Die Temperaturen liegen gefühlt im zweistelligen Plusbereich, ältere Damen schlürfen im T-Shirt ihr Eis und Schnee scheint ein weit in der Zukunft liegendes Ereignis zu sein – es ist schon wieder November im sich stets erwärmenden Klima und damit Zeit, auf das vergangene Jahr zurückzublicken. Mit wem könnte das mehr Spaß machen als mit dem Urvogel des satirischen Jahresrückblicks, Urban Priol?

Lustvoll seziert er die gesellschaftspolitischen Ereignisse des vergangenen Jahres, stellt wahnwitzige Verknüpfungen her und deckt verblüffende Hintergründe auf. Da werden die Winkelzüge der Mächtigen und Reichen entlarvt und so manch doppelzüngige Scheinheiligkeit aufgedeckt. Gleichgültig ob er über die Innen- oder Außenpolitik sinniert, mit seinem Fußballclub fiebert oder sich kopfschüttelnd über die Auswüchse des Kapitalismus wundert – kaum ein relevantes Thema des vergangenen Jahres bleibt unberührt. Unterstrichen werden die rasanten sprachgewaltigen Ausführungen durch sein ausgeprägtes schauspielerisches und parodistisches Können, denn seit seiner Studienzeit frönt Urban Priol der Lust am Theaterspiel (der sorgfältig eingerichtete Ordner mit dem Arbeitstitel „Magisterarbeit“ hingegen blieb bis auf ein Register zeitlebens leer). Die Ansprüche ans Publikum sind bei diesem Programm nicht gering: auch wenn er sich den einen oder anderen Kalauer erlaubt („Ich spiele nicht fürs Föjetong!“), schadet es nicht, politisch auf dem Laufenden zu sein, um sich die oftmals subtilen Anspielungen des Spötters nicht entgehen zu lassen.

Aber auch der Kabarettist selbst steht vor einer gewaltigen Aufgabe, sieht sich der agile Wirbelwind doch in einem steten Wettlauf mit der Zeit, die ihm, der vor grandiosen Einfällen und Pointen fast übersprudelt und auch zu aktuellen Themen stets etwas zu sagen hat, mit einem einzigen Abend doch arg eng bemessen vorkommt. Ein Jahr in einem Abend, ja, zefix!

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Spielen, lachen, laut sein, toben, nichts tun – und das in einem Ausstellungshaus! Ab dem 4. September 2024 lädt BAUBAU genau dazu ein. In dem von der Künstlerin Kerstin Brätsch gestalteten Spielort für Kinder ist mehr erlaubt als verboten. Bunte Wandtapeten, Strukturen, Objekte und eine Reihe von „Loose Parts“ (losen Materialien) formen im Erdgeschoss des Gropius Bau Räume, die keine festen Vorgaben machen, sondern durch die Aktivitäten der Kinder bestimmt werden. Sie geben die Richtung und die Form vor für das, was hier passiert. So wird dieser Ort zum Möglichkeitsraum, der sich Tag für Tag verändern kann.

BAUBAU startet im September 2024 in einer Prototypversion und wird sich über die kommenden Jahre hinweg innerhalb wie außerhalb des Gropius Bau weiterentwickeln und wachsen – in engem Austausch mit den Kindern und ihren Wünschen, denn dies ist ihr Ort.

 Das Spiel
Alle Kinder haben den Drang zu spielen. So lernen sie, sich und die Welt zu begreifen. Gerade das offene, selbstbestimmte Spiel ist für die emotionale und soziale Entwicklung von großer Bedeutung. Das pädagogische Konzept für BAUBAU basiert deshalb auf den Grundlagen des freien Spiels: Hier gibt es die Zeit, den Raum und die Erlaubnis für Kinder, ihren eigenen Bedürfnissen und Interessen zu folgen. Begleitet werden sie dabei von Playworker*innen – geschulten Mitarbeiter*innen, die eine sichere und unterstützende Umgebung schaffen, in der Kinder frei spielen können.

 
Die Kunst
BAUBAU stellt spielerisch infrage, was ein Museum oder eine Kunstinstitution sein soll. Die umfassende Raumgestaltung, die Kerstin Brätsch entwickelt hat, ist voller Bezüge und Anregungen: Elemente aus ihren früheren Werken, wie Marmorierungen, Malereien oder Stuckmarmorarbeiten, tauchen hier in veränderter Gestalt und Materialität wieder auf. Die Tapeten, Vorhänge, Stoffe, Sitzmöbel und Klettergerüste sind bewohnt von Dinosauriern, fantastischen Wesen, Termitenhügeln und abstrakten Elementen. Mit ihren komischen, lustigen, vielleicht auch etwas unheimlichen Formen schaffen sie einen offenen Rahmen für das freie Spiel.

Kerstin Brätschs Praxis ist darauf ausgelegt, Einflüsse von außen zuzulassen und aufzunehmen. Hat sie bisher mit Künstler*innen oder Kunsthandwerker*innen zusammengearbeitet, so tut sie dies nun auf ganz andere Weise mit Kindern: Sie lädt die Kinder dazu ein, den Raum nach ihren eigenen Ideen und Vorstellungen und ohne das Einwirken der Künstlerin auf unvorhersehbare Weise umzugestalten und weiterzuentwickeln.

Mo, Mi, Do, Fr 12:00–18:00 Sa, So 11:00–18:00 Di geschlossen

FLEETWOOD MAC
„The Incredible Story”
performed by The Cosmic Carnival

Fleetwood Mac hat als Band Musikgeschichte geschrieben und ist in einem Atemzug zu nennen wie die Beatles, Rolling Stones oder Queen. Gegründet wurde Fleetwood Mac 1967 vom Gitarristen Peter Green und dem Schlagzeuger und Namensgeber Mick Fleetwood als britische Blues Rock Band. Die klassische Besetzung um Mick Fleetwood, Peter Green, Jeremy Spencer und John McVie verkaufte bereits 1969 mehr Tonträger als die Beatles oder die Rolling Stones. Bluesorientierte Rock-Nummern wie „Black Magic Women“ oder „Oh Well“ wurden zu weltweiten Hits.

1970 geriet Fleetwood Mac in eine Krise. Leadgitarrist Peter Green hatte große Problem den Erfolgsdruck der Band zu verarbeiten und verfiel zunehmend der Drogensucht – er verließ die Band überraschend. Auch der zweiten Gitarrist Jeremy Spencer hatte mit ähnlichen Problemen zu kämpfen und verließ die Band auf einer laufenden USA Tournee.

Wegen dieser massiven musikalischen Einbrüche vollzog Fleetwood Mac Anfang der 70er Jahre einen stilistischen, musikalischen Richtungswechsel durch die Hinzunahme zweier neuer Bandmitglieder Christine McVie an den Keyboards und Bob Welch als neuen Leadgitarristen. Die Ära von Fleetwood Mac als Pop-Rock Band hatte begonnen. Kaum eine andere Band hat jemals einen so radikalen musikalischen Stilwechsel vollzogen, ohne an Popularität zu verlieren. Ein absolutes Novum in der Musikgeschichte.

1974 verließ Bob Welch die Band und Mick Fleetwood gelang es zwei neue Bandmitglieder zu finden, die er zufällig im gleichen Aufnahmestudio kennen gelernt hatte. Als neuer Gitarrist und Sänger kam Lindsey Buckingham in die Band und als weitere Sängerin Stevie Nicks , ein weiteres Paar in der Band - neben Christine und John McVie - und ein musikalischer Glücksgriff.

1975 erschien das erste Album dieser Fleetwood Mac-Formation mit dem schlichten Titel „Fleetwood Mac“. Dieses Album enthielt mehrere Hit Singles wie „Rhiannon“, „Over my Head“ und „World Turning”. Selten hat man in der Musikgeschichte eine solche musikalische Symbiose zwischen einzelnen Bandmitglieder erlebt.

Das Nachfolgealbum „Rumours“ (1977), gilt heute als das meist verkaufte Album in der Rock-Pop Geschichte und wird als eines der besten Pop Alben der Welt bewertet - allein in den USA wurde es mehr als 19 Mio. Mal verkauft, insgesamt geht man von über 80 Millionen Verkäufen des Albums aus . Ein Album, das eigentlich nur aus Hitsingles besteht - dabei gilt es als das „Krisen-Album“ der Band, da es während der Aufnahmen zum Bruch zwischen John McVie und seiner Frau Christine kam und auch Sängerin Stevie Nicks trennte sich von ihrem Partner Gitarrist Lindsey Buckingham. Die Texte und die Musik des Albums sind ein Ausdruck dieser inneren Zerrissenheit in der Band, die ihre Konflikte und Feindseligkeiten offen austrugen. Es folgten trotz der Spannungen weitere Alben wie „Tusk“ (1979), das kommerziell weniger erfolgreich war aber gerade unter den Kritiken als eines der besten Alben von Fleetwood Mac gilt, sowie „Mirage“ (1982) oder „Tango in the Night“ (1987), beides Alben die bedingungslos an den weltweiten Erfolg von „Rumours“ anknüpfen.

Das Geheiminis der Band bestand in den drei kreativen Songwritern Christine McVie, Stevie Nicks und Lindsey Buckingham – die sich gerade durch das kritische private Konflikt-Feld in der Band anfeuerten. Die wachsende Beziehungskrisen spiegelnden sich immer wieder in den energiegeladen Album-Produktionen nieder. Zusätzlich galt Fleetwood Mac als eine der besten Live-Bands weltweit. Die Songs wurden nicht eins zu eins live übertragen, sondern immer wieder neu variiert, dazu spielt die charismatische Ausstrahlung der einzelnen Bandmitglieder auf der Livebühne eine entschiedene Rolle. Pop Songs, die geprägt wurden durch einen Ausnahmeschlagzeuger Mick Fleetwood, einen stilbrechenden Gitarristen Lindsey Buckingham und die Ausnahmestimmen von Steve Nicks und Christine McVie.

Die niederländische Band THE COSMIC CARNEVAL nimmt den Zuhörer mit auf die Reise durch das Universum dieser legendären Band Fleetwood Mac. Von den späten 60iger Jahren, beeinflusst durch Gitarrist Peter Green mit seinem fantastischen Blues Stil, bis zur Pop-Rock Legende Fleetwood Mac mit dem Einfluss von Lindsey Buckingham, Stevie Nicks und Christine McVie als eine der erfolgreichsten Bands in der Geschichte der Rock-Pop Musik.

Alle großen Hits, wie „Don’t Stop“, „Big Love“, „Dreams“, „Go Your Own Way“ und „Little Lies“ kann man während dieser beeindruckenden Show hautnah miterleben. Mit großer Leidenschaft und starkem Einfühlungsvermögen, aufgeführt von einem der besten Live-Acts der Niederlande. THE COSMIC CARNEVAL gelingt es gerade diese spannungs- und energiegeladene Liveperformance von Fleetwood Mac umzusetzen und wieder zu geben, die gerade die Live-Konzerte von Fleetwood Mac auszeichneten.

Nach zahlreichen ausverkauften Konzerten in den Niederlanden kommt diese beeindruckende Fleetwood Mac-Produktion nun erstmals nach Deutschland.

Einlass 19:00 Uhr

Gestatten: Cap San Diego

Unser Schiff wurde 1962 nach rund elfmonatiger Bauzeit in Dienst gestellt. Es war das letzte von insgesamt sechs baugleichen Stückgutfrachtern, die im Linienverkehr zwischen Europa und Südamerika verkehrten. Gefahren wurden südgehend u. a. Maschinen, Technik- und Chemieprodukte. Aus Südamerika kamen meist Rohkaffee, Kakao, Rindfleisch und Obst in Kühlräumen sowie Speiseöle in beheizbaren Tanks. Bananen hat die „Cap San Diego” übrigens nie transportiert.

Der Auftraggeber des Frachters war die Reederei Hamburg Süd, die damals zum Dr.-Oetker-Konzern gehörte. Alle Schiffe dieser Baureihe, »Klasse« genannt, waren nach einem geografischen »Kap San …« (oder »Capo San …«) benannt – unser Schiff nach der Westspitze Feuerlands, dem Kap San Diego.

Die „Cap San Diego” wurde auf der Deutschen Werft in Hamburg-Finkenwerder gebaut (wo heute das Airbus-Werk seinen Sitz hat). Sie und ihre CAP-SAN-Schwesterschiffe waren damals hochmodern: Vor Einführung der Container wurden Güter in Kisten, Säcken oder Fässern lose geladen. Dafür verfügt das Schiff u. a. über große Laderäume und über Masten mit Ladebäumen und zwei Wippkränen. Alle technischen Einrichtungen konnten komfortabel bedient werden. Die CAP-SAN-Schiffe waren nicht zuletzt deshalb bei den Mannschaften und auch den Hafenarbeitern als Arbeitsplatz begehrt.

Der Frachter konnte bis zu 10 000 Tonnen Ladung fahren – eine Menge, die im Stückgutbetrieb in rund sieben Tagen geladen wurde. Dieselbe Menge wird heute in Containern in maximal acht Stunden bewegt. Darum verwundert es kaum, dass die „Cap San Diego” schon wenige Jahre nach ihrer Indienststellung durch die beginnende Containerschifffahrt unrentabel wurde. Nach dem Verkauf des Schiffes Anfang der 1980er-Jahre drohte ihm 1986 sogar die Verschrottung in Asien. Buchstäblich im letzten Moment wurde die „Cap San Diego” durch das Engagement der Stadt Hamburg gerettet und liegt heute als waschechte »Hamburgerin« an der Überseebrücke vor der Elbphilharmonie.

Mehrmals im Jahr geht das Schiff auf Fahrt. Komm mit an Bord und erlebe, wenn die „Cap San Diego” zum Leben erwacht. Alle Bereiche des Schiffes stehen dir offen, von der Brücke bis zum Maschinenraum. Die Besatzung zeigt und erklärt dir gern alle Funktionen des größten fahrtüchtigen Museums-Frachters der Welt.

Nur bis 16 Uhr geöffnet

Spielen, lachen, laut sein, toben, nichts tun – und das in einem Ausstellungshaus! Ab dem 4. September 2024 lädt BAUBAU genau dazu ein. In dem von der Künstlerin Kerstin Brätsch gestalteten Spielort für Kinder ist mehr erlaubt als verboten. Bunte Wandtapeten, Strukturen, Objekte und eine Reihe von „Loose Parts“ (losen Materialien) formen im Erdgeschoss des Gropius Bau Räume, die keine festen Vorgaben machen, sondern durch die Aktivitäten der Kinder bestimmt werden. Sie geben die Richtung und die Form vor für das, was hier passiert. So wird dieser Ort zum Möglichkeitsraum, der sich Tag für Tag verändern kann.

BAUBAU startet im September 2024 in einer Prototypversion und wird sich über die kommenden Jahre hinweg innerhalb wie außerhalb des Gropius Bau weiterentwickeln und wachsen – in engem Austausch mit den Kindern und ihren Wünschen, denn dies ist ihr Ort.

 Das Spiel
Alle Kinder haben den Drang zu spielen. So lernen sie, sich und die Welt zu begreifen. Gerade das offene, selbstbestimmte Spiel ist für die emotionale und soziale Entwicklung von großer Bedeutung. Das pädagogische Konzept für BAUBAU basiert deshalb auf den Grundlagen des freien Spiels: Hier gibt es die Zeit, den Raum und die Erlaubnis für Kinder, ihren eigenen Bedürfnissen und Interessen zu folgen. Begleitet werden sie dabei von Playworker*innen – geschulten Mitarbeiter*innen, die eine sichere und unterstützende Umgebung schaffen, in der Kinder frei spielen können.

 
Die Kunst
BAUBAU stellt spielerisch infrage, was ein Museum oder eine Kunstinstitution sein soll. Die umfassende Raumgestaltung, die Kerstin Brätsch entwickelt hat, ist voller Bezüge und Anregungen: Elemente aus ihren früheren Werken, wie Marmorierungen, Malereien oder Stuckmarmorarbeiten, tauchen hier in veränderter Gestalt und Materialität wieder auf. Die Tapeten, Vorhänge, Stoffe, Sitzmöbel und Klettergerüste sind bewohnt von Dinosauriern, fantastischen Wesen, Termitenhügeln und abstrakten Elementen. Mit ihren komischen, lustigen, vielleicht auch etwas unheimlichen Formen schaffen sie einen offenen Rahmen für das freie Spiel.

Kerstin Brätschs Praxis ist darauf ausgelegt, Einflüsse von außen zuzulassen und aufzunehmen. Hat sie bisher mit Künstler*innen oder Kunsthandwerker*innen zusammengearbeitet, so tut sie dies nun auf ganz andere Weise mit Kindern: Sie lädt die Kinder dazu ein, den Raum nach ihren eigenen Ideen und Vorstellungen und ohne das Einwirken der Künstlerin auf unvorhersehbare Weise umzugestalten und weiterzuentwickeln.

Mo, Mi, Do, Fr 12:00–18:00 Sa, So 11:00–18:00 Di geschlossen

Die symphonische Welt von Hans Zimmer mit Musik aus James Bond, Der König der Löwen, Fluch der Karibik, Gladiator, The Dark Knight, Inception, Interstellar, Top Gun, Dune und mehr!

Berlin / Los Angeles – „The Music of Hans Zimmer & Others“ ist ein unvergessliches Konzert- und audiovisuelles Erlebnis für alle Altersgruppen, Filmbegeisterte, Musikliebhaber und Familien. Die Musik wird vom Hollywood Film Orchestra in einer beeindruckenden Show mit Lichtinstallationen, Laserprojektionen und ausgewählten Filmausschnitten dargeboten. Star-Solisten aus der Original-Broadway-Produktion werden Ausschnitte aus „Der König der Löwen“, Zimmers beliebtestem Kassenschlager, darbieten.

Kein anderer Komponist hat die Filmwelt in den letzten zwei Jahrzehnten so sehr beeinflusst wie der Oscar-, Globe- und Emmy-Preisträger Hans Zimmer mit seinen atemberaubenden Kompositionen für Filme wie „James Bond“, „The Lion King“, „Pirates of the Caribbean“, „Gladiator“, „The Dark Knight“, „Man of Steel“, „Inception“ und „Interstellar“.

Der gefeierte deutsche Komponist Hans Zimmer, der die Filmmusik zu mehr als 200 Filmen geschrieben hat, gewann seinen zweiten Oscar für „Dune“ (2022), nachdem er seinen ersten Academy Award für „Der König der Löwen“ (1994) erhalten hatte.

Hans Zimmer bezeichnete Ennio Morricone als sein Idol und Vorbild, aus dessen Repertoire Ausschnitte aus „Zwei glorreiche Halunken“ und „Spiel mir das Lied vom Tod“ zu hören sein werden. Zimmer folgte Morricones Beispiel, die Filmmusik vor – statt nach – den Dreharbeiten zu komponieren und prägte das gesamte Werk. So veränderte er beispielsweise den Anfang von Ridley Scotts „Gladiator“, woraufhin der weltberühmte Regisseur in das Studio von Hans Zimmer zog.

Einlass ab 1 Stunde vor Beginn

Spielen, lachen, laut sein, toben, nichts tun – und das in einem Ausstellungshaus! Ab dem 4. September 2024 lädt BAUBAU genau dazu ein. In dem von der Künstlerin Kerstin Brätsch gestalteten Spielort für Kinder ist mehr erlaubt als verboten. Bunte Wandtapeten, Strukturen, Objekte und eine Reihe von „Loose Parts“ (losen Materialien) formen im Erdgeschoss des Gropius Bau Räume, die keine festen Vorgaben machen, sondern durch die Aktivitäten der Kinder bestimmt werden. Sie geben die Richtung und die Form vor für das, was hier passiert. So wird dieser Ort zum Möglichkeitsraum, der sich Tag für Tag verändern kann.

BAUBAU startet im September 2024 in einer Prototypversion und wird sich über die kommenden Jahre hinweg innerhalb wie außerhalb des Gropius Bau weiterentwickeln und wachsen – in engem Austausch mit den Kindern und ihren Wünschen, denn dies ist ihr Ort.

 Das Spiel
Alle Kinder haben den Drang zu spielen. So lernen sie, sich und die Welt zu begreifen. Gerade das offene, selbstbestimmte Spiel ist für die emotionale und soziale Entwicklung von großer Bedeutung. Das pädagogische Konzept für BAUBAU basiert deshalb auf den Grundlagen des freien Spiels: Hier gibt es die Zeit, den Raum und die Erlaubnis für Kinder, ihren eigenen Bedürfnissen und Interessen zu folgen. Begleitet werden sie dabei von Playworker*innen – geschulten Mitarbeiter*innen, die eine sichere und unterstützende Umgebung schaffen, in der Kinder frei spielen können.

 
Die Kunst
BAUBAU stellt spielerisch infrage, was ein Museum oder eine Kunstinstitution sein soll. Die umfassende Raumgestaltung, die Kerstin Brätsch entwickelt hat, ist voller Bezüge und Anregungen: Elemente aus ihren früheren Werken, wie Marmorierungen, Malereien oder Stuckmarmorarbeiten, tauchen hier in veränderter Gestalt und Materialität wieder auf. Die Tapeten, Vorhänge, Stoffe, Sitzmöbel und Klettergerüste sind bewohnt von Dinosauriern, fantastischen Wesen, Termitenhügeln und abstrakten Elementen. Mit ihren komischen, lustigen, vielleicht auch etwas unheimlichen Formen schaffen sie einen offenen Rahmen für das freie Spiel.

Kerstin Brätschs Praxis ist darauf ausgelegt, Einflüsse von außen zuzulassen und aufzunehmen. Hat sie bisher mit Künstler*innen oder Kunsthandwerker*innen zusammengearbeitet, so tut sie dies nun auf ganz andere Weise mit Kindern: Sie lädt die Kinder dazu ein, den Raum nach ihren eigenen Ideen und Vorstellungen und ohne das Einwirken der Künstlerin auf unvorhersehbare Weise umzugestalten und weiterzuentwickeln.

Mo, Mi, Do, Fr 12:00–18:00 Sa, So 11:00–18:00 Di geschlossen

Lucas Pino (ts) Florian Hoefner (p) Adrian Vedady (b) Ivanna Cuesta (dr)

Jazzpianist und Komponist Florian Hoefner schöpft aus einer Vielzahl von Einflüssen. Aufgewachsen in Deutschland, ausgebildet in New York City und nun wohnhaft in Neufundland (Kanada), hat der gebürtige Nürnberger seinen eigenen Stil entwickelt – geprägt von musikalischer Vielfalt, künstlerischem Risiko und Einfallsreichtum. Der Gewinner des kanadischen Musikpreises JUNO ist in Besetzungen vom Soloprojekt bis zum Kammerorchester aktiv und hat sich als erfindungsreicher und wandlungsfähiger Künstler fest im zeitgenössischen Jazz etabliert. Die New York Times lobte ihn als „Komponist und Bandleader von einfühlsamer Entschlossenheit“, und der Downbeat bezeichnete ihn als „harmonisch waghalsigen Pianisten, der neue Klangwelten erschließt“.
Mit der Florian Hoefner Group, die seine internationale Karriere in den frühen 2010er Jahren begründete, veröffentlichte Hoefner drei Alben beim in Seattle ansässigen Label Origin Records, die weltweit hervorragende Kritiken erhielten. Das jüngste Album Luminosity mit dem Tenorsaxophonisten Seamus Blake wurde von der Süddeutschen Zeitung als „packend, spannend und herzerwärmend“ beschrieben.
Das Quartett blickt auf über 100 Konzerte in Nordamerika, Europa und Australien zurück, darunter ein gefeierter Auftritt beim Melbourne Jazz Festival 2019. Nach einigen Jahren, in denen sich Hoefner auf sein preisgekröntes Trio konzentriert hat, knüpft die Band nun mit einer neuen Besetzung an ihre Erfolgsgeschichte an: Der in New York lebende Tenorsaxophonist Lucas Pino zählt zu den gefragtesten Sidemen seiner Generation und ist als künstlerischer Direktor des Dave Brubeck Institute tätig. Adrian Vedady, Juno-Preisträger und einer der führenden Bassisten der kanadischen Szene, arbeitet regelmäßig mit Künstler:innen wie Ingrid Jensen, Christine Jensen und Marc Copland. Die in Boston lebende Schlagzeugerin Ivanna Cuesta aus der Dominikanischen Republik gehört zu den spannendsten jungen Stimmen ihres Instruments. Sie war Teil des Next Jazz Legacy-Programms unter der Leitung von Terri Lyne Carrington und spielte u. a. mit Aaron Parks, Esperanza Spalding und Kris Davis.
Das neue Programm präsentiert brandneue Kompositionen von Florian Hoefner – energiegeladen, melodisch prägnant und reich an kontrastreichen Klangfarben – ergänzt durch ausgewählte Highlights aus früheren Veröffentlichungen. Mit seiner Musik schlägt Hoefner eine Brücke zwischen eingefleischten Jazzfans und Hörer:innen, die erst während des Konzerts entdecken, dass Jazz eigentlich schon immer ihre Musik war.

Einlass eine Stunde vor Beginn

Die Dauerausstellung zu Leben und Werk Erich Maria Remarques bietet an Hand von zahlreichen Photographien, Dokumenten und Handschriften einen detaillierten Blick in das Leben, das Werk und das Denken des berühmten Schriftstellers. Die Ausstellung ist durchgängig deutsch/englisch gehalten.

In sieben Abschnitten zur Jugend in Osnabrück (1898–1921), den Hannoveraner und Berliner Jahren (1922–1928), zur Diskussion um Im Westen nichts Neues (1928–1930), dem Exil in Europa (1931–1939) und den USA (1939–1948), dem politischen Werk der 50er Jahre sowie zu den 60er Jahren bis zum Tod am 25. September 1970 in Locarno versucht die Ausstellung, die Brüche, Widersprüche und Kontroversen im Leben Remarques zu verdeutlichen und ihre Produktivität für das Werk hervorzuheben. Die zahlreichen auch psychischen Konflikte Remarques werden veranschaulicht und so versucht, den scheinbaren Widerspruch zwischen dem »Lebemann« und dem »militanten Pazifisten« aufzulösen sowie einen Einblick in seine Bekanntschaften, Freundschaften und Ehen zu geben. Zahlreiche Originale wie die Totenmaske oder der Originalschreibtisch Remarques ergänzen die Präsentation.

Einen weiteren Schwerpunkt der Ausstellung bildet die weltweite, zumeist sehr kontroverse Rezeption der Werke Remarques, die in mindestens 60 Sprachen übersetzt wurden und bis heute weltweit ein Millionenpublikum finden.

Über einen Informationsterminal wird den Besucherinnen und Besuchern die Gelegenheit gegeben, sich vertiefend über einzelne Fragestellungen zu Leben und Werk zu informieren. Ein weiterer Terminal bietet den Zugriff auf mehr als 2.000 Photographien zu allen Lebensabschnitten Remarques, zu den Lebensorten und Kontaktpersonen sowie zu den Verfilmungen seiner Werke.

Die Ausstellung kann dienstags bis freitags von 10 – 13 Uhr und von 15 – 17 Uhr, samstags und sonntags von 11 – 17 Uhr kostenlos besucht werden. Führungen für Schulklassen und sonstige Interessengruppen werden auf Wunsch auch außerhalb der allgemeinen Öffnungszeitungen durchgeführt. Führungen können bei Herrn Martin Siemsen (siemsen.m@osnabrueck.de) unter Telefon 0541/323-2109 oder Fax 0541/323-4355 angemeldet werden.

In einem Shop stehen Materialien zu Remarques Leben und Werk zum Verkauf.

Ausstellung:
Di-Fr 10-13 Uhr, 15-17 Uhr
Sa+So 11-17 Uhr
Führungen auch außerhalb der Öffnungszeiten nach Vereinbarung

Archiv:
Di-Do 9-12 Uhr
Di, Mi, Do 13:30-16:30 Uhr
und nach Vereinbarung

Die Burg, die es in sich hat: „HerrschaftsZeiten! Erlebnis Cadolzburg“ ab 24. Juni 2017 auf der Cadolzburg – das neue Highlight der Metropolregion Nürnberg

Eine mächtige Burg – Schauplatz der glanzvollen Geschichte eines Herrschaftsgeschlechts, das es weit gebracht hat: Das war und ist die Cadolzburg. Bei den Fürsten handelt es sich um die Familie der Hohenzollern, die von Franken aus auch über Brandenburg regierten, seit sie im 15. Jahrhundert zugleich die Kurwürde erlangt hatten. Später sollten sie gar preußische Könige und deutsche Kaiser werden.

Die Cadolzburg bezieht ihre Strahlkraft nicht nur von ihrer Rolle als Ausgangspunkt einer bedeutenden Karriere im Alten Reich – auch am beeindruckenden Bau selbst ist diese Glanzzeit der Hohenzollern noch abzulesen. Das neue Museum „HerrschaftsZeiten! Erlebnis Cadolzburg“ der Bayerischen Schlösserverwaltung wird den Besucherinnen und Besuchern diese Zeit – das späte Mittelalter – dank innovativer Vermittlungskonzepte spannend und kenntnisreich nahe bringen. So kann man auf seinem Gang durch die Burg nicht nur etwas über Baugeschichte, Krieg und Frieden, Alltag und Regierungsaufgaben der fürstlichen Burgbewohner erfahren. Vieles lässt sich hier auf eigene Faust spielerisch oder auf sinnlichem Weg entdecken:

Der Besucher bekommt die Burg in der Nase zu spüren, es gibt Fühlstationen, Klänge und Dialoge, anschauliche Modelle und Einladungen zum Ausprobieren. Aufregende oder knifflige Spiele, die mittelalterlichen Hohenzollern im O-Ton und der Narr Contz, der die Besucher durch seine Burg begleitet, erwecken das Mittelalter zum Leben. Natürlich erwarten die Besucher hier auch etliche Originale des Mittelalters wie Schwert und Streitkolben oder eine prachtvolle Schatztruhe. Andere Objekte wurden auf der Grundlage aufwändiger Forschungen in historischen Techniken eigens für das Museum angefertigt wie die vergoldete Rüstung des berühmten Feldherrn Albrecht Achilles oder nach originalen Rezepturen gefärbte Textilien. Die Bayerische Schlösserverwaltung leistete dabei auch mit Projekten wie der Herstellung eines Brustpanzers aus gekochtem Leder einen wichtigen Beitrag zur experimentellen historischen Forschung – passend zum Anspruch, eines der wichtigsten Burgenmuseen Deutschlands zu schaffen.

Die Kulturvermittlung der Bayerischen Schlösserverwaltung bietet ergänzend ein vielfältiges Begleit- und Veranstaltungsprogramm an und macht die aufregende Geschichte noch spannender – für den kleinen Edelmann ebenso wie für den Burgenkenner.

Nicht nur das Mittelalter, auch die Cadolzburg selbst erwacht nun wieder zum Leben. Nach den massiven Schäden des Zweiten Weltkriegs lassen sich erst jetzt wieder originale mittelalterliche Räume ebenso wie gelungene Architekturschöpfungen des 21. Jahrhunderts erleben. Die 2017 fertiggestellten modernen Bauten schlagen die Brücke zwischen Mittelalter und unserer heutigen Zeit.

Sie dürfen hier also ganz besondere Erlebnisse erwarten – es ist eben DIE BURG, DIE ES IN SICH HAT.

 

 

April - September: 9:00-18:00 Uhr
Oktober - März: 10:00-16:00 Uhr

Die Weihnachtszeit ist für Mädchen und Jungen eine aufregende Zeit. Das Kindertheater Zauberflöckchen verkürzt die Wartezeit auf das Christkind mit einem stimmungsvollen Puppen- und Figurenspiel sowie Weihnachtsliedern zum Mitsingen. Im Mittelpunkt der Geschichte stehen Kinderliebling Ramon und das Zauberflöckchen, die kleine und große Theaterfreunde in weihnachtliche Stimmung bringen

Für Kinder ab drei Jahren, Spieldauer: 50 Minuten.

*** alle Besucher von 0-99 Jahren benötigen ein Ticket***

Diese Kindertheater-Vorstellung ist im Vorverkauf in Kombination mit mindestens zwei weiteren Kindertheater-Veranstaltungen im günstigen Abo erhältlich.

Einlass: 10.15 Uhr

Die Zeit der Romantik war für die Bildnisminia-tur eine besonders glänzende Epoche, sie führte sie zum Höhepunkt und leitete gleichzeitig das Ende dieser besonderen Technik der Malerei ein. Unfassbar viele Künstler und Künstlerinnen schufen Porträts von großem Einfühlungsvermögen und erstaunlicher technischer Perfektion. Und mehr Menschen denn je sammelten Kleinstporträts ihrer Liebsten, um sie mit sich zu tragen oder zu Hause als bildliches Familienalbum zu versammeln. 142 Meisterwerke aus der bekannten Sammlung Tansey beleuchten die Blütezeit einer Kunst, die im Verlauf des 19. Jahrhunderts der Fotografie weichen musste.

Begleitend erscheint ein Katalog, der sich neben der kommentierten Wiedergabe aller Werke durch Aufsätze verschiedener Experten zu Aspekten der Miniaturmalerei dieser Zeit auszeichnet. Hirmer Verlag,zweisprachig Deutsch/Englisch, 432 Seiten, 208 Farbabbildungen.

Di - So 11-17 Uhr

Die Begeisterung für den irischen Stepptanz ist im Namen die-
ser neuen irischen Tanzshow festgeschrieben. Frei aus dem
Englischen übersetzt heißt sie „die Tanzwütigen“. Ja, die Iren
können einfach das Tanzen, Singen und Spielen nicht sein
lassen. Es liegt ihnen im Blut.
Jedes Land hat seine ganz besondere Art und Weise Weihnachten
zu feiern. Irland bildet da keine Ausnahme. Die Danceperados of Ire-
land bringen uns mit ihrer „Spirit of Irish Christmas“ Tour die Weih-
nachtsbräuche der Grünen Insel näher. Sie entführen uns in diese
besondere Zeit, die einige sehr eigenwillige Blüten wie die „Wren
Boys“ treibt. Junge Burschen setzen wilde Strohhüte auf, ziehen sich
Lumpen kostüme über und treiben in der Nachbarschaft Schaber-
nack. Einmalig sind auch das Weihnachtsschwimmen im eiskalten
Meer und die Frauenweihnacht, die auf vorchristliche Zeiten mit
einer matriarchalischen Gesellschaft zurückgeht. Diese fi ndet am
Dreikönigstag statt und dann übernehmen die Männer die Pfl ich-
ten des Haushalts und verwöhnen die Damen des Hauses.
Die Künstler bringen das Publikum immer wieder herzlich zum La-
chen, weil einige Bräuche für unsereinen schräg und daher komisch
sind. Das alles befi ndet sich im feinen Gleichgewicht mit spirituellen
Momenten der Verinnerlichung. Die Danceperados nehmen uns
in eine Zeit zurück vor der Kommerzialisierung der Weihnacht
und des in der angelsächsischen und unseren Welt überall prä-
senten Weihnachtsmanns. Auf die großen Weihnachtshits der glo-
balisierten Welt wird man vergeblich warten. Stattdessen erklingen
alte gälische Hymnen und Weihnachtslieder in Englisch, die als
„Carols“ bezeichnet werden.
Da viele Iren damals und heute ihren Lebensunterhalt im Ausland
verdienen mussten und müssen, ist Weihnachten immer die Zeit
im Jahr, in der alle im Ausland lebenden Iren nach Hause streben.
Das ganze Jahr über haben sie ihre Freunde und Familien nicht
gesehen und sind überglücklich zusammen feiern zu können. Die
Pubs sind brechend voll und Whiskey und Bier fl ießen in Strömen.
Dazu werden Jigs & Reels gespielt. Wo diese gespielt werden, da
wird auch wie wild getanzt… Spätestens jetzt wird es einem klar:
Eine irische Stepptanzshow und das Motto „Irish Christmas“ –
das passt doch wunderbar zusammen! Eine auf Musik und Tanz
fein abgestimmte Multivision mit winterlichen Landschaften
und Weihnachtsmotiven gibt dem Publikum das Gefühl mitten-
drin – also in Irland dabei zu sein.
Was die Danceperados von einer herkömmlichen Tanzshow unter-
scheidet, ist die Qualität der Tänzer, Musiker und Sänger. Sie leisten
sich den Luxus, gleich ein Sextett mit auf Tour zu nehmen. Die Musi-
ker/innen gehören zur Crème de la Crème des Irish Folk. Es gehören
sogar Grammy nominierte Künstler zur Band.
Für die Choreographie ist der zweimalige „World Cham pion“
Michael Donnellan zuständig. Seine Arbeit ist einmalig und
sprengt den Rahmen dessen, was man bisher gesehen hat. Er setzt
die Geschichten und Handlung in Bewegung um. Die Tänzer/innen
sind regelrecht süchtig sie jeden Abend aufs Neue zu tanzen. Aus
einem großen Pool an Bewerbungen hat Michael die Besten ausge-
wählt. Die Klasse der Tänzer/innen kann man daran ersehen, dass
es alle zusammen auf mehrere Dutzend World Dancing Champion
oder All Ireland Titel bringen.
Ohne Playback zu arbeiten ist jedoch das wichtigste Allein-
stellungsmerkmal. Das Publikum auf diese Weise zu täuschen,
wie es so oft bei anderen Produktionen üblich ist, können die
Tanzwütigen nicht mit ihrem Ethos vereinbaren. Die Tänzer und
Musiker lieben die künstlerische Herausforderung, ohne Netz und
doppelten Boden zu steppen und zu spielen. Nur so kann man
spontan reagieren und auch improvisieren. Statt das Publikum mit
Showeffekten zu blenden, überzeugen es die Danceperados mit
einer überschäumenden Lebendigkeit und Authentizität. Alles ist
live! Jetzt können die Weltmeister endlich zeigen, was sie können!
Die Danceperados haben sich an die Spitze einer Bewegung
gesetzt, die den irischen Stepptanz aus den Klauen der großen
Produzenten befreien und ein Stück menschlicher, freier und
näher an den Ursprüngen machen möchte. Die Medien und
Fans sind von der Kraft und der Kompetenz dieses neuen und ehr-
lichen Konzepts elektrisiert. Mit „standing ovations“ feiern sie ein
Ensemble, dem es gelungen ist, Show und Kultur miteinander zu
versöhnen.

»Manchmal denke ich, der Himmel besteht aus ununterbrochenem, niemals ermüdendem Lesen.«
(Virginia Woolf)

Aufgrund der großen Nachfrage bieten wir ab dem 1.8.2024 wieder das beliebte 5+1 Abo an.

Dies gilt auch für ermäßigte Tickets (Ermäßigungen gelten gegen Nachweis für Schüler*innen, Studierende, Geflüchtete, Schwerbehinderte & München-Pass Inhaber*innen). Zahlen Sie den Preis für 5 Veranstaltungen und besuchen 6 (Euro 50.- statt Euro 60.- für 6 Veranstaltungen).*

Mit dem auf dem 5+1 Abo enthaltenen AKTIONSCODE können Sie dann 6 Veranstaltungen Ihrer Wahl (ausgenommen sind natürlich bereits ausverkaufte Veranstaltungen) buchen. / Der Code ist für max. 6 ausgewählte Events einzulösen (gerne auch in mehreren Etappen). / BITTE BEACHTEN SIE, dass Sie den Code pro Veranstaltung nur einmal benutzen können, da das Abo lediglich für eine Person gilt. / Pro Online-Buchung mit dem Aktionscode via Reservix fällt eine Servicegebühr von 2.- EURO an.

*dies gilt derzeit lediglich für die Veranstaltungen mit einem Eintrittspreis von EURO 16.- (Normalpreis) sowie ermäßigt EURO 10.-.

Mallet – Classic Rock in seiner ganzen Bandbreite
 
Nach 45 Jahren Bandgeschichte, unzählbar vielen Gigs im In-und Ausland, tausenden von Bandbuskilometern und einer nicht enden wollenden musikalischen Produktivität steht eins fest:
Wo Mallet drauf steht ist Mallet drin!
Mallet ist Kult - und das längst nicht mehr nur in Wiesbaden!
 
Vorgetragen werden eigene Songs aus mittlerweile 15 Mallet Alben und Cover Songs im eigenen unverwechselbaren Mallet Stil in der ganzen Bandbreite des Genre von soft bis hart. Gerade diese Abwechslung macht jedes Konzert zu einem Erlebnis und es sollte für jeden was dabei sein.
 
Besetzung:
Jürgen Rehberg (Gitarre & Gesang)
Manfred Dünzl (Bass & Background vocals)
Robin Staudenmeier (Drums & Background vocals)

Die Weihnachtszeit ist für Mädchen und Jungen eine aufregende Zeit. Das Kindertheater Zauberflöckchen verkürzt die Wartezeit auf das Christkind mit einem stimmungsvollen Puppen- und Figurenspiel sowie Weihnachtsliedern zum Mitsingen. Im Mittelpunkt der Geschichte stehen Kinderliebling Ramon und das Zauberflöckchen, die kleine und große Theaterfreunde in weihnachtliche Stimmung bringen

Für Kinder ab drei Jahren, Spieldauer: 50 Minuten.

*** alle Besucher von 0-99 Jahren benötigen ein Ticket***

Diese Kindertheater-Vorstellung ist im Vorverkauf in Kombination mit mindestens zwei weiteren Kindertheater-Veranstaltungen im günstigen Abo erhältlich.

Einlass: 15.45 Uhr

Disillusion kündigen ihre LIVE SPRING 2026 Tour an.

Zwischen zwei Albumproduktionen nehmen sich die Leipziger Progressive-Metal-Visionäre
DISILLUSION im Frühjahr 2026 Zeit, um ihre unvergleichliche Bühnenenergie erneut live zu
entfesseln – in Deutschland und Europa.

Neben Songs vom aktuellen Album AYAM rückt auch das 20-jährige Jubiläum von GLORIA in
den Fokus der Setlist – ein Werk, das auch zwei Jahrzehnte nach seiner Veröffentlichung nichts
von seiner zeitlosen Strahlkraft verloren hat. Und da die Herren auch keineswegs untätig
sind…ein neuer Track?

Nach der erfolgreichen, vielerorts ausverkauften Tour 2024, die Auftritte in Deutschland,
Frankreich und den USA umfasste, dürfen sich Fans nun auf eine neue intensive Live-Erfahrung
freuen – emotional, episch und kompromisslos.

19:00