PRINZESS ROSINE
Große Operette mit Luftballett frei nach Paul Lincke

Besetzung:
STEFANIE DIETRICH (Spiel, Gesang)
MEIK VAN SEVEREN (Spiel, Gesang)
MARKUS ZUGEHÖR / INSA BERNDS alternierend (Klavier)
Idee und Konzept: STEFANIE DIETRICH
Fassung: FABIAN GERHARDT, STEFANIE DIETRICH
Regie: FABIAN GERHARDT
Musikalische Leitung: MARKUS ZUGEHÖR
Kostümbild, Bühne: STEPHAN BOLZ
Kostümbildassistenz: TATJANA HAJDUKOVA
Lichtdesign: LUCAS MÜLLER, LORENZ REIMANN

PREMIERE war am 01.03.2025, 19:30 Uhr, THEATER IM PALAIS BERLIN

Dauer: ca. 120 Min (Teil I: 55 MIn. / Pause: 20 Min. / Teil II: 45 Min.)

In unserer jüngsten Produktion geht es – ganz im Sinne der so genannten „Berliner Operette“ – richtig albern, frivol und herrlich bunt zu.
Paul Linckes großartige Musik, die extravaganten Kostüme und nicht zuletzt zwei fantastische Darstellenden, die sonst auf den großen Operettenbühnen zu Hause sind, sorgen für jede Menge Spaß.
In der Tat werden sämtliche Haupt- und Nebenrollen von der Prinzessin Rosine über die Gäste und Bewohner eines ominösen Schlaraffenlandes bis hin zu den Mitgliedern des königlichen Hofes, aber auch das komplette Orchester und das Corps de Ballet von zwei Personen gespielt und gesungen: Stefanie Dietrich, bekannt als Mizzi Meier und aus unserer Hausproduktion über Kurt Tucholsky und Meik van Severen, der sich auch als Dragqueen einen Namen gemacht hat und den Sie erstmalig auf unserer Bühne erleben dürfen!

Prinzess Rosine, 1905 in Berlin uraufgeführt, ist ein echtes musikalisches Juwel, das wir aus der Vergessenheit holen und erneut auf Hochglanz polieren. So kehrt Paul Linckes Musik dorthin zurück, wo sie hingehört: ins Herz der Hauptstadt.

Freuen Sie sich auf unseren musikalischen Ausstattungsspaß im Taschenformat!

Abendkasse / Theaterbar ab 60 Minuten vor Vorstellungsbeginn

Ist Euch wirklich ganz wohl, Deutschland? Nicolas Sidiropulos und Mark Tumba untersuchen Schillers Erstlingswerk aus einer postmigrantischen Perspektive.

Mit der Uraufführung von „Die Räuber“, in der er die Selbstzerstörung einer Familie thematisiert, sorgte Schiller im Jahr 1782 für Furore. Ein Zeitzeuge berichtete: „Das Theater glich einem Irrenhaus, rollende Augen, geballte Fäuste, heisere Aufschreie im Zuschauerraum. Fremde Menschen fielen einander schluchzend in die Arme.“ Schiller wurde mit Festungshaft bedroht und musste fliehen.

Ein Vierteljahrtausend später erzählen zwei Schauspieler vor dem Hintergrund ihrer eigenen Familienbiografien diese Geschichte über Geborgenheit, Liebe, Egoismus, Freiheit neu – eine Erzählung aus Deutschland, als es Deutschland noch nicht gab. Wieviel Sprengkraft steckt heute in diesem einst explosiven Stoff? Wie hat sich unsere Welt seit dem Entstehungsdatum der Räuber verändert? Was verändert sich, wenn aus dem Nachnamen „von Moor“ zu „von Deutsch-land“ verändert? Ist eine Figur wie Amalia heute noch spielbar und wenn ja, auch von zwei Männern?

"... über weite Strecken witzig, auch berührend, vor allem aber erhellend (...). Man blickt neu auf Schillers Text, der hier (...) radikal glänzt." Georg Kasch - Berliner Morgenpost

„Was einem aber zu Schillers Räubern alles einfallen kann, zeigen Tumba und Sidiropulos mit einer Mischung aus Energie und großer Zartheit, die zum Geist des von ihnen fast völlig überschriebenen Stücks sehr gut passt.“ Stefan Michalzik- Frankfurter Allgemeine Zeitung

„An Selbstironie – wie die ganze Unternehmung nicht unsympathisch – mangelt es nicht.“ – Frankfurter Rundschau

„…sehr versiert: höchst inspiriertes Handwerk.“ - Frankfurter Neue Presse

VON & MIT Nicolas Sidiropulos / Mark Tumba URAUFFÜHRUNG Spielraumprojekt der Studierenden des Studiengang Schauspiel der HMTM Hannover (2019) WEITERENTWICKLUNG Schauspiel Frankfurt (2025)

MARK TUMBA wurde 1995 auf Sansibar geboren und zog 1999 nach Hagen in Westfalen. Nach ersten Auftritten auf der Jungen Bühne des Stadttheaters Hagen und am Theater Rottstraße 5 in Bochum studierte er Schauspiel an der HMTM Hannover. Seit der Spielzeit 2021/22 ist er Ensemblemitglied am Schauspiel Frankfurt, wo er mit Regisseur*innen wie Claudia Bauer, Nuran David Calis, Christina Tscharyiski zusammenarbeitete.

NICOLAS SIDIROPULOS, geboren 1998 in Brüssel und Sohn griechischer Einwanderer, studierte Schauspiel an der HMTM Hannover und am Conservatoire national supérieur d’art dramatique Paris. Er ist als Liedermacher und Regisseur eigener Kurz- und Langfilme aktiv. Von 2021 bis 2023 war er Teil des Ensembles am Theater an der Parkaue. Ihn begleiten enge Zusammenarbeiten mit Ikkimel, Heiner Müller und Friedrich Schiller. Aktuell arbeitet er in Kassel am Theater.

Das Kombiticket gilt nur bei Reservierung der jeweiligen Einzelveranstaltungen unter ticket@t-werk.de oder 0331 73042626. Bitte kontaktieren Sie uns!

Da die Vorstellung um 18:00 Uhr "Loops & Hoops" D. Migač & M. Hermannová & J. Pichler AUSVERKAUFT ist, gilt das Kombiticket entweder für

19:15 Uhr "White Out" Piergorgio Milano
20:30 Uhr "Loops & Hoops" D. Migač & M. Hermannová & J. Pichler

oder für

19:15 Uhr "White Out" Piergorgio Milano
20:45 Uhr "Lab Rats" Cie Moost

Für die Kombination von "White Out" und "Transport: Cargo" kaufen Sie bitte Einzeltickets.

> Das Festivalteam

Furchtlos und zupackend bringt Anna Fierling ihr Geschäft durch wechselvolle Kriegszeiten und wird aus gutem Grund „Mutter Courage“ genannt. Ob inmitten verschiedener Regimenter oder zwischen den Fronten, umgeben von Gewalt, Hunger, drohenden Plünderungen – Mutter Courage will Gewinn machen. So wie es die „Großen“ auch tun mit dem Krieg. Nur dass sich ihr Einkommen auf den Umsatz mit Alkohol, Fleisch oder Leinenhemden stützt (wobei unter ihrem Ladentisch auch schon mal mit Waffen und Munition gehandelt wird). Alles, was dem Geschäft dient, ist ihr recht. Bloß ihre drei erwachsenen Kinder soll der Krieg gefälligst in Ruhe und am Leben lassen. Leider aber ist ihr Eilif zu mutig, der Schweizerkas zu ehrlich, und ihre stumme Kattrin hat ein zu großes Herz. Da sind der Mutter Courage weder ein Feldprediger, der bei ihr untertaucht, noch ein Koch, dem sie ihre Zuneigung schenkt, eine Hilfe: Sie wird auf ganz verschiedene Weise ihre Kinder an den Krieg verlieren.

Mit diesem im April 1941 in Zürich uraufgeführten Stück wollte Brecht zeigen, „daß der Krieg, der eine Fortführung der Geschäfte mit anderen Mitteln ist, die menschlichen Tugenden tödlich macht, auch für ihre Besitzer. Daß er darum bekämpft werden muß.“ Der berühmte Theaterstoff hat angesichts heutiger Kriege nichts an Aktualität eingebüßt. Klug, unterhaltsam und mit scharfem Blick wird das Prinzip des Krieges auf einer menschlichen Ebene durchleuchtet.

Regie: Bettina Jahnke
Musikalische Leitung: Martin Klingeberg
Bühne & Kostüme: Dorit Lievenbrück

/ anschl. Premierenfeier

Komödie von Yasmina Reza
aus dem Französischen von Eugen Helmlé

Serge hat sich ein monochromes Ölgemälde gekauft, weiß mit weißen Streifen. Und teuer, richtig teuer. An diesem Bild entzündet sich der Streit zwischen drei Freunden. Serge ist begeistert von dem Gemälde, sein Freund Marc findet es einfach „Scheiße“, Yvan will keine Stellung beziehen, um es sich mit seinen Freunden nicht zu verderben.
Zwischen den Männern tun sich tiefe Gräben auf und die langjährige, enge Beziehung steht auf einmal zur Disposition.

Das Bild dient als Katalysator, mit dessen Hilfe die Autorin auf sehr subtile und psychologisch fein gezeichnete Weise wortgewandt und komisch eine Situation analysiert, die drei Männer, ihre Gefühle, ihre Befindlichkeit, ihre Freundschaft und ihr bisheriges Dasein auf den Prüfstand und infrage stellt.

In einer Inszenierung von Carl-Hermann Risse bringt das Theater Poetenpack die Erfolgskomödie der wohl meistgespielten zeitgenössischen Theaterautorin auf die Bühne.

Der Einlass beginnt 30 Minuten vor Vorstellungsbeginn.

Das weltweit erste Museum der KÖRPERWELTEN zeigt einzigartige Plastinate, die dem Besucher leicht verständlich detailliertes Wissen über einzelne Organfunktionen sowie häufige Erkrankungen vermitteln.
Es gewährt Einblicke in die höchst komplexen Strukturen des Körperinneren und veranschaulicht, was uns verbindet, uns aufrecht und in Bewegung hält, und was uns lachen und lieben lässt.
Wir laden Sie ein zu einer einzigartigen Begegnung mit dem Leben und einer Auseinandersetzung mit Ihrem Körper.
Die in der Ausstellung gezeigten Plastinate stammen aus dem Körperspende-Programm des Instituts für Plastination in Heidelberg, in dem mittlerweile mehr als 22.000 Spender registriert sind.

Letzter Einlass: 18:00 Uhr

Einlass ab 12:00

Es ist eine Geschichte wie im Blockbuster: Der strahlende Held Siegfried hat für König Gunther die mächtige Königin Brunhild unterworfen, um dessen Herrschaft zu sichern. Als die Sache droht ans Licht zu kommen, wird er heimtückisch ermordet. Seine Frau, Gunthers Schwester, löscht daraufhin in einem Vergeltungsschlag die gesamte Familie aus. Auf Blut fließt Blut und was einmal Recht ist, muss solches bleiben, selbst wenn es die ganze Welt kostet. Im eigentlichen Zentrum aber stehen zwei Frauen, deren Schicksal untrennbar miteinander verwoben ist: Kriemhild, die Siegfried liebt, und Brunhild, die von diesem im Kampf und im Bett bezwungen wird. Beider Geschichte zeugt von Gewalt und Unterwerfung – und von einem tiefen Schweigen darüber, das in den Zeiten und Generationen widerhallt.
Mit seiner Dramatisierung des Nibelungenlieds gelang Hebbel eine psychologische Annäherung an die mythischen Figuren, die den Boden bereitete für deren spätere nationalistische Aufladung. Regisseurin Alice Buddeberg nutzt den Text als Material für eine theatrale Suchbewegung, die nach dem Unerzählten forscht: Warum beschwören wir immer wieder diesen Mythos? Was erzählt er uns über Schuld und Schweigen? Sie nimmt die Perspektive der Frauenfiguren in den Blick – und mit ihnen das Kontinuum der männlichen Gewalt, das von der faschistischen Rezeption als „deutsches Nationalepos“ bis ins Heute reicht.

Regie: Alice Buddeberg
Bühne: Cora Saller
Kostüme: Philipp Basener
Musik: Mirjam Beierle

Was ist Fakt und was ist Fake? Laut "Bild" wurde jetzt eine KI
im Fitnessstudio gesehen, sie trainierte ihre Algorithmen.
Was versteht man unter "Gelegenheitsverkehr"? Hat es mit Sex
zu tun, oder mit Taxis und Mietwagen? Fragen über Fragen
denen sich BELLA LIERE und ANDREAS ZIEGER in ihrem neuen
Programm des Potsdamer Kabaretts stellen. Und sie kommen
zu folgender Erkenntnis: Würden Fakes, Halbwahrheiten und
Politikerlügen leuchten, wäre die Erde heller als die Sonne.
Positiv gesehen, wäre damit das Energieproblem gelöst!
Kommen Sie und denken Sie mit, in der Zweier WG von
Liere und Zieger ist auch noch ein Platz für Sie frei!

Musikperformance

Ein leeres Bühnenquadrat mit integriertem Kreidekreis. Allmählich entfaltet sich darin eine konzertante Tanzperformance mit vier AkteurInnen – ein kathartisches Ritual, ein wildes Oszillieren zwischen Elektrogitarre, Schlagwerk, der stimmlichen Kraft einer Sopranistin und den tranceartigen Bewegungen eines Tänzers. Mal perkussiv, mal repetitiv, immer mitreißend, leicht und energetisch – die vielschichtigen Klanglandschaften von „Spring Is Possible“ sind gleichermaßen inspiriert von Anna Meredith, David Byrne und Igor Strawinsky. Oper, Techno und Pop – elektrisierende, pulsierende Klänge verschmelzen zu einem Ganzen.

Die Kompanie bodybody um Dag Taeldeman und Andrew Van Ostade steht für eine energetische Symbiose aus Konzert, Tanz und physischem Theater. Das Duo, das bereits Musik für diverse Theaterinszenierungen und Filme kreiert hat, erschafft in seinen Produktionen interdisziplinäre Klanglandschaften, die von Technobeats bis hin zu opernhaften Arien reichen. In enger Zusammenarbeit mit dem Choreografen Matteo Sedda und der Sopranistin Lies Vandewege entwickelt das Kollektiv rituelle Performances mit kathartischer Wirkung. In ihren international anerkannten Arbeiten verwandeln sie die Bühne in einen Raum für außergewöhnliche performative Konzerte.


Foto: Robin Stevens

„Es war die Nachtigall“
Musical / Komödie nach dem Stück „Es war die Lerche“
von Ephraim Kishon
„Love is in the air“ – doch was, wenn die große Liebe nicht im tragischen Tod endet, sondern im Ehealltag überleben muss? Shakespeares Romeo und Julia – die berühmteste Liebesgeschichte aller Zeiten. Ein Paar, unsterblich verliebt, für immer vereint. Doch Ephraim Kishon wagt ein Gedankenexperiment: Was, wenn Julia rechtzeitig erwacht wäre und die beiden nun – 30 Jahre später – in Verona festsitzen? Romeo ist ein gescheiterter Ballettlehrer und Julia macht in ihrer Rolle als Hausfrau keine bessere Figur. Beide scheitern an der Banalität des Alltags. Ihre gemeinsame Tochter Lucretia lebt ihre Pubertät aus, die Amme hat ganz eigene Liebesgelüste und Pater Lorenzo, mittlerweile stolze 98 Jahre alt, bringt auch keinen neuen Schwung in die ganze Sache. Als plötzlich William Shakespeare höchstpersönlich erscheint, um seine Tragödie wieder in Ordnung zu bringen, eskaliert die Situation endgültig.
Musik von Dov Seltzer | Liedtexte von Yvette Kolb; Regie: Jörg Steinberg; Ausstattung: Stephanie Dorn

Einlass ab 18:30 Uhr

Zirzensische Performance

Zwei Menschen mit dem Zwang zur Koexistenz – eingesperrt wie Laborratten in einem gläsernen Terrarium. Zwischen den beiden entsteht eine Beziehung im ständigen Wandel, voller Brüchigkeit, zwischen Anpassung und Wohlwollen. Nichts ist festgelegt, alles scheint möglich. Um diesen Glaskäfig herum gruppiert, sieht das Publikum, wie manche Dinge dabei gut, andere eher schlecht geraten; Gesten, die helfen, einander zu verstehen, können auch verräterisch sein. Durch den eingeschränkten Spielraum, durch das Prisma des Risikos und die Grenzen des Körpers schafft dieses intim-humorvolle Stück Tableaus, die mit den Codes der theatralischen Darstellung spielen und dabei Tanz, Theater und Akrobatik vermischen.

Die preisgekrönte Cie Moost wurde 2017 auf Initiative des zweifachen Bachelorabsolventen Marc Oosterhoff gegründet. Die Arbeiten der Kompanie bewegen sich auf einzigartige Weise an der Schnittstelle von zeitgenössischem Tanz, Zirkus und Theater. Oosterhoff gilt als Shootingstar der Schweizer Zirkusszene und wurde unter anderem mit dem June Johnson Newcomer Prize ausgezeichnet. Im Duo mit dem US-amerikanischen Zirkusartisten Owen Winship, der seine Ausbildung an der renommierten National Circus School of Quebec abschloss, entstand eine humorvolle Inszenierung über komplexe Beziehungsdynamiken.


Foto: Agathe Catel

Feuerwehrmann Sam begeistert Kinder und Familien mit spannenden Rettungseinsätzen, Teamgeist und wichtigen Werten wie Hilfsbereitschaft und Mut. Gemeinsam mit Cheyenne Ochsenknecht, der Brand Ambassador und Synchronstimme von Annie aus der Feuerwehrmann Sam Serie, erwartet euch eine besondere Lesung mit anschließender Foto- und Autogrammzeit.

Lesung mit Foto- und Autogrammzeit – mit Anmeldung (11:00 -12:00 Uhr / Einlass 10.45 Uhr)

Sichert euch jetzt euer kostenloses Ticket für die Lesung – die Plätze sind begrenzt. Eine Registrierung ist pro Kind erforderlich. Alle Eltern und Begleitpersonen finden Platz hinter dem Kindersitzbereich und brauchen kein Ticket.

Rahmenprogramm – ohne Ticket (10:00 – 16:00 Uhr)
Auch ohne Ticket gibt es jede Menge zu erleben: Nimm an der Feuerwehrmann Sam-Leserallye teil und gewinne tolle Preise oder probiere die Maltische, den Motorikwürfel und die Spielecke aus.
Außerdem kannst du Feuerwehrmann Sam persönlich treffen.
Zu folgenden Zeiten freut Sam sich auf dich: 12:30-13.00 Uhr / 13:30-14.00 Uhr / 14:30 -15.00 Uhr / 15:30-16:00 Uhr.

Tanzperformance zu „Music for 18 Musicians“ von Steve Reich

Eine raumfüllende, weiße Treppenkonstruktion – riesige Zahlenprojektionen als chronografisches Zählwerk – Dopplungen, Verschiebungen, Überlagerungen: Zu den Bewegungen von elf TänzerInnen und zur Musik von Steve Reich entstehen auf den Treppenstufen Muster und Formen. Eine theatrale Meditation, als ob sich wie im Zeitraffer die Uhrwerkartigkeit des Lebens offenbart. „META“ ist eine Tanzinstallation, die sich keinem bestehenden Konzept zuordnen lässt. An der Schnittstelle von bildender und darstellender Kunst angesiedelt, hinterfragt die Performance metaphysische Vorstellungen – Vorstellungen von Zeit, von Moment und Ewigkeit, von Gegenwart und Zukunft, von Leben und Tod.

Die französische ORIANTHEATRE Dance Company, 2011 von dem französisch-iranischen Choreografen Mehdi Farajpour gegründet, verbindet Tanz, Theater und Performance. Das Wort „ORIAN“ verweist in der persischen Sprache auf den Begriff der Nacktheit und bezieht sich beim ORIANTHEATRE auf Ehrlichkeit als zentrales Leitmotiv im künstlerischen Schaffensprozess. Getreu diesem Grundsatz wird in seinen Produktionen auf theatralische Effekte verzichtet und dadurch nähern sie sich dem Konzept der Performancekunst an. Als internationales Netzwerk von KünstlerInnen unterschiedlicher kreativer Hintergründe konzipiert, ist die Kompanie regelmäßig auf Tournee in Asien, Lateinamerika und Europa.


Foto: Marko Hajdarovic

Burkhardt liebt Chantal, Chantal liebt Ralf, Ralf vergnügt sich mit Chantals Vermögen auf Kuba. Ein Fall für Rudi Rechenberger, den Beziehungscoach. Als ausgefuchster Psychologe hat er schon viele Beziehungsprobleme gelöst und löst täglich mehr. Doch schon bald stellt sich die Frage: Sind Burkhardt und Chantal noch zu retten?

Es spielen: Rainer Eckhardt, Sina Haarmann, Thomas Matuszewski

HEAVEN 17 bringen im November 2026 mit einer neuen Tour ihren legendären Synth-Pop-Sound wieder live nach Deutschland!

Was als experimentelles Projekt begann, entwickelte sich zu einer festen Größe der britischen Musikszene: HEAVEN 17 stehen seit über vier Jahrzehnten für intelligenten Elektro-Pop, gesellschaftskritische Texte und tanzbare Grooves.

Gegründet wurde die Band Anfang der 1980er von Martyn Ware, einem der Gründungsmitglieder von The Human League, der später auch als Produzent für Weltstars wie Tina Turner tätig war. Gemeinsam mit seinen Bandkollegen von HEAVEN 17 erschuf er einen unverwechselbaren Sound, der stark von elektronischen Pionieren wie Kraftwerk inspiriert war und den Zeitgeist einer ganzen Generation einfing.

Bereits das erste Album Penthouse and Pavement schlug ein: Es erreichte in kurzer Zeit Goldstatus in Großbritannien und gilt heute als stilprägender Klassiker. Tracks wie „Let’s All Make A Bomb“ und „Song With No Name“ zeigen, wie progressiv und klanglich mutig HEAVEN 17 damals wie heute agieren.

Durch das Nachfolgewerk The Luxury Gap festigte die Band ihren internationalen Erfolg. 
Mit „Temptation“ landeten HEAVEN 17 einen der größten Synth-Pop-Hits der 80er. Der Song, der bis heute in keiner ihrer Shows fehlen darf, ist laut Martyn Ware „in jedem Kontext ein absoluter Publikumsmagnet“.

2026 gehen HEAVEN 17 erneut auf Tour und das mit einem Best-of-Programm, das Fans und Neueinsteiger gleichermaßen begeistert. Die „ELECTRONICALLY YOURS“ Tour 2026 bringt den unverwechselbaren Sound der 80er zurück, angereichert mit der Live-Energie und Erfahrung einer Band, die Musikgeschichte geschrieben hat.

Vier Jahrzehnte elektrisierender Pop – live und direkt auf die Bühne gebracht