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„Ein Käfig voller Deppen“
Wiederaufnahme
Herrlich frivole Komödie – nach 7 Jahren endlich wieder zurück auf der Bühne des Boulevardtheaters Deidesheim!

Was passiert, wenn ein etwas zu einfallsreicher Psychiater beschließt, seine Praxis heimlich in die eigene Wohnung zu verlegen? Genau: Das Chaos ist vorprogrammiert!

Der dubiose Seelenklempner Dr. Hemmpel (Götz Valter) behandelt seine Patienten diskret zwischen Sofa und Küchentisch – und das läuft überraschend gut… bis plötzlich die strenge Präsidentin des psychiatrischen Vorstands, Dr. Riat Krautfeier (Uwe Naumann), zur Kontrolle vor der Tür steht!

Ab diesem Moment bricht das totale Durcheinander aus:
Ein herrlich verrückter Patient Volker von Alzey (Boris Stijelja), ein optisch leicht missglücktes Fräulein (Marion Stress) und ein plötzlich auftauchender italienischer Pizzabäcker (René Weintz) wirbeln alles durcheinander. Lügen werden gestrickt, Identitäten vertauscht und nichts ist mehr so, wie es scheint....

Das Publikum ist mittendrin im Geschehen – und wenn die Verwirrung ihren Höhepunkt erreicht, bleibt garantiert kein Auge trocken!

Über 10 Jahren begeistert diese Komödie ihr Publikum – und nach zahlreichen Nachfragen kehrt sie nun nach 7 Jahren für kurze Zeit endlich zurück:

Neu inszeniert und mit frischer Besetzung!
Ein Abend voller Wahnsinn, Tempo und Lachtränen ist garantiert!

Einlass immer 1 Std. vor Veranstaltungsbeginn

Ausverkauft!

Alles begann am Berliner Theater am Kurfürstendamm mit der Uraufführung „Comedian Harmonists (2.Teil) - Jetzt oder Nie" unter der Regie von Martin Wölffer. Das über viele Jahre erfolgreiche Theaterstück bildet die Grundlage für 5 hervorragende Sänger und ihren Pianisten, gemeinsam weiterhin und mit erweitertem Repertoire auf den Bühnen des Landes zu stehen.

Nach einer kurzen Pause hat sich die Gruppe mit einigen neuen Mitgliedern nun endlich wieder zusammen gefunden und so geht die beliebte Geschichte weiter. Freuen Sie sich mit „Comedian Harmonists Today - Unveröffentlicht!“ auf eine aufregende Reise in die Zeit der „ersten Boygroup der Welt". Aber nicht nur musikalisch Einzigartiges wird geboten, denn das Publikum erfährt zum 100-jährigen Jubiläum auch seltene Informationen aus dem Comedian Harmonists-Archiv mit freundlicher Genehmigung von Herrn Th. Niemeyer.

Im Programm sind natürlich die größten Hits der Comedian Harmonists wie „Mein kleiner grüner Kaktus“, Veronika, der Lenz ist da" und „Irgendwo auf der Welt“ . Sie hören aber auch Ungewohntes wie „Die Nacht ist nicht allein zum Schlafen da“ und „O sole mio“ sowie unveröffentlichte Raritäten, etwa ein Kollo-Potpourri und „Das Wolgalied“ aus den originalen Noten von Robert Biberti. Das Ensemble lässt den legendären Klang der Original-”Comedian Harmonists” wiederauferstehen und versteht sich exzellent auf den charmanten,
augenzwinkernden Witz der wilden “Goldenen Zwanziger Jahre”.

Einlass ab ca. 19.00 Uhr

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Secret Sound – Indie Pop Konzert in Düsseldorf | Live Musik & Newcomer Artists

Erlebe Secret Sound Vol. 5 am 19. September: Drei aufstrebende Indie- und Pop-Künstler aus NRW auf einer intimen Bühne in Düsseldorf. Genieße eine besondere Location, echte Club-Atmosphäre und eine feiernde Community.

Highlights:
• 3 Live-Acts voller Energie
• Entdeckung neuer Artists
• Intime Club-Atmosphäre
• Bezahlbare Drinks & Tickets
• Inspirierende Gespräche und Networking

🎶 Perfekt für Indie Pop Fans, Musikentdecker und alle, die besondere Live-Erlebnisse suchen.

Tickets limitiert – jetzt sichern!

Einlass: 19:00 Uhr

Informationen unter 0340 2511-333

Hans erhält von seinem Meister einen großen Klumpen Gold. Nun heißt es für Hans: “Hinaus ins Leben und sich bewähren.“ Dabei lässt Hans frohen Mutes alles los, das ihn beschweren will und tauscht das Gold gegen ein Pferd, eine Kuh, ein Schwein, eine Gans und einen Schleifstein. Er erlebt Dinge, die man mit Gold nicht kaufen kann und merkt, dass das Glück nur zu fassen ist, wenn die Hände frei sind. So lässt er noch den Stein in einen Brunnen fallen. Befreit von aller Last kommt Hans nach Hause zurück. Er weiß nun: “Das Glück schaut nur bei dem herein, der dafür auch ganz offen ist.”
Es spielt: Ronald Gräfe

Das Mitspieltheater ist eine besondere Form des Theaterspielens, bei der ein erfahrener Schauspieler ein Märchen erzählt und dabei in die verschiedenen Märchencharaktere und Rollen schlüpft. Die Kinder können hierbei selbst aktiv werden. Sie können ihre Gedanken und Ideen dem Spieler auf der Bühne zurufen, der diese Impulse spontan mit in die Geschichte integriert. Außerdem können die Kinder an vielen Stellen selbst auf der Bühne mitspielen! So entsteht ein interaktives und lebendiges Theaterspiel zwischen dem Erzähler und den Kindern.

Erleben Sie eine einmalige Inszenierung für die ganze Familie von Johannes Galli mit eigens dafür komponierter Musik von Johannes Galli & Michael Summ.
Die CD mit allen Märchenliedern aus dem Stück (inklusive Playback-Versionen & Songtexten) erhalten Sie bei uns im Theater.

Einlass im Galli Theater 30 min zuvor

Der reiche amerikanische Industrielle Philip Doom nimmt seine Tochter Madeleine mit auf eine Luxusreise nach Paris, um ihr schwieriges Verhältnis zu kitten. Quentin Dupieux, dessen Vorliebe für absurde, surreale Konstellationen in realen Settings uns schon schillernde Kinoperlen um sprechende Objekte oder mordende Autoreifen beschert hat, verwandelt das Vater-Tochter-Drama in eine schräge Mischung aus Beziehungskomödie und Horror-Pastiche der 1950er. Im Pariser Luxushotel frönen Vater und Tochter ihrer Hassliebe, in der niemand dem anderen in Sachen Gemeinheit nachsteht. Zwischen französischer Küche, einem aufdringlichen Hotelangestellten und einem alten Grusel-B-Movie im Hintergrund entfaltet sich eine bitterböse Miniatur über Entfremdung, Kontrollverlust und die schiere Absurdität familiärer Nähe. Und dann beginnt eine seltsame Metamorphose, die eine möglicherweise doch bestehende tiefe Verbundenheit der beiden beweist. Je mehr Haute Cuisine Leckereien das Töchterchen mit ausgewachsener Essstörung in sich hineinstopft, desto mehr befällt den Vater ein übles Völlegefühl. Woody Harrelson und Kristen Stewart tragen den Nonsens mit trockenem Ernst durch eine Story, die so hemmungslos mit Klischees jongliert, wie es sich für den Kosmos des Meisters des Absurden gehört.

Fünftausend Menschen leben in dieser Kleinstadt im Norden Floridas, und jeder von ihnen ist ein Träumer. Bigfoot-YouTuber mit einem Plan für mehr Abonnenten. Hausbesitzer, die sich vom Herrn berufen fühlen, Ziegen im Garten zu halten. Und Kathleen, die als kleines Mädchen im Sumpf den Froschkönig sah und sich bis heute weigert, nicht mehr daran zu glauben. Sie will ihren großen Traum umsetzen und die erste Froschparade in ihrem Heimatort organisieren. Während ihre Enkelin Hope ihr jedes Wort glaubt, trifft sie bei anderen auf freundliches Unverständnis.

Ein Dokumentarfilmteam hält all das fest – und wird selbst Teil des Geschehens. Zärtlich, absurd und eigenwillig - ein Film, der seine Protagonisten wahrhaft liebt, so wie Les Blank nie aufgehört den Menschen im Süden ihre Würde nie streitig zu machen. »Frogtown« spürt jenem Geist des tief Verwurzelten nach, einer ganzen Kultur und Dimension Amerikas, die so gut wie nie von denen erzählt wird, die sie tatsächlich mögen. Es geht um die Angst, die mit Träumen einhergeht und um die Furcht, ihr Scheitern mitanzusehen. Am Leben zu bleiben bedeutet, weiter zu träumen. Und dann, plötzlich, ist da der Frosch.

Die elfjährige Juniper wächst in Utah am Rande der großen Wüste auf, doch wenn es nach ihrer Mutter geht, werden sie ohnehin schon in zwei Tagen nach Idaho ziehen. Juniper hat aber ganz andere Pläne: Sie will unbedingt Mackenzie Astin heiraten, den Star ihrer Lieblings-Sitcom „The Facts of Life“, und das in kindlich unbekümmerter Missachtung sämtlicher Jugendschutzgesetze lieber heute als morgen. Und so lässt sie kurzentschlossen das vertraute Heim hinter sich und wandert los in Richtung Kalifornien, hinein in die Einsamkeit der Wüste, wo die Sonne vom Himmel brennt und hinter jedem Busch und Felsen das große Abenteuer lauert.

Wie Juniper auf ihrem Weg durch diese ganz eigene, menschenleere Welt ihren „Walkabout“ erlebt, ist ein mit Mylissa Fitzsimmons‘ eigenen Kindheitserinnerungen verwobenes, hypnotisch dahinfließendes Microbudget-Drama, eine Essenz der Leichtigkeit des adoleszenten Seins. Junipers Welt ist ein verlockendes Universum, dessen Farben und Geräusche es bei jedem Schritt neu zu

entdecken gilt. Und Lucya Yusimov dominiert in ihrem Filmdebüt mit spielerischer Leichtigkeit jede einzelne Einstellung dieses faszinierenden Wüstentrips.

Ein Film wie aus einer anderen Zeit. Mit seinen pointierten Dialogen, seinem fast schon klaustrophobischen Kammerspiel-Setting und seinen extrem genau gezeichneten Figuren, deren vielfältige Facetten sich nur nach und nach offenbaren, steht Neil LaButes bitterböser Psychothriller in einer Filmtradition, die eigentlich schon lange abgerissen ist. Er selbst führt Filme wie Joseph L. Mankiewicz‘ »Sleuth« (1972) und Alfred Hitchocks Krimi-Kammerspiele »Rope« (1948) und »Dial M for Murder« (1954) als Vorbilder für »Murderous« an. Das sind ambitionierte Referenzen, hinter denen sich dieser leise und psychologisch überaus präzise Thriller aber nicht verstecken muss. Marian, eine aufstrebende Drehbuchautorin und Regisseurin, hat mit ihrem Debüt für Furore gesorgt. Doch nun steckt sie in einer Krise, die sich noch verstärkt, als ihr früherer Studienkollege Norman bei ihr auftaucht. Er behauptet, dass ihr Film auf seinen Ideen beruht, die sie ihm gestohlen hat. Daraufhin verstricken sie sich einem verbalen Duell, das auf eindrucksvolle Weise neben dem verminten Territorium komplexer Beziehungen auch offenlegt, wie Erfolg oder Misserfolg Menschen deformieren.

Johnny steuert militärische Todesdrohnen. Die Gewalt findet tausende Meilen entfernt statt, wenn er abends nach der Arbeit nach Hause kommt, dringt sie dennoch unerbittlich in sein Zimmer vor. Er lebt zurückgezogen gemeinsam mit seiner Schwester Mary, beide unterstützen sich und bald wird klar, dass sie ohne einander nicht existieren können. Mary taumelt von einer scheiternden Beziehung in die nächste und findet nirgends halt. Johnny wird von Albträumen geplagt, die seine Fähigkeit, sich in der Realität des Hier und Jetzt zurechtzufinden, vollends aushöhlt.

Zachary Nichols hatte das Projekt als Kunstinstallation angelegt, aber bald wurde klar, dass nur eine größere Erzählform diesem Thema gerecht werden konnte. Dennoch, das Narrative seines Films löst sich zusehends auf, so wie sich Johnnys Realität auflöst. Die Filmerzählung findet immer neue Wege, tiefer hinein in diese Welt aus Schmerz und ohne Ausweg, und doch gibt es Momente von großer Schönheit und Empathie, die den Zuschauer nachhaltig begleiten. Wenn wir uns die Menschlichkeit bewahren wollen, muss es solche Filme geben.

Ein Grubenunglück stellt das entbehrungsreiche Leben von T.A. Diamond vor schier unüberwindliche Probleme. Er wird gerettet, seine Handverletzung bedeutet aber im Utah der 1930er Jahre die Arbeitsunfähigkeit. Mit dem kargen Wochenlohn wird er abgespeist und sieht sich der einzigen ihm vertrauten Rolle seines Lebens beraubt. Frau und Kind lässt er im Glauben, seine Verletzung sei nur ein kleiner Kratzer und am nächsten Tag geht er den Weg, den der immer geht. Nur ein heimlich mitgenommener Revolver macht diesen Tag anders als sonst. Es wird keiner gerader Weg zum Bergwerk und zurück zur Familie, eher ein Zickzack Kurs wie der des Hasen im Feld, dessen Ziel er selbst nicht kennt.

Mit Kameramann Corey C. Waters, der schon Kristen Stewarts Regiedebüt mit seiner einfühlsamen Fotografie zu einem visuellen Erlebnis gemacht hat, entwirft Jared Hogan einen Film, der die Zeit, die Menschen und die Landschaft in unvergessliches Licht taucht. Die Schönheit der Bilder machen den Schmerz von T.J., der eindrucksvoll von Frank Mosley portraitiert wird, noch intensiver.

Ein kleines Missgeschick beim Speed Dating und zu viel billiger Pinot schicken Singlefrau Kathy nach einem Stolperer zuerst auf die Bretter und dann direkt auf die Intensivstation. Als sie aus dem Koma erwacht, fehlt ihr körperlich nichts, aber ihr früher so schlagfertiger Redefluss hat sich über Nacht einen satten bosnischen Akzent zugelegt. Ob Restaurant oder Supermarkt, sobald Kathy den Mund aufmacht, reagiert die Mehrheit mit Gelächter oder Vorurteil. Nur Visnja, die im Krankenhaus als Putzfrau arbeitet, zeigt Verständnis für die Situation und nimmt Kathy mit in eine Welt, die ihr nicht nur die Augen öffnet, sondern unerwartete Freundschaften bereithält und ihrem Leben endlich den lang vermissten Sinn gibt. Zumindest, bis Kathy plötzlich wieder zu genesen scheint.

Irgendwo zwischen launiger Romcom und bissiger Sozialsatire navigiert sich Boris Mojsovskis Was-wäre-wenn-Szenario durch scheinbar unüberwindliche kulturelle Unterschiede, die sich dann doch nur als Grenzen im eigenen Kopf ad absurdum führen. Ein wundervoll entspanntes Plädoyer für

Toleranz und Verständnis und dank glänzend aufgelegter Darsteller eine komödiantische Offenbarung der wirklich intelligenten Art!

Alex und sein Bruder Dillon sind nach ein paar Konflikten mit dem Gesetz gerade raus aus dem Knast und stolpern nach einem Gespräch mit ihrem Bewährungshelfer nicht nur über eine verdächtig günstige Wohnung, sondern können sogar ein Vorstellungsgespräch für einen ehrlichen Job klarmachen. Doch dann verschwindet Dillon nach einer ausschweifenden Party im örtlichen Drogenclub, und Alex begibt sich auf eine gefährliche Suche durch Südfloridas exzentrische Subkultur, die vor Gaunern, Spinnern und Echsenmenschen nur so wimmelt. Etwas stimmt hier ganz und gar nicht. Menschen verschwinden. Verdächtige Gestalten lauern in dunklen Schatten. Und die Spur führt direkt zu der ominösen Seniorenwohnanlage am Ende der Straße. „Jit“ ist eine Liebeserklärung an das Florida der Durchgeknallten. Ethan Gathman und Jorge

Rodriguez haben mit minimalem Budget eine umwerfend originelle Stoner-Odyssee auf die Beine gestellt, die sämtliche Südstaaten-Klischees bestätigt, sich aber niemals dafür entschuldigt. Visuell beeindruckende Sequenzen wechseln sich ab mit Lo-Fi-Inserts in VHS-Ästhetik und der Score setzt einen Rhythmus aus Dissonanzen, Underground-Rap und lokalen Dialekten. Ein wilder, elektrisierender Ritt!

The Joyless Economy Marjorie Conrad, USA 26, 58 min, OV, DP

„Du hast in einem Supermarkt gearbeitet. Da war ein Mann, der dich liebte – du nanntest ihn Y; da war ein anderer – du nanntest ihn X; und da war das Regal: die Kassetten, die Hüllen, die Buchrücken – Hunderte davon, angesammelt in den Jahren, bevor man so etwas umsonst bekommen konnte.“

Marjorie Conrads filmischer Essay über die Biographie einer unbekannten Frau ist formal und erzählerisch ein hypnotisches cineastisches Erlebnis. Anhand der Videosammlung dieser Frau erzählt Conrad von sexueller Entdeckung und von der Untreue dieser Frau. Die linke Seite der Leinwand durchquert die Filme ihres Lebens, steigt tiefer in ihre cineastische Leidenschaft herab, während die rechte Seite des Films begleitet von einer Erzählerin in körnigem Schmalfilm-Material ihrem Lebensweg nachgeht.

Es geht um das unstillbare menschliche Bedürfnis nach Verbundenheit, um Kränkung und Verlorenheit sowie um die Unmöglichkeit, jemals jemand anderes zu sein. Poetisch und existentiell entsteht das feministische Portrait eines cinephilen Lebens, erkundet Wechselwirkung von Filmvorlieben und Leben.

Seine ersten Meriten verdiente sich Ned Crowley als Mitglied der Comedy Gruppe „White Noise“ in Chicago. Nun hat er seinen schwarzen Humor mit viel Verve dem klassischen Horrorkino injiziert. Mit „Dead Drop“ hat er sich des alten Genres „ein Fahrstuhl macht was er will und bringt Menschen um“ angenommen, und es mit so viel Humor und Augenzwinkern aufgefrischt, dass es eine wahre Freude ist, den Weg in die Hölle mitzuerleben.

Acht wildfremde Menschen, ein Frachtaufzug, der einfach nicht ankommt: Was als lästige Betriebsstörung beginnt, wird schnell zur Frage von Leben und Tod. Nach und nach dämmert allen an Bord des Fahrstuhls, dass sie nicht zufällig zusammen in dieser Kabine gelandet sind.

Mit seinem Horror-Western "Killing Faith" hat Crowley zuletzt Stephen King begeistert, für seinen neuen Wurf verwebt er den bissigen Witz einer Agatha-Christie-Räuberpistole mit der kompromisslosen Härte von "Squid Game". Darüber schwingt wie ferner Widerhall Dantes „Inferno“.

Ein dicht getaktetes Kammerspiel aus scharfem Dialogwitz und plötzlichen Schockmomenten, das zwischen den Angriffen auf die Nerven auch Raum für seine klar gezeichneten Figuren lässt.

Bertrand Mandico, dessen Filme schon immer eher dem transgressiven Kino des Undergrounds zugewandt waren, hat mit »Roma Elastica« das perfekte Tableau für seine Kunst des assoziativen Erzählens gefunden und mit Marion Cottillard und Noemi Merlant die beiden größten Stars des französischen Kinos an seiner Seite. Seine Geschichte bringt uns in das Rom des Jahres 1982. Dort trifft Eddie in Cinecitta ein, um in einem Science-Fiction-Film mitzuwirken, der ihr letzter sein könnte. Als Schauspielerin hat sie ihren großen Moment des Ruhms in Hollywood gehabt, nun muss sie sich in einer Welt arrangieren, in der es anscheinend niemand interessiert, eine Trennlinie zwischen Kunst und Trash zu ziehen. Begleitet von ihrer treuen Maskenbildnerin Valentina taucht Eddie in eine Welt aus schwindendem Glamour, seltsamen Begegnungen und einer Filmbranche im Umbruch ein. »Roma Elastica« ist ein traumwandlerisches, taumelndes Porträt einer Schauspielerin im Spätherbst ihrer Karriere, die die Grenzen zwischen Fiktion und Realität aus den Augen verliert - und eine wild romanische Hommage an die Geister des italienischen Kinos.

Nur wenige Minuten der Unachtsamkeit, und nichts ist mehr, wie es vorher war: Juan und Alma haben ihren Sohn Andrés durch einen Unfall verloren und die Trauer ist unermesslich. Vor allem Juan macht sich Vorwürfe, denn er war es, der in jener Nacht allein mit Andrés zu Hause war. Als die Schuldgefühle übermächtig werden, flieht er mit einem Boot auf den Ozean hinaus und findet dort seinen Sohn auf wundersame Weise wiederbelebt.

Geschickt verwebt Mauricio Chernovetzky Elemente aus aztekischer Mythologie und magischem Realismus in seiner Geschichte um einen Mann, der keinen Ausweg aus seiner Trauer finden kann und den nur der eine Wunsch antreibt, wieder mit seinem Sohn vereint zu sein. Juan versteckt sich mit seinem verlorenen Sohn auf einer verlassenen Insel. Doch Andrés hat sich verändert, ein unstillbarer Hunger treibt den Jungen an und es scheint, nur Juan kann diesen Hunger stillen. Bereit diese zweite Chance als göttliches Geschenk anzunehmen, muss er erkennen, dass manchen Träumern ein hoher Preis abverlangt wird, um nicht wieder aufzuwachen.

„Sacrificio“ nimmt den Zuschauer mit in eine hypnotisch schöne und beängstigende Welt aus Schmerz, Schuld und Sehnsucht. Rauschhaftes Genrekino aus Mexiko.

Aufgeworfen aus dem Schotter der Elbvertiefung, ist sie ein Abfallprodukt der Unersättlichkeit von Schwerindustrie und globalem Handel, um immer größeren Schiffen die Zufahrt in den Hamburger Hafen zu ermöglichen. Die kleine Insel Schwarztonnensand, kaum dreieinhalb Kilometer lang und einen halben breit, liegt direkt am Elbfahrwasser.

Doch im Schatten dieses dahinströmenden Superhighways hat sich die Natur ihren Raum erobert und ist zur Heimat geworden für Seeadler, Gänse und Rehe und für ein einzigartiges Ökosystem, das nur einen Steinwurf weit entfernt liegt von den mächtigen Frachtschiffen und den dröhnenden Maschinen der Industrieanlagen, mit denen der Mensch die moderne Welt dominiert. Kaum eine Koexistenz erscheint unwirklicher, und genau das macht ihre Faszination aus.

Für ihren Debütfilm hat Mi Steinbach wochenlang die kleine Elbinsel erkundet und fängt Bilder ein, die von ihrem Kontrast leben und gleichzeitig von ihrer Intimität. Im kongenialen Zusammenspiel mit Bernhard Reddigs explizit durchgetaktetem Schnitt und der hypnotischen Musik von Robert Nacken, gelingt ein meditatives Meisterstück. Am Ende verstehen wir, wo das Herz der Welt schlägt.

Mina und Hap haben sich zufällig in einer Bar kennengelernt. Nun sitzen gemeinsam vor
einem großen Kamin in einer riesigen, fast schon an eine Burg erinnernden Villa, die Minas
Familie gehort. Der von Justin Long gespielte Hap kann sein Gluck noch gar nicht richtig
fassen und gibt sich doch schon erotischen Fantasien hin, die Kate Bosworths Mina noch
weiter anfacht. In einem säuselnden Ton verkündet sie, dass er alles mit ihr machen könnte.
Nur schwingt in diesen Worten noch etwas anderes mit. Es ist fast so, als wurde sie ihn
herausfordern, es zu versuchen. In diesem Moment, der einfach ein Flirt sein könnte, liegt
wie so oft in Neil LaButes Filmen etwas Doppelbodiges und Abgrundiges. Wie kaum ein
anderer Autor und Filmemacher versteht er es, durch unterschwellige Andeutungen in seinen
Dialogen düstere Räume zu öffnen, in denen man sich mehr und mehr verliert. So auch in
dieser überaus persönlichen Variation auf Vampirmythen, die er durch die Namen von zwei
seiner Protagonistinnen auf ironische Weise mit Bram Stokers »Dracula« verknüpft. »House
of Darkness« stellt die Konventionen des Horrorgenres
gegen mannliche Allmachtsfantasien.