Tanz- und Performancepraxis der 1960er/70er Jahre wie Yvonne Rainer, Bruce Nauman, Suzanne Harris und dem performativ-partizipativen Gestaltungsansatz der minimalistischen Skulpturen der deutschen Künstlerin Charlotte Posenenske.

Die Ausstellung wird von Anna Roberta Goetz kuratiert.

In performativen Videoarbeiten, einige davon Gemeinschaftsproduktionen mit Tiago Mata Machado, isoliert die brasilianische Künstlerin Cinthia Marcelle alltägliche, routinierte Bewegungs- und Arbeitsprozesse aus ihrem funktions- und produktionsorientierten Kontext. Die meist kollaborativ-partizipativ angelegten Situationen verwandelt sie in poetische, metaphorische Bilder, die eingespielte Routinen des gesellschaftlichen Miteinanders und eine leistungsorientierte Logik moderner Gesellschaften zur Disposition stellen.

Die Ausstellung Bodies in Motion – Form in the Making kontextualisiert die performativen, zumeist auf einfachen Handlungsanweisungen beruhenden performancebasierten Videoarbeiten von Cinthia Marcelle erstmals mit Ikonen der US-amerikanischen postminimalistischen Tanz- und Performancepraxis der 1960er/70er Jahre wie Yvonne Rainer, Bruce Nauman, Suzanne Harris und dem performativ-partizipativen Gestaltungsansatz der minimalistischen Skulpturen der deutschen Künstlerin Charlotte Posenenske.

Die Ausstellung wird von Anna Roberta Goetz kuratiert.

Wer energiegeladene und schweißtreibende Livekonzerte, musikalische Vielfalt und Bands wie The Cat Empire, Manu Chao, Gogol Bordello oder Chico Trujillo liebt, sollte Eskorzo auf keinen Fall verpassen!

Die 1995 gegründete legendäre Band aus Granada gilt als Vorreiter der "Mestizo"-Bewegung in Spanien und vereint so unterschiedliche Stile wie Cumbia, Afrobeat, Gypsy-Punk, Reggae, Ska, Funk und Jazz.

Beeinflusst von Künstlern wie Fishbone, Red Hot Chili Peppers, Talking Heads, The Clash, Mano Negra oder Los Fabulosos Cadillacs, ist Eskorzo heute selbst eine Referenz für musikalische Fusion auf höchstem Niveau. Live auf der Bühne arbeiten die sieben Musiker nicht nur wie ein Uhrwerk, sondern strahlen dabei auch ausgelassene Spielfreude und puren Wahnsinn aus. Ein Adrenalinschub mit Energie und Schweiß, der das Publikum in eine kollektive Katharsis führt, ganz egal ob bei einem Rock-, Jazz- oder Worldmusic-Festival. Mit mehr als tausend Konzerten weltweit auf dem Buckel, acht veröffentlichten Alben und fast 30 Jahren musikalischer Karriere beschreitet Eskorzo immer wieder neue Wege und gilt als einer der interessantesten und authentischsten Acts der aktuellen Szene. Im November 2023 veröffentlichte die Band ihr siebtes Studioalbum mit dem Titel „Historias de Amor y otras mierdas“ (auf Deutsch: „Liebesgeschichten und anderer Scheiß“), welches 2024 mit mehr als 70 Konzerten in Clubs und auf Festivals in ganz Europa live präsentiert wurde. Und 2025 geht Eskorzo erneut auf Europa-Tour, um sich gebürtig von diesem erfolgreichen Album zu verabschieden und das Publikum bereits mit neuen Songs zum Feiern einzuladen.

Einlass: 19:00 Uhr

THE CAVERN BEATLES
Visuell & akustisch ein absolut realistisches Konzert wie in den Jahren 1963-66 - live!

Wie durch eine Zeitmaschine werden die Zuschauer (aller Altersklassen) in die 60er Jahre zurück versetzt. Und es scheint so, als wenn sie nicht so schnell wieder in die Gegenwart zurückkehren möchten. Ein über zweistündiges Power-Konzert mit authentischer Technik, Instrumenten und Kostümen und ohne jeglichem „Schnick-Schnack“ sind die besten Beweise dafür!

Erstklassige “Tribute Bands” versuchen nicht nur so wie ihre bekannten Vorbilder auszusehen und zu klingen, sondern schaffen es, das wahre Wesen der Künstler und die Stimmung der Zeit zu erfassen und dem Zuschauer zu vermitteln. In dieser Hinsicht sind die Cavern Beatles führend in ihrer Zunft und schaffen es immer mit ihrer erstaunlichen Bühnenpräsenz die Zuschauer mitzureißen. Sieht man die einzelnen Musiker, ist es offensichtlich wen sie darstellen - sieht man alle zusammen auf der Bühne wird die Ähnlichkeit zum Original verblüffend. Als Musiker haben sie die Songs der Beatles bis ins Kleinste erforscht, um vom Akkordgriff bis hin zu jedem Drumfill die Musik so authentisch wie möglich zu spielen. Von Kritikern wird oft ihr stimmliches Können gelobt. Alle vier Bandmitglieder sind in Liverpool geboren und aufgewachsen, was ihnen einen natürlichen stimmlichen Vorteil gibt.

Wenn sich tausende von Besuchern wirklich ernsthaft fragen, ob die Originale live jemals so gut waren wie ihre Nachfolger, dann hat das Aussagekraft. Es sagt vor allem viel über die Qualität der Performance, denn den meisten Gästen sind die Beatles ja nur noch von diversen Tonträgern bekannt. Man hört und wertet also stets mit der Studioqualität als Maßstab.


The Beatles Tribute Nr. 1 - live from Liverpool!

Einlass: 19 Uhr